La impostura del misionero

Este blog es una ruina. Nos mudamos

2010-06-28T06:17:00.000-07:00

Gracias a todos por todos estos años. De verdad.

Ahora estaré en

http://cosasserias.wordpress.com/

Declaracion de la venta

2010-01-03T02:08:00.000-08:00

Me duele la garganta y en la piel llevo
gotas sin gatos ni botas de agua para pelear
y salir por lo mio como nadie me cuenta
como nadie me suelta como
cocino en tus platas,robo versiculos enteros
como longanizas secretas del coraz'on, suelen descifrarme
para lo de la renta y para presentar, con mis respetos,
mi desglosamiento, aqu´i dos piernas, dos huevos
un pulm'on, un fracaso interno de nacimiento interior
la alergia a palpar las cosas que me sabo, pronunciadas
palabras y patillas y dientes para regalar en navidades
y en internet (y por la radio), barriga para siete pescuezos
y una especie de lunar extraño muy cerquita del mismo centro
del sol

Poemas escritos en el dorso de folios para reciclar

2009-11-19T07:39:00.000-08:00

(I)

No es amarillento recordar.
Amarillento es no sacudirte bien
después de hacer lo tuyo

(II)

El amor ya no cree en mi
me ha puesto una x en todas las quinielas

(III)

Diariamente visito las tumbas de mis nietos
les pongo unas seis flores de plástico
en un vaso ancho de gin tonic

(IV)

Hoy me he prometido
no matar mariposas azules
con mi cerbatana marrón.
¡Qué gilipollez!

La Partida

2009-08-17T02:57:00.000-07:00

Vives como si dejas vivir, las manos francas
y el pudor, sonríe si no es más que algo así,
suele si no tienes la ansiedad, mastica piedras
dormita en la madriguera sagrada de los prospectos
humedifica tu humanidad, berrea en el mastil y el pilón
desaprende a rectificar, véndele las cosas raras a él
las entrañas del colchón, tu poder para podar ramas
familiares de tus supuestos partenaires.

Parte pero no rompas. Hazme el favor.

Reactivando

2009-07-06T09:23:00.000-07:00

Entre el facebook, mi vida, la suya, el tiempo, el espacio y dieciséis mil cosas más cosas menos, mi blog ha quedado en desuso y en via comatosa. Vacío de vida, reducto de un pasado donde solía escribir cada dos días más o menos, espejo manchado donde sólo se paran las moscas despistadas. He pensado en practicarle la eutanasia, acabar con sus latidos tímidos, robarle su pálpito mientras él pueda mirarme a los ojos y decirme tus muertos. Quería crear un nuevo blog donde publicar poemas y microrrelatos y donde poder acudir como diario público recopilador de mis tóxinas literarias. Pero lo he pensado mejor (o peor) y he decidido que este será el sitio. Y que empezamos hoy.

LOS NÚMEROS CANTAN

Todo terminó
El día que pasamos del 69
Al 96
Tus talones en mi nuca
Yo lo mismo.

De la única forma que sé

2009-05-11T10:16:00.000-07:00

Te pido perdón. Poniendo otro post

DÉJAME ENTRAR
El final de la inocencia

Recuerdo que cuando era un niño tuve una amiga muy rara. Pero realmente no me apetece hacer una crítica hablando de ella para hablar de mí. Así que contaré otra cosa de mi niñez. Desde los 9 años soy admirador del cine sueco. Y todo fue por culpa de un ciclo que puso la segunda cadena (la 2 es una falta de respeto, un tuteo que ni tu tía) que me enganchó por una película que creí que hablaba de mí. Era de 1975 (el año en el que vine a nacer) y se llamaba Jonás, que cumplirá los 25 años en el año 2000 (Jonas qui aura 25 ans en l'an 2000). Luego resultó que descubrí que el ciclo de cine sueco que me flipó era realmente de cine suizo, el director de esa película era Alain Tanner del que luego vi alguna película infumable y que incluso Fernando Trueba le puso a su hijo Jonás (también nació en el 75) y éste ahora se dedica a escribir en un blog que es un coñazo. El final de la inocencia, amigos. Lo que yo decía.

Por eso. No, no voy a segur esta crítica con un “Por eso” porque de esa forma me siento culpable de ser un crítico previsible. Como decía anteriormente, el cine sueco marcaría mi infancia hasta que vi una película de Bergman y me acordé de las navajas suizas. Yo era un niño poeta suicida de 15 años y como mi amiga extraña marchó a un lugar recóndito yo quería irme a otro barrio. Pero luego pusieron una de Sjostrom y me di cuenta de que el problema es el aíre que respiran. Yo ya me hice adicto y dejé de ser un niño y suicida. El principio de la culpabilidad, my friends. Ya lo decía mi abuela mientras fumaba.

Por eso (ahora sí) reencontrarme con mi amiga en una película sueca es como dejar entrar nuevamente la inocencia dentro de mi realidad con abogados. Y lo es porque la ópera prima de Thomas Alfredson es uno de esos raros motivos por el cual uno vuelve a reencontrarse con valores primigenios (cinematográficamente escribiendo) que poco a poco se han ido olvidando en algún lugar remoto. Déjame entrar es una pieza de orfebrería, destellante y sobria, helada como los humanos, caliente como la sangre de los animales. Natural. Original como el primer mordisco. Suave como los recuerdos. Frugal como los veranos del Mundial 86. Hermética como aquella habitación en la que nunca podíamos entrar. Primeriza. Dura como la piedra con la que rompimos todos los cristales.

Es el reencuentro con los valores fundamentales de cuando el cine no tenía diálogos que provocaran ruido de fondo (y forma). Aunque los diálogos que tiene son muy buenos (v.g. “Tengo 12 años pero desde hace demasiado tiempo”) y no tienen nada que ver con ese Cine de la Mentira que es el cine español más abominable. Tiene más que ver con el poder de la sugerencia, con la humildad de comprender que no todo el campo es el que ve nuestros ojos (ni es orégano) y que, a veces, es más efectivo dar una caña que un kilo de boquerones. La escena de la piscina ya me la tengo pedida para final de año como ejemplo de planificación plausible de estudiarse en cualquier escuela digna de ese nombre. Supongo que es más socorrido (y más fácil de impartir) Vagar en profundidad de campo:Liverpool sin Xabi Alonso, visión de juego en sombras o itinerario de lo imposible y sus sinergias.

Menos mal que estudié filología hispánica. Será por eso que me gusta la literatura y el lenguaje, el teatro, la poesía y beber sol y sombra mientras hablo de amigas. Hasta cuando hablo de cine me gusta hablar de literatura, teatro, poesía, luces, sombras, amigas y, sobre todo, de lenguaje. Es como comer hablando de comida. La obra de Alfredson es sintaxis y semántica, un cuento atroz sobre los signos de puntuación de nuestros miedos y recuerdos, la autopsia, hecha en vida, de un género y sus ramificaciones, de la eliminación de fronteras, sin guerras ni estatutos, entre los códigos que realmente son claves para penetrar en otra dimensión diferente (¿divergente?) a la acostumbrada.

Alfredson no se entretiene mirando los arboles. Comprende el bosque. Su realización es elegante, viva, sin estridencias fundamentales ni obviedades narrativas. Incluso la utilización de un tema tan espinoso como el del bullying es resuelto mediante el respeto hacia la lógica cinematográfica. El bullying no es un tema sino una consecuencia y así lo muestra en cada escena en la que los acosadores aparecen en pantalla de manera explícita o no. La resolución de la agresión en la nieve juega perfectamente con ese concepto, utilizando elementos de comedia (ese delito suele estar siempre basado en lo cómico, desde la realización de la broma al escarnio público en internet) para hacer efectiva la venganza temporal de nuestro protagonista. Lo que pasa es que es un humor camaleónico que se esconde y se transforma en la nieve como otros se transformaban en mina de La sal de la vida o en desierto en Lawrence de Arabia.

La inocencia se termina con el primer contrato. No te abandona del todo pero intenta hacerlo constantemente. Cuando eres culpable no está, que es lo importante. La inocencia viaja siempre en corrientes circulares por el tiempo. Y en este caso, en tren interprovincial, en compartimentos estancos donde aún se podía fumar. El principio es el final como en El crepúsculo de los dioses (Sunset Blvd. Billy Wilder, 1950). El final es el principio como esta primera liga del Barça de Pep Guardiola.

Reencuentros

2009-02-18T06:22:00.000-08:00

El mío con el carnaval este año. Gracias a chirigota como ésta. Una maravilla

No sé poner vídeos, por lo visto

Así que os paso directamente el enlace

http://www.youtube.com/watch?v=A2xJ4gJv__4

"Coplero, esta letra es pa ese obrero
que ha elegido ser coplero
pa el que canta como un ángel
además de ser frutero
pa el que escribe como nadie
cuando sale de currar.
Pa esos copleros
que te hacen dos musiquitas
antes de irse pa acostar
y se estrujan la cabeza
por sus fiestas un año más.
Va por todos esos copleros,
de teatro y callejeros,
que es pa quitarse el sombrero
lo que hacéis en carnaval"

Porque hay gente que no tiene facebook II;

2009-02-18T03:25:00.000-08:00

Publicado también en www.miradas.net

Cuando tú vas, yo vengo

Preámbulo o Epílogo

La vida es ese lugar complicado donde siempre haces lo que parece que no tendrías nunca que haber hecho. Si no que se lo pregunten a Chenoa, al Che Guevara, a Shakespeare o La Chelito. Una complicada ecuación sensorial que legitima siempre (yo, campeón de la autoindulgencia, te lo digo a ti, que también tienes lo tuyo) la jugada acaecida, la decisión tomada, el hecho consumado. No es fácil saber hacer las cosas cuando no sabes muy bien lo que hay que hacer; en matemáticas, que son la verdad y el lugar donde habita la paz, es mucho más sencillo realizar una operación que su demostración. Por eso ya que hablamos de demostraciones, de matemáticas, de operaciones, de la vida, del amor, de los circos y de los enanos, es un buen momento para acercarse a la última película de David Fincher, una reflexión madura sobre el fatum hecha con optimismo y un sentido del humor que imbrica un discurso menos acomodado de lo que podría parecer/esperarse.

Fincher en la encrucijada

El curioso caso de Benjamín Button busca lo imposible enfrentándonos a lo improbable. Quiere construir una historia que sea al mismo tiempo Historia pero con un material que gravita entre lo particular y lo colectivo, entre el relato soñado y la rutina personal de tener unos códigos propios ante/frente/bajo/con el mundo. Quiere hacernos partícipes de una historia demasiado individualizada que parte de un personaje que no tendría el menor interés si no fuera porque viene de donde viene y va hacia donde va. Por eso hay que olvidarse un poco de lo que estamos esperando contemplar y asirnos como si fuera por primera vez a la opción de ver una película diferente. Lo único malo es que no tiene tanto de diferencia en su fin como en los medios que la definen y caracterizan. Fincher se ve así preso y estandarte de la propia condición de una obra que se define a sí misma por la oposición de los factores que la conforman. Del videoclip entre piojoso y pijo de Alien 3 y la madura reformulación de los paradigmas del thriller moderno (donde hizo buena escuela y malos alumnos) de Se7en hay un sacrificio que no sólo está explicito en su obra si no implícito en sus obras (ambas, dos, sendas). Del sentido lúdico del sufrimiento y de la superación involuntaria del pasado más traumático de The Game a la aceptación del presente como crisis, que quiere decir ruptura, que auspicia la necesidad de reinventarse cada vez que un Game Over finaliza tu partida en El club de la lucha. De la imposibilidad de protegerse a la imposibilidad de descubrir, de las líneas maestras de Hitchcok a los agujeros geniales de Lang, de lo clautrofóbico de La habitación del pánico a lo agorafóbico de Zodiac. De, como bien dice Javier Pulido, ser un director “antisociedaddeconsumo” en El club de la lucha a ser el más eficiente director de anuncios para grandes marcas globalizadoras. El curioso caso de Benjamín Button se enfrenta, hasta que llegue la película siguiente, a la que para mí es la obra maestra de Fincher, Zodiac, una tarea no demasiado sencilla a la hora de oponer conceptos, textos y contextos de la riqueza y la madurez de la odisea de Graysmith, Avery y Toschi al regreso a Ítaca como vientre materno del último guión del eficiente Eric Roth (El dilema, Munich, El buen pastor y , sí vale, Forrest Gump)

Puntos de encuentro

Las dos trayectorias (las tres, si contamos la de Fincher) tienen puntos donde se unen momentáneamente antes de volver a dispersarse como es natural. El amor es caprichoso y volátil y no se acoge a ninguna lógica estudiada ni a ningún rigor ni científico ni del otro. El transitar de Benjamin recuerda al del Leonard de Memento, lo que pasa es que lo que a uno le faltaba en la película de Nolan es lo que aquí al otro le sobra. La memoria puede llegar a resultar una condena o una liberación (Leonard transforma la realidad para poder así consumar su venganza injusta pero justificada), pero al personaje de Fincher le da la motivación, la credibilidad y a Fincher el leiv motive para construir una oda al cine tal como a él le gusta entenderlo. Imágenes de postal, encuadres perfectos, música con pellizco y efectos digitales como para acabar con cualquier productora. Fincher les saca partido porque ante todo es un virtuoso que disfruta con los retos técnicos como en su momento Kubrick los hizo con los suyos. Todo parte de la imaginación que parte de un recuerdo que parte de un diario. Crear es recrear. Como en Big Fish lo hizo Burton, Fincher se autohomenajea al rendir tributo a los contadores de historias y lo hace incidiendo en la capacidad fabuladora de la propia técnica narrativa. Entonces es cuando el autor se reencuentra consigo mismo, cuando las piezas encajan y Brad Pitt y Cate Blanchett tienen la misma edad. Y cuando menos nos gusta la película. Fincher se da cuenta de la belleza y su concepción de la belleza hace del espectáculo un previsible y antiguo desfile de lugares comunes que no parecen pertenecer a una filmografía tan moderna como su repercusión. Es cuando la película se estanca como perjudicada por la armonía impostada de lo que solemos entender por felicidad.

Líneas de fuga

Pero tranquilos, porque pronto vuelve las aguas a su desborde. Fincher como buen tirador de faltas no lo es tanto de penaltis. Se le queda corta la distancia y se le va la potencia. Por eso son las líneas de fuga, las líneas maestras de su discurso. Y es magistral el prólogo del relojero ciego con un hijo muerto en la guerra. Y es fascinante la escena en la que, saliéndose del tono de lo demás, nos narra de manera virtuosa el accidente que acaba con la carrera de bailarina de Daisy. Y es paradójico el blanco y negro del hombre de los siete rayos al que le caen sólo seis. Y es esa parte entre trágica y cómica que le emparentan al Paul Thomas Anderson más raro de sus fugas en Magnolia y Punch Drunk Love, es cuando sale a la luz el talento de este director minusvalorado en debates públicos y encumbrado en diatribas privadas. Fincher se crece en la adversidad y vuelve, como en sus mejores películas, a ser el perfecto glosador de batallas perdidas,el rapsoda de los fracasos cotidianos y universales, el que certifica que si algo puede salir mal es que algo está mal. Su obra está marcada por el fatum y su insospechada poética; todo es más bonito cuando un viejo ama a una niña, cuando una anciana le cuenta sus batallas en común a un mocoso desmemoriado. En esos momentos es cuando el relato fluye como contaminado por algo más grande que su propia estructura. Por eso los momentos en que la muerte está más cercana es cuando la vida se transforma en algo que nos une a una película y a una forma de hacer cine. Por este tipo de cosas, Fincher es un director especializado en paradojas, ya que él es una en sí mismo: el director que busca, el autor que no encuentra.

Coda final o Prólogo

Terminado este artículo decidí que era el momento de desayunar como los campeones (tostada, café y zumo de naranja exprimida en directo) en un bar que está debajo de mi casa y en el que no es difícil encontrarme. Antes de ducharme acudí al cajón donde guardo mis calzoncillos y calcetines en estricto desorden de colores y formatos. Al fondo vislumbré parte de mi pasado más presente. Metí la mano y saqué ropa interior de mi exnovia, que olvidada se había quedado a vivir sin ella en mi casa. La observé durante un rato y me sorprendió su apariencia infantil. Entonces me di cuenta que a lo mejor ella se había ido porque seguía su camino y que cada vez sería más joven y más niña y más todo y que nuestros senderos ya se habían bifurcado irremediablemente en el mapa sentimental de nuestra vida. Yo hoy, sin duda, soy un poco más viejo.

Porque hay gente que no tiene facebook I;

2009-02-18T03:22:00.000-08:00

Publicado en www.miradas.net

Cuatro caminos del cine español en el 2008. Los puntos cardinales de una deriva
Camino a la perdición

El nivel medio del cine español este año ha sido notablemente inferior al del año anterior. O ese pensamos. O así nos ha llegado a nosotros que es al final de lo que trata este artículo. No ha habido escandalosos insultos como el año pasado, pero si ha habido una sensación de mediocridad patente y congénita a una forma, si no equivocada (eso lo juzgará dios, mahoma o los productores), sí autocomplaciente y cobardica de afrontar un arte que es industria y no al revés. Volver a ver las nominaciones de los Goya o las candidatas a los Óscar vuelve a demostrar que mientras el amiguismo sea la fórmula, la basura será el resultado. Que la muy mediocre Los girasoles ciegos del muy acabado José Luís Cuerda tenga 15 nominaciones es una abominación que suponemos que no tendrá parangón en ningún país civilizado y con cierta vergüenza y/o conciencia de la importancia pública de una cinematografía subvencionada. La adaptación, cojitranca y halitosa, del libro de relatos de Rafael Méndez contiene todos los tics de la autoría mal entendida, el academicismo (con h) que aprecia más la caligrafía que lo verdaderamente artístico y el “verismo” falaz de la dirección artística contaminada por los premios y los diseñadores fetén. Su éxito y su “prestigio” vuelve a ser un toque de atención tras la buena cosecha de soledades, yoes, influencias o mujeres en el parque del año pasado, realizadas contra corrientes, mareas e influencias lunáticas de otros pelajes. Otra cuestión es el de otro tipo de triunfo, que a veces incluso de solapa con el otro y ya se convierte en la hostia en tomate o así. La influencia de los éxitos televisivos tienden a la idiotización del espectador haciéndoles participe de actitudes xenófobas, machistas, homófobas o simplemente imbéciles al hacerles llegar con normalidad, y chistes sobre la más rabiosa actualidad, lo que es mentira vestida de cotidianidad y falsa naturalidad. Mientras en EEUU triunfan (y perduran) series como “The Wire”, “Mad Men”, “Lost”, “John Adams” , “The Office”, “The Larry David Show”, “True Blood”, “Studio 60 on Boulevard Street”, “Rockefeller Plaza”, “24”, “The Shields” o la finiquitada “Deadwood”, en España tenemos a “Aída” como paradigma de lo que apesta la creatividad de nuestro país. Fuera de carta es uno de los éxitos del año y quizá la película más clarificadora de nuestra situación; la asunción de códigos televisivos para seguir exprimiendo a la gallina de los huevos de oro envenenados. El debut de García Velilla es una vuelta al landismo pero cambiando a las suecas por un futbolista argentino. Como el año pasado con Chuecatown (Juan Flahn, 2007) se nos ofrece la película más reaccionaria del año desde la supuesta libertad de un país donde Pedro Zerolo quiere ser Harvey Milk sólo por tener los mismos gustos sexuales. Al final va a ser verdad que tenemos el cine que nos merecemos.
Camino asfaltado sin dirección

Quedarse en tierra de nadie puede ser peligroso o señal de alguna carencia. En el cine español de un tiempo a esta parte resulta casi un alivio dedicar unas palabras a películas que no funcionan por una u otra razón. Paradigmático nos parece Antonio Hernández, director que tiene una trayectoria de lo más curiosa (Lisboa, 1999, El gran marciano, 2001, Los Borgia, 2006), y su nueva película El menor de los males, un thriller llamativo, muy bien rodado, pero menguado por las vulgaridades y trucos de una historia más intensa en la teoría que en la práctica. Si reparamos en otros títulos, que entendemos estarían en este espacio de films que contienen buenas ideas pero están lastrados por unas u otras razones encontramos producciones muy diversas entre sí: La crisis carnívora (Pedro Rivero), un film de animación con mucha mala baba aunque parco visualmente y un tanto cargante; Pretextos (Silvia Munt) un melodrama con aspiraciones autorales capaz de crear un atmósfera opresiva y construir unas sugerentes imágenes, pero cuyas cargas de profundidad (diálogos, símbolos) suena a una operación impostada, meliflua; Solo quiero caminar (Agustín Díaz Yanes), un entretenido y veloz thriller muy superior al anterior film de su autor (la muy mediocre Alatriste, 2006) que en realidad vuelve a poner sobre la mesa las preocupantes limitaciones de Díaz Yanes como narrador; 8 citas (Peris Romano y Rodrigo Sorogoyen) o como el infierno está empedrado de buenas intenciones. También le ocurre lo de las buenas intenciones a Antonio del Real en la valiente La conjura del escorial, un filme planteado con grandeza y muchas ganas de agradar. Lo que pasa es que el talento nunca ha sido cosa de este director. Ni la dirección de actores tampoco. Ni el trabajo de casting. Ni la escritura. Bueno, que no le salió muy bien en definitiva. Lo mismo que al dúo Corbacho-Cruz que en Cobardes intentan volver al estilo costumbrista de Tapas (2005) pero le falla todo lo demás. La historia no comienza mal pero el discurso intelectual es tan de tertulia de “Crónicas Marcianas” que al final uno se sorprende de que lo mejor de la función sea la interpretación de Paz Padilla. No sorprende pero tampoco desagrada Eskalofrío (Isidro Ortiz), un desperjuiciado horror film repleto de huecos efectismos y balbuciente escritura que a veces no es capaz de evitar lo ridículo por su apertura de temas y su mimetismo endémico con otras cinematografías que tienen más dinero y experiencia. También ocurre con Casual Day, segundo filme del todoterreno Max Lemcke, que en su afán de hacer un trabajo basado en los intérpretes les rinde demasiada pleitesía y vacía de profundidad la carga crítica de un texto que acaba a la deriva de sus propias intenciones. O el debut de Roser Aguilar, Lo mejor de mí (2007), que no esquiva los peores vicios de los peores melodramas a pesar de su happy end raro, incidiendo en estructuras convencionales planteada desde una historia que pedía un riesgo en lo formal acorde con el que toma en lo temático. Este catálogo, más deslavazado que variado, incide en el carácter superficial de una cinematografía que parece construirse a salto de mata y que, como ya destacamos el año pasado tiene una desventaja definitiva: la imposibilidad para generar y promocionar una identidad propia. Es posible que esta sea una de las causas por la que se continúan, desde determinadas instituciones y foros, aplaudiendo un cine que tal vez si siga alguna dirección concreta, aunque francamente pensamos que transita caminos sin asfaltar, con suerte mal adoquinados…
Caminante no hay camino

Donde no hay mata no hay patata dice un agrícola refrán castellano de sabia concisión. Donde hubo fuego sigue habiendo rescoldos pero menos y sobre todo en estos tiempos de crisis creativa, y de la otra, que ahogan cualquier posibilidad de poner(nos) positivos por lo que vemos. Autores de renombre siguen empecinados en utilizar viejas formulas que en otros tiempos funcionaron en otro escenario y con otras necesidades. Lo coyuntural es efímero y por eso el talento hoy en día de Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Garci o Gerardo Herrero más que poco discutido es bastante discutible. Todos estamos invitados, Sangre de mayo o Que parezca un accidente (al igual que la mentada Los girasoles ciegos) son las autopsias creativas de unos cineastas que terminado el camino se siguen dando de bruces contra un muro de lamentaciones ajenas. Nada hay destacable en sus tres películas; ni la supuesta valentía en afrontar el tema vasco de Aragón, ni la reconstrucción a la que se le ve el cartón (piedra) de García, ni el humor más chabacano que absurdo, más gris que negro, de Herrero. Un caso parecido es el de Fernando Colomo que con Rivales vuelve a intentar reverdecer viejos laureles tras el (digno) fracaso de la más arriesgada El próximo Oriente (2006). A Colomo le salva que casi nadie ha visto la película, que saca a la cada vez más interesante Goya Toledo y que al fin al cabo la modestia de su planteamiento no llega a resultar equívoco como en la ópera prima de Nacho García Velilla. Pero no son sólo nuestros mayores los únicos que han intentado transitar sendas inhóspitas para cualquier explorador insuficientemente preparado. Unos debutantes han seguido el camino de la autoría más autoconsciente: del sedicente genio con traje burgués de emperador de Albert Serra (El cant dels ocells), al woodyalleniano gallego que responde al nombre de Ramón Costafreda y contesta con diálogos chispeantes así con muchas eses (Abrígate). Otros han quedado en subirse al carro genérico del terror vía survival sin nada que salvar como F. Javier Gutiérrez o Gonzalo López Gallego, que se ha cambiado de un lado a otro con menos suerte que si lo hubiera hecho al contrario: tanto 3 días como El rey de la montaña son dos películas malhadadas, ramplonas pero con un gran concepto de sí mismas en ambos casos, realizadas por gente que subestima a los géneros poniéndose por encima de los códigos más elementales para trascender con ideas tan frescas que ya vienen congeladas de viejas que son. Lo mismo ocurre con la presidenta de la academia Ángeles González Sinde que rueda lo mismo la risa que el llanto en la fofa Una palabra tuya. Pero podría ser la sorpresa de los Goya y llevarse algún premio. Sería toda una sorpresa como cuando venció a esos dos parias de Jaime Rosales y Pablo Berger en el premio de director novel. Los inexpertos menos listos sin embargo han optado por adentrarse en caminos seguros que sin embargo van directos a las profundidades de la estulticia como revelan en relieve las muy primerizas pero aún más olvidables Un poco de chocolate de Aitzol Aramaio y El último justo de Manuel Carballo. Todos estos nombres y títulos, ya sean veteranos o rookies, ya traten el pasado o el presente, vienen a ser un reflejo atrofiado de una (ir)realidad prefabricada e impostada. Pero queremos ser justos con ellos y honestos con nosotros: nunca hemos confiado ni creído, o dejamos de hacerlo demasiado tiempo atrás, en este cine, en lo que representa, en lo que dice, en lo que se calla… Por fortuna, hay otros caminos.
Camino a la imperfección

Cuando la cinematografía española alcanza triunfos artísticos, completos o parciales, es muy posible que nos sorprendan incluso cuando hay elementos previos que podrían sugerirlos. Quizá hemos llegado a un punto realmente siniestro en el que espectadores y críticos tenemos serios apuros cuando nos acercamos a una producción nacional. Creemos que sobre todo a causa del grueso de las propuestas que nos desesperan o deprimen y al tendencioso envenenamiento de medios de comunicación y sucedáneos, siempre interesados en vender óptimamente a sus inversiones y/o a sus amigos (de los perezosos recordatorios sobre la condición de producción española de Vicky Cristina Barcelona a la alucinógena reivindicación de Albert Serra como un artista sensible y divertido, pasando por la desfachatez a la hora de referirse a la valentía, compromiso y rigor de un Enrique Cerezo/Julio Fernández o un José Luis Cuerda/Álex de la Iglesia). Por eso quizá, a falta de que aparezca un Steven Spielberg de Cuenca o un David Lynch de Tomelloso (o al revés) tendremos que seguir buscando en la imperfección los destellos de cine que este año nos hemos encontrado en varias películas. Por ejemplo en el tercer largometraje del anteriormente curioso (El milagro de P. Tinto, 1998) o insufrible (La gran aventura de Mortadelo y Filemón, 2003) Javier Fesser, Camino, una conmovedora tragedia fantástica, en el doble sentido del término, que sabe conjugar con habilidad y creatividad elementos resbaladizos. Una película que en lugar de darnos una cara de la realidad, nos ofrece la otra mejilla como el que busca alcanzar el cielo (o la inmortalidad) mediante la puesta en escena y la capacidad de confiar en la narrativa como motor de lo lírico. Apreciamos por extensión este cine de calidad en Bienvenido a Farewall-Gutmann de Xavi Puebla, una apuesta extraña que transita caminos bastante andados este año (Casual Day en España, La cuestión humana, de Nicolas Klotz, 2007, en Europa) pero de otra forma distinta; entre lo terrorífico que nos espera fuera (compañeros, jefes, entrevistadores) y lo que nos espera dentro cuando nos quedamos solos con nosotros mismos está la capacidad de plantear una historia con los mínimos recursos pero la máxima humanidad , Gente de mala calidad de un Juan Cavestany que se nos revela como un Solondz cañí con mucho mala baba y con una intuición especial para sacar los mejores de sus interpretes (recordemos que también ha sido el gran triunfador de la escena española este año con la acongojante obra “Urtain”) y Uno de los dos no puede estar equivocado (2007) de Pablo Llorca, una bizarra historia de amor entre otras cosas, con una atractiva superficie godardiana que es más un parecido razonable que una apropiación indebida y un fondo que refleja una realidad tan cercana como aterradora, y es que el mismísimo diablo es el protagonista. También nos gustaron, aunque quizá no nos convencen plenamente, Los cronocrímenes de Nacho Vigalondo, imaginativa puesta al día de un fantastique de andar por casa que remite a mejores referentes que sus resultados y Tiro en la cabeza de Jaime Rosales, la demostración palpable de lo que es un autor contra viento y marea, premios y malditos, modas y modos. En un país donde la coherencia no es tan bien aceptada como la envidia, Jaime Rosales ha empezado un vía crucis que no tenemos ninguna duda que nos dejará obras tan valientes como esta honesta vuelta de tuerca a lo que venimos llamando percepción, normalidad o conflicto. Resulta evidente, que este puñado muy escaso de buenas películas, no responde a un movimiento determinado o comparte unas parecidas inquietudes: tampoco por tanto sería acertado pretender encontrar un hilo unificador o una explicación generalizada a estos aciertos dentro de lo que habríamos de llamar industria española (aunque continúe sin identidad y sin ganas/interés de crearse una). Cada una de estas propuestas, y con ella sus directores, provenientes de estructuras de producción diferentes, muestran planteamientos y despliegan recursos globalmente opuestos. No existen, por tanto, vínculos o son tangenciales (ninguna de ellas comparte estilo pero todas tienen el mínimo, o máximo, común múltiplo de oponerse al estándar establecido y comparten un tono en cierto modo desesperanzado, cansado incluso: en la línea, conviene puntualizar, de bastantes obras importantes hechas fuera de nuestras fronteras) entre la condición de narración pura de Camino, el desaliño formal y las hipérboles de Uno de los dos no puede estar equivocado, la configuración de cine-teatro de Bienvenido a Farewall-Gutmann, la comedia descreída y cruel de Gente de mala calidad, el sentido neo-fantastique de Los cronocrímenes y el cine de arte y ensayo de verdad de Tiro en la cabeza. Caminos paralelos y heterogéneos hacia una imperfección que hace concebir por lo menos la posibilidad de seguir andando alejados de las arenas movedizas de lo coyuntural y del acantilado inasible del conformismo y las viejas glorias sepultadas por egos subvencionados y compromisos adquiridos.

La mejor película del 2008

2009-01-20T05:21:00.000-08:00

El incidente (The Happening. M. Night Shyamalan, 2008)

Por Manuel Ortega

Esta vida pide otra

Hoy el planeta no estalló.
Imagináis que tengo un plan
(es lo que siempre piensas tú)
Ven conmigo a pasear
Ya sabes que el mundo se acaba.
Es un error monumental.
Nunca fue como pensáis
Y si lo sé no digo nada.
A estas alturas me da igual.
("El mundo se acaba", Tachenko)

Pocas veces se va al cine sin saber lo que te vas a encontrar. A mí me pasa con algunas películas minoritarias que intento ver el viernes de la semana de estreno a las 16:00, en los festivales, taciturno, siguiendo la dirección contraria a los demás y cuando visito anualmente la obra de Shyamalan, ese director raro que a todo el mundo decepciona siempre. Porque desde que empezó a rodar El sexto sentido ya había uno que decía que Bruce Willis estaba muerto, que Bruce Willis estaba muerto en El protegido también, que Gibson traiciona a la película poniéndose el alzacuellos (y no emulando a Wilkinson en In the bedroom contra sí mismo), que dónde va una ciega en el siglo XIX en el siglo XXI y que si para salvar el mundo no basta con aniquilar (sólo) a un crítico de cine. Los listos, que decía Marcial Ruiz Escribano.

El incidente es otro final del camino en un viaje que siempre empieza. Una nueva demostración de fuerza (o de debilidad) ante los lugares comunes, lo esperable y lo predecible: la constatación de la grandeza de un director que no debe explicarnos nada porque tampoco pide más que una hora y media de atención. Su apuesta, fundamentada siempre dentro de los límites genéricos, así lo atestigua. La trasgresión siempre es mucho más efectiva cuando se hace en nuestra propia casa, cuando conocemos las reglas y nos creemos cómodos vencedores, y no. Entonces nos rompen la cara y perdemos con las reglas, la cara y la casa partida. El problema que muchas veces arrastra la recepción de la obra del indio está fuertemente ligado a este concepto que realmente es el motor de su propia filmografía: las reglas se rompen si quieres construir, desconocer la estructura tiene que ser el principio de todo misterio. Construir la estructura es el fin que te lleva a los medios.

El desconocimiento, además del axioma que fundamenta cualquier búsqueda, es lo que se supone que separa la ciencia de la ficción. Pero realmente todo son teorías que parten de la imaginación y de la capacidad fabuladora de los humanos, la interpretación de los signos que hacían los personajes en La joven del agua, eran erróneos (siempre y) cuando se dejaban llevar por los estereotipos ya establecidos. La historia la escriben los vencedores pero a menudo también los aburridos, los poderosos y los que podan a su gusto el único camino que debe existir, como demuestra rotundamente Michel Onfray en su imprescindible "La fuerza de existir, manifiesto hedonista". Eso es lo que motiva y eso es lo que hace a la ciencia verdad y a la ficción mentira. Una mentira que no es ficción, que es donde está toda la verdad. Que es mentira…

Por eso Shyamalan contraataca con la locura de seguir el lado opuesto a lo que siempre se espera. Por eso es la pesadilla de los críticos que ya han escrito la crítica antes de ir a la película, por eso es el demonio del espectador que quiere ver un trailer y su demostración, por eso es la Némesis del que intenta exponer sus teorías por encima de la obra pasando por alto (por bajo) que cuando una obra es libre está por encima de cualquier catalogación práctica, en teoría. Por eso existe el sentido del humor, que es indisoluble de la inteligencia, hasta a la hora de planificar las escenas más dramáticas y/o terroríficas, por eso existe una concepción intelectual de los mecanismos viscerales y sensitivos que van asociados al hecho cinematográfico más esencial de la puesta en escena y su pleitesía hacia la inteligencia y el respeto del espectador. Parece que es algo más que sencillo, obligatorio, y que se le supone a cualquier director que pretender hacer de su oficio el sentido de su obra, pero desgraciadamente no es así siempre, y lo peor casi nunca.

El incidente es la obra cumbre de un cineasta empecinado en alcanzar la inmortalidad a base de cuestionar la nuestra y los efectos de ésta sobre la vida. La redención de sus anteriores películas queda aquí puesta en duda, se diversifica, se redefine porque la gravedad de nuestros errores ya no son individuales sino colectivos y porque su alcance no se centra en el pasado sino en un futuro no demasiado halagüeño. Ahí es donde nos ofrece una película sobre el amor, sobre la puesta en escena y el amor, sobre las terceras oportunidades más que sobre las segundas, sobre los bosques que no nos dejan ver los árboles y sobre los pájaros que llevan la jaula por dentro. Porque como dicen los de la canción de arriba, esta vida pide otra e imágenes como la de Alma anunciándole a su marido la buena nueva de su embarazo mientras la cámara, discreta y respetuosa, nos muestra una alegría lejana e intima, también.

En un momento de El incidente se nos recuerda que Albert Einstein tenía una teoría que decía que cuando las abejas desaparecieran, el mundo tardaría cuatro años en desaparecer con ellas. Yo tengo otra que espero que no me tomen a mal: Cuando M. Night Shyamalan desaparezca del mundo, el cine tardará más o menos los mismos años en desaparecer con él.

Poblicado en www.miradas.net

Mínimo en común múltiplo

2009-01-20T05:18:00.000-08:00

Tú dijiste amigo o nada
yo dije pareja o nada
al final en algo estamos de acuerdo:
en nada.

Asuntos pendientes II

2008-12-16T01:58:00.000-08:00

Stars in my Crown (1950)

Definición de himno

Yo acuso (Pequeña introducción a la armonía)

Jacques Tourneur es un director tan infravalorado como desconocido. Se le nombra de pasada y se recita de memoria las tres películas de siempre. Se habla de serie B, de artesano (¿hasta cuando vamos a estar utilizando el lenguaje clasista de aquellos niños bien?), de subgéneros y de otros lugares comunes para los teóricos del montón. Como Carpenter, Arnold o Ulmer, Tourneur forma parte de un cine más grande que su propia leyenda, de una forma de concebir los medios por encima de los fines y de una manera de mirar que no tiene tiempo (ni presupuesto) para mirarse en ningún ombligo.
Yo les tengo fe a este tipo de personas (cineastas, futbolistas, publicistas o carniceros) al igual que no le tengo ninguna, y cada vez menos, al otro tipo. Y me gusta su cine (y su fútbol y sus anuncios y sus filetes.) Stars in my crown es la obra esencial de un cineasta que no siempre hizo las películas que quiso hacer pero que quiso todo lo que rodó. Y ésta era de las que más quiso y más quiso hacer. Y la rodó

Ama, ama, ama y ensancha el alma (La armonía de crear)

Stars in my crown es un himno religioso compuesto de diferentes estrofas que van a parar a un estribillo común. Al mismo tiempo es un tratado ético sobre la religión en el que conviven varios niveles de discurso, algunos paralelos y otros transversales. A pesar de la aparente complejidad de su narración la linealidad es directa y meridiana; vamos a entrar en una historia que es en realidad un estado del alma que como en Cars (John Lasseter, 2006) cobra sentido cuando dejamos patente que es el recuerdo el único motor que mueve a sus habitantes a afrontar el presente. La escena que en la extraña producción de Pixar se hace esperar más de lo esperado (aquella en la que Sally Carrera descubre a Rayo McQueen el paraíso perdido con forma de infierno recuperable) aquí no deja terminar a los títulos de crédito: una voz, que seguirá siendo la de un niño, aunque hayan pasado muchos años y su tono sea más grave, nos presenta a todos los personajes mientras van saliendo de la iglesia que cambiará el rumbo de cualquier historia que fuera a suceder en Walesbug. Hemos localizado el tiempo, los personajes y el espacio en una única toma. Así es más fácil narrar en horizontal (hacia delante) sobre todo si eres un maestro de la narración vertical (en cada plano).
La armonía se encuentra en la música interna de su escala vertebral. En el poder de una narrativa que tiene toda la fuerza que da las reglas del encuadre, el arte de la interpretaciones y la lógica del montaje. En una celebración, sin pausas ni borracheras de ningún tipo, del noble y, a veces, ingenuo arte de que todo encaje con la precisión de las cosas que por naturaleza no encajan. Tourneur sabía que no es lo mismo construir desde el convencimiento que desde el conocimiento pero también sabía que las dos cosas se podían unir si se sabía mantener la conciencia del relato y el tempo preciso para que así se diera. Igual que en The Horse Soldiers (Misión de audaces, John Ford, 1959) aquí se repite el duelo entre el conocimiento y el convencimiento con la única diferencia que lo que se opone a la medicina en la magistral película de John Ford es la fe en los himnos de la caballería en lugar de la depositada en las oraciones de los clérigos.
Aquí la oración no cura el alma de Tourneur sino que le sirve de banda sonora para destacar una voz principal; la de Joel McCrea, un actor como la copa de un drago, que hace su entrada marcando las notas con una personalidad digna de los mejores barítonos. Su llegada al pueblo así lo testifica. Su entrada en el bar presenta todos los matices que tendremos que recordar a lo largo de la narración: fe, determinación y palabra.

Crear y/o creer (La fe)

Stars in my crown es una/la película religiosa sin parangón conocido, atemporal, luminosa y mística. Una suerte de parábola que mezcla, con fortuna, elementos que basculan entre dos mundos tan distintos pero tan complementarios como los de creer y crear. No sabremos nunca si la fe mueve montañas pero si sabemos que hace que se creen grandes películas. Aquí a medio camino, incluso temporal, de ¡Qué verde era mi valle! y La noche del cazador, Tourneur nos presenta una historia que conjuga los rasgos esenciales de la “americana” con la trastienda del western menos mitológico. La escena en la que un gallito típico del segundo se burla acorralando con su látigo a un personaje sacado de la primera (un magnético Arthur Hunnicutt en el papel de Cloroformo Wiggins) es buena muestra de lo que Tourneur propone. No es la única escena que podemos recordar rompiendo lo predeterminado por la (presunta) lógica de la historia narrada, pero si es la más espectacular al abandonar el encuadre casi pictórico de la estética común por un movimiento de cámara hacia delante enfocando la espalda de un personaje que camina hacia una pared sin solución de continuidad. La extrañeza que provoca dentro del conjunto supone el primer aviso de ruptura, como decíamos, casi genérica (¿genética?) de una historia que crea sus conflictos a medida que la creencia se estabiliza y se fortalece con el milagro de razonar. Con el milagro de esperar como un pescador (genial Juano Hernandez) que de tanto contemplar el río ha aprendido a sentir como un pez que respeta a los humanos. Con el milagro de crear la fe.

Yo confieso (La determinación)

En la excelente El incidente (The happening, M Night Shyamalan, 2008) el personaje al que da cara Mark Whalberg sabe que puede crear teorías científicas como otros pueden componer poemas o solucionar juicios y lo utiliza de manera desacertada cada vez que se le reclama como científico. Shyamalan sabe que la ciencia y la ficción no están tan alejadas como se puede presuponer y que la primera a veces tiene más de la segunda que la segunda de la primera (como también veíamos en su anterior Lady in the water). Lo que salva al científico o al escritor es la determinación para hacer lo que hace. Y el hacerlo bien, claro. El conflicto entre el médico y el cura (o entre la ciencia y la literatura para los que creemos en la Biblia como best seller de ficción) va marcando la fricción entre los elementos que conviven en la armonía. Tanto el médico joven como el clérigo curtido en más de una guerra terrenal tienen que ceder y confesar, más que los pecados propios, las virtudes ajenas y ponerlas en común para que la aventura tenga un buen puerto. La forma que reivindica al fondo, el fondo que es fan de la forma, es el camino de un cine clásico que lo es por el tiempo que hace que lo fue.

El fuego (La palabra)

Tanto hablar de equilibrio y armonía, hasta como garante del caos, y luego las películas se recuerdan por sus momentos cumbres, por escenas inesperadas o por esas imágenes que se podrían recordar separadas de su contexto. Stars in my crown tiene una donde el fuego y la palabra (sin necesidad de Elmer Gantry ni de ningún fanatismo religioso o no) hacen exhibición de lo que el cinematógrafo es capaz. Una escena que es parte fundamental de la historia del cine para todo el que crea que amar el cine no consiste en lleve una camiseta de La naranja mecánica sino (normalmente) todo lo contrario. Joel McCrea y Juano Hernández tienen que enfrentarse al Kux Kux Klan que representa lo opuesto a la religión y es al mismo tiempo la sublimación de la misma por motivos y fines económicos. Como el Opus dei en la magnífica y reciente Camino de Javier Fesser, las razones para sacrificar a la humanidad son tan altas como los emolumentos recibidos, como unas tierras que están donde ha de pasar un puente o como el puente remunerado y con aduanas prohibitivas que nos garantiza unas vacaciones pagadas y eternas en un lugar que está tan lejos como nuestra imaginación (o falta de ella) nos quiera llevar. La vida de un negro no tiene tanta importancia como las tierras donde habita si se le quema en una cruz. En esos momentos descubrimos que los mismos apacibles ciudadanos que salían de la iglesia en aquella primera escena memorable son los que tras el reverso ténebre (y temible) de la noche y la manipulación de una voz que no es la de McCrea, pueden cometer la mayor de las aberraciones imaginable. En esa dicotomía entre religión y fanatismo religioso, entre el caballero claro y el caballero oscuro representados por McCrea y Ed Begley, se esconden los nudillos de las manos de Robert Mitchum en la obra maestra de Charles Laughton. Sólo la palabra y la carta de un analfabeto que incide en la memoria y en la fe pueden hacer que todo se desmorone (las palabras que no existen nos pueden salvar, que dicen Vetusta Morla, por seguir con las citas de nuestro tiempo). Sólo la planificación de un Tourneur en estado de gracia hace que la belleza y el horror se conjugen en una sucesión, nada aleatoria, de latidos sinceros que vuelven a componer la melodía de uno de esos himnos que, al no ser nacional, puede pertenecer a todos.

Publicado en www.miradas.net

Asuntos pendientes I

2008-12-11T02:27:00.000-08:00

INTENTARÉ SER MÁS CARIÑOSO CON MIS PADRES.

Me levanté con el descubrimiento de que dentro de 16 años
tendré 50 y de que lo mío con ella casi ya no era mío,,
el trabajo, mis artículos, los relatos, estos poemas,
mi sobrino pequeño Rubén estaban siendo espectadores de mi nada
y yo no sabía hasta donde podía seguir engordando con salud

intenté darle con la mano al interruptor, en el tren ya soñé
que si me tiraba desde arriba del mundo con un paracaídas
caería siempre a su lado, sonreí, desenchufo los cascos
y concierto conmigo mismo que la próxima vez que los veas
el diecinueve o el veinte, tendré que ser mucho más cariñoso con mis padres.

El mundo se acaba

2008-12-02T10:17:00.000-08:00

Cuando se levantó vi sudor
en la tumba y una frase tras otra
"No. Sí. No porque no, no porque es verdad
que es no" El despertador tenía días pendientes
y cogió un tren y lo destrozó. Él quería ser igual,así,
pero su garganta temblaba al perder la voz y la boca
era un amasijo de dientes escondidos dentro de los labios.
Prietos. Pulsar el botón. Transcribir en morse un adiós. Roncar.

Supe que quizá se acercaba la meta l y que tal vez había perdido
para siempre las ganas de empezar. Silbé despreocupado,
cogí una lata de cerveza, otra de membrillo y detuve el tiempo.
Espacial. Especial. Espicial. Espichar. Es pi, cha, boludo. Es pichí pachá.

Mis amigos, como no.

2008-11-19T08:17:00.000-08:00

NATACIONES

Viven para descansar, si bien por algo será,
han nacido para ver algunas cosas más.
Dicen que han salido a mí, ¿por qué me quieren atar?
Si nos quieres conocer pon el dinero aquí.

Viven de la natación, vaya equipo que tenéis,
los partidos que perdéis causan sensación.
Rápido, salones para estar mejor,
mis amigos, cómo no, han perdido ya el control.

Y esa extraña sensación era para mí
como el vuelo sin motor ...
Viven de la natación, eran para mí
como el vuelo sin motor

(Tachenko)

Camino

2008-11-11T01:55:00.000-08:00

Cuestión de fe

Enfrentarse a una película como la última de Javier Fesser nos lleva a má esfuerzos de los que vienen siendo los necesarios. Debemos esforzarno para olvidar nuestros prejuicios hacia la temática, el cine español o l anterior obra del director (la insufrible Mortadelo y Filemón). Debemos esforzarnos para coronar una cumbre de más de dos horas a la que se llega caminando por un hospital donde el final es una luz o la ausencia de la misma. Debemos vencer el miedo a la muerte propia, a las creencias de los demás y a la ténebre y siniestra historia real en la que se basa el argumento. Debemos trascender a los terrenales negociados de quien maldice la película sin haberla visto y sin tener nada bueno que decir. Debemos sustraernos de la mirada oficial(ista) tonta y burda de la cortedad crítica sobre el exceso y otros derivados de la franca determinación. Debemos vencer a la nece(si)dad de pergeñarnos en lo negativo para que la sombra de nuestra duda enfríe los resultados excelsos de una película valiente, sorprendente y rompedora.

Su premisa es sencilla y la cumple con un religioso sentido del sacrificio: contar y contar bien. Para ello Fesser plantea una historia realista, basada en un hecho conocido pero pasado por el tamiz de la mirada propia. Justo el mismo proceso que ha seguido Jaime Rosales en Tiro en la cabeza pero de manera diferente. Mientras el director catalán busca la comunicación por defecto (las cosas no se ven bien, los diálogos no se oyen nada, muchas de las escenas son incomprensibles en el doble sentido de la palabra), el madrileño lo hace por exceso, visualizando hasta los sueños y las operaciones, repitiendo incluso frases de diálogo (no me refiero al montaje paralelo final) y componiendo planos cargados de información de diferente índole. Son dos formas distintas de formular lo que conocemos (sabemos el final de las dos películas) desde dos registros diferentes de la ficción. Fesser apuesta claramente por cierto clasicismo narrativo aunque sus formas están cercanas a ese neobarroquismo visual más cercano a Gilliam o Jeunet que a Greenaway o Ken Russell y que ya cultivara en sus cortos y en sus dos primeras películas.

Eso no es óbice para que la película se pueda ver como cine de género e incluso elegir, si se desea, al género al que pertenece. La comedia punteada por diálogos ágiles y situaciones hilarantes, incluso dentro de la terrible enfermedad. El drama sombrío y tremendo de una niña enfrentada a sus circunstancias (una dolencia incurable) y a un entorno que no la comprende. La tragedia, más de Barrio de Salamanca que griega, de una familia condenada por la adversidad a convivir con la muerte de sus vástagos una y otra vez. El cine de terror de los demonios que habitan en los sueños y en la vigilia y que convierten en miedo y maldad los buenos sentimientos y augurios. El musical donde todo lo positivo se convierte en bailarines improvisados de una canción bonita terminada en beso. La ciencia ficción donde unos ladrones de almas, llegados de un planeta imaginario, conquistan la tierra ante la pasividad y el conformismo de unos humanos que prefieren antes agarrarse a una mentira, que afrontar con valentía el día a día del premio cotidiano de vivir. Y es que tiene que haber de todo en la casa del señor. Señor Fesser, en este caso.

Camino sólo es el principio y al mismo tiempo el final de mucho de los prejuicios que a veces tenemos que afrontar hasta en nuestros propios comentarios. Y lo es siendo una de las propuestas más radicales (que viene de raíz, de principio, de ancla y de alimento) de nuestra cinematografía, una de las obras con más conciencia (que viene de conocimiento, entendimiento y sociedad) para superar los defectos endémicos del entramado autoreferencial y pueblerino de ese status imaginario que recibe subvenciones y hace fiestas. Camino es una rara avis de difícil catalogación, una película que en lugar de girar sobre sí misma para cerrar significados se abre, solícita pero insumisa, a la deriva abierta de la experiencia personal del espectador. Por eso está hecha para el público más que para el crítico que quiere olvidarse de que también es público. El plano final, monumental conclusión que se posiciona sin aspavientos del lado de los que creemos en la imagen (en lo que vemos) más que en la palabrería, pone el punto y seguido a una obra que a partir de ahora voy a seguir. A esta obra, sí, con los ojos abiertos. Cuestión de fe en el cine… y en el ser humano.

Gatorade's Song

2008-11-04T09:58:00.000-08:00

Nada me motiva.
No quiere ser ni estar
pestañear y luego
suponer que las cosas van
como van. Descomprimir.
recompensar, ser solicito.
Construir al menos la paz que tú
Reivindicas con mi voz
Pestañear.

Quemar despues de leer

2008-10-24T04:14:00.000-07:00

QUEMAR DESPUÉS DE LEER: Hacer el humor

Ya dijo Godard que hacer crítica de cine es hacer cine. También es cierto que no hace falta hacer cine para hacer crítica y que a veces no hacer (auto)crítica es no hacer cine. Parece complicado pero es tan sencillo como hacer lo que más nos gusta hacer, lo que mejor sabemos hacer o lo que hacemos para ser. Esta reflexión ad hoc viene por la comedia americana de estos últimos meses y la irrupción del sello de calidad en lo que hasta hace poco era trabajo basura. A mí no me extraña que ahora se reivindique Tropic Thunder por delante de Zohan, licencia para peinar ya que una es la reflexión intelectual sobre un hecho artístico y el otro es el hecho artístico en sí, en bruto, como no nos gustaba antes de que alguien dijera que nos tendría que gustar. Personalmente prefiero la reflexión intelectual para elaborar una película que las posteriores notas a pie de página de un émulo, por muy intelectual que nos pueda parecer. Prefiero Zoolander a Tropic Thunder, Zohan a Borat y Matrimonio compulsivo a Paso de ti. Prefiero hacer el humor que explicárselo a los amigos.

La nueva película de los hermanos Coen construye la risa pero no como un proceso referencial o posmoderno (¿poshumor?¿posteridad?¿posqueyolovalgo?) sino como la confirmación de un itinerario personal consolidado alrededor de los anillos genéricos que circundan su propia filmografía. Es decir, la risa construida con los mecanismos cinéfilos que siempre han utilizado para conformar sus películas, su discurso y su timing. Con pocos aditivos extracinematográficos, con pocas concesiones a la galería (de los Oscars) como en la anterior e impersonal No es país para viejos, con un cinismo insobornable y una visión nihilista para con cualquier organización que intente poner orden al caos irremediable de existir. El planteamiento es tan sencillo como cuestionar cualquier idea o lugar común, como no creer a pies juntillas en el diccionario, como desconfiar de cualquier nomenclatura. Los Coen se preguntan sobre la comedia y la respuesta no puede ser más dramática. Intentan hallar una definición certera y la única conclusión es que incluso la inteligencia (quizá más que nada o quizá) es relativa. Si un coche sale del punto A a 60 km/h y uno del punto B a 45 km/h nos tendremos que preguntar que qué tenemos que ver nosotros con esos dos coches. O por qué la B siempre va delante de la A o 45 es menos que 60 y 77.

Por eso Quemar después de leer es subversiva sin tener que apelar al Che Guevara o a despellejar a una paya en directo mientras los de marketing van llamando a las ambulancias. No. Los Coen prefieren negar desde el principio la naturalidad, el argumento o las interpretaciones (Tex Avery rules). Prefieren utilizar con sabiduría una puesta en escena esquizoide y un sentido del ritmo prodigioso que hace que a casi todo el mundo le parezca que los últimos 40 minutos de la película son lo mejor de la misma. Es una cuestión más cualitativa que cuantitativa y es una labor más de ingeniería que de acabado. Y de principios. Y por eso desde que comienzan los títulos de créditos saben torpedear la moral reinante (y la de la oposición) con un sentido del humor que nace de la falta del sentido (del humor y del otro) que se le intenta imponer a nuestro mundo. Los Coen utilizan el mismo recurso y se dedican a hacernos el humor mientras empezamos a temernos a nosotros mismos. Y a reírnos. Y a temernos. Y a reírnos de nuestro temor.

Publicada en www.miradas.net

El sueño de la almendra

2008-10-21T05:07:00.000-07:00

Anoche tuve una peladilla terrible.

Lo de dentro

2008-10-16T07:02:00.000-07:00

Sin patria ni bandera,
ahora vivo a mi manera.
Y es que me siento extranjero
fuera de tus agujeros.

Miente el carné de identidad,
tu culo es mi localidad.
Miente el destino para hacer
que no te vuelva a ver.
Miente, si dice no me miente,
si dice si me miente
y si calla tambien miente.

Dice que yo ya no te espero.
Un carajo, un embustero es,
mi corazón te miente.

No se atreve la luz si no estás tú
a pasar por aquí si oye mi voz.
Desde que no estás tú en este rincón
no se atreve a pasar la luz del sol,
si oye mi voz se queda fuera.

Luz, maldita sea la luz
que me desvela.
No, aquí no veis la luz,
se desespera.

Me arrojo a ver el mundo
y me lo encuentro furibundo.
Si quiero ir a la moda
necesito una pistola.
Dijo "amor," antes de marchar,
ya no me gusta este lugar.
Oigo que vuelve y vuelvo a ver,
vuelvo a mover los pies.

Viento, me pongo en movimiento
y hago crecer las olas del mar que tienes dentro.
Tiempo, devuélveme el momento,
quiero pasar las horas nadando mar adentro.
Y revolcarme por el suelo,
para empezar todo de cero.

Luz, si fuera el cielo azul,
si enloqueciera.
Mira, ha venido una luz,
como de fuera.

Ya voy volando y derechito de cabeza, sí,
vuelven a salir chorros de la naturaleza.
Caigo derechito derechito de cabeza, sí,
vivo derribando derribando las barreras.

Dicen que mi vida es un exceso,
y yo me vendo solo por un beso.
Y que voy a hacer, si vivo a cada hora,
acabo de la intensidad, vivo de la necesidad.

Estaba el cielo lleno de estrellas
y he pasado la noche con ellas.
Y que voy a hacer, si vivo a cada hora,
acabo de la intensidad, vivo de la necesidad.

Y me revuelco por el suelo,
para empezar todo de cero.

Luz, si fuera el cielo azul,
si enloqueciera.
Mira, que ha venido una luz,
como de fuera.

Luz, maldita sea la luz
que me desvela.
No, aquí no veis la luz,
se desespera.

No se ve, la vida se me queda a oscuras.
Venme a ver, caminito de la locura.

Me mira, me droga,
las fuerzas me abandonan,
me droga, me mira.
Me dice, guasona,
"métete en mi persona".
Me droga, me mira.

Se volvió a gusano mariposa
cansada de volar y no poder.
A arrastrarse al fondo de las cosas
a ver si dentro puede comprender.

No se ve, la vida se me queda a oscuras.
Venme a ver, caminito de la locura.

(Tercer movimiento, Extremoduro)

La crisis

2008-10-01T10:09:00.000-07:00

Sobre, vivo dentro, mato siento,
quise, dije, logro, pago, vine, verme
rasqué, comí, pienso, seré, luego
resisto, caigo, fuera del tiesto,
me ofusco, no transigo, las plantas
los prontos, los pleitos, recién
nací, perderé, hoy que mal te veo,
nubes, lo que quiero decir, nubes,
lo que te quiero contar, nubes, que estoy
lloviendo, y no puedo parar, y lágrimas
que se confude en la rubia como lágrimas, ante.

Bajo, camino por una calle con las venas cortadas,
sé que el frío no tardará en cicatrizarse,
me fumo el resto de una civilización podrida
sonrío, mitifico, hago cuentas, me hago mayor,
robo todas las imagenes de los espejos retrovisores
soy el candado de las motos asilvestradas, con
una revista tras la oreja, transito. Prepongo
irnos de fiesta, emborracharnos, embarrarnos, embebernos.
Tras la deliveración, la liberación.
Y luego, mañana, en la tele, y en los supermercados, la crisis.

De vacaciones

2008-10-01T09:59:00.000-07:00

Perdonen por la desactualización pero mi periodo vacacional este año (por fortuna) es distinto del de los demás. Estuve por San Sebastián e hice unas crónicas junto a Carles Matamoros que no nos quedaron mal del todo:
http://www.miradas.net/2008/n78/actualidad/donostia.html

Mañana me voy a Sitges e intentaré colgar alguna impresión de lo que vaya vi(vi)endo. En Miradas de cine actualizaremos cada dos días y allí creo que iré encontrando el hueco que últimamente os deniego por aquí.

saludos

Aun no ganan los malos

2008-09-18T08:40:00.000-07:00

Nueva demostración de que la ley está para cumplirla, no para reinventarla según los intereses de cada cual.

www.elmundo.es

La Audiencia Provincial de Madrid confirma que enlazar a redes P2P no es delito

MADRID.- La Audiencia Provincial de Madrid ha confirmado una vez más que enlazar a redes P2P no constituye un delito.

Según han informado David Bravo y Javier de la Cueva, abogados defensores de Sharemula, la Audiencia Provincial de Madrid ha confirmado el sobreseimiento libre en el caso Sharemula que realizó en septiembre de 2007 el Juzgado de Instrucción nº 4 de Madrid.

Este auto de la Audiencia Provincial de Madrid es firme, por lo que ya no cabe recurso alguno contra él.

Según los abogados defensores, en el auto, la Audiencia confirma las tesis de la defensa señalando que enlazar a las redes de pares (P2P) no constituye una actividad criminal, a pesar de que ésta sea la tesis mantenida por las acusaciones particulares.

En el auto destacan algunas afirmaciones. Por ejemplo, que "un enlace simple no supone vulneración de los derechos de propiedad intelectual. Este tipo de enlaces constituye únicamente una forma de facilitar al usuario de Internet el acceso a otra página web, ya que no reproducen la página enlazada, ni dan lugar a un almacenamiento de la misma en la propia página web de la remitente".

Además, también dicen los defensores que la actividad de una página web cuyo contenido son enlaces debe estudiarse conforme la regulación de la Ley de Servicios de la Sociedad de la Información y Comercio, de 11 de julio de 2002, ya que la web es un prestador de servicios puesto que su actividad se centra en facilitar "enlaces, ni aloja archivos, ni realiza directamente la descarga, limitándose a facilitar una dirección donde se puede descargar la obra, esto es, su actividad se centra en enlazar".

El caso fue archivado hace casi un año, por la misma razón por la que ahora se ha confirmado su sobreseimiento, después de que los responsables de la página sharemula.com fueran detenidos.

Poco después, la industria audiovisual decidió recurrir la sentencia, ya que, según ellos, la decisión del juez "no crea precedente jurídico si se tienen en cuenta las 22 causas abiertas contra páginas web que, en todos los casos, están llevando adelante la instrucción, consideradas por el momento delito por los jueces que las tramitan".

La acusación estaba formada, entre otros, por la SGAE, Microsoft, Promusicae, EGEDA, y productoras de cine como Columbia Tristar Home Entertainment, Walt Disney, Twentieth Century Fox, Warner, Universal o Paramount.

Los girasoles ciegos

2008-09-14T08:25:00.001-07:00

Publicado en www.miradas.net

LOS GIRASOLES CIEGOS: Postales desde el folio.

El cine español en las adaptaciones, la literatura de aquí en las pantallas. Una relación tan difícil como desaprovechada, tan pasajera como sedentaria. Raquítica, desperdiciada, lúgubre. Repetitiva, literaria, literal. Y si encima hablamos de la posguerra y su podredumbre, la miseria interior y el desgarro externo, los olores, el hambre y la tierra, los vencidos y los desvencijados y demás paisa(na)je invariable, empieza todo a aproximarse a lo que ya conocemos. Y lo que ya conocemos poco nos sorprende. Es literatura y ya.

Por eso adaptar a Alberto Méndez (qepd), y su único libro publicado, era una tarea tan ardua como suicida viendo los antecedentes (más de pena que penales) de las últimas obras de Cuerda. Lejos quedó Fendetestas y Teodoro y cerca el academicismo funcionarial de Las lenguas de las mariposas y el desastre total de la infausta La educación de las hadas. Cuerda, definitiva y definitoriamente, se ha acomodado en un estilo neutro, pulcro, insípido e impersonal que dilapida la simpatía con que su trabajo era recibido años atrás por su atrevimiento, osadía y humorismo casi jardielesco. De su posicionamiento no queda nada, su ramplón posibilismo lo invade todo.

Los girasoles ciegos no es ni una mala película, ni una mala adaptación (en eso no entro porque creo fervientemente en la diferenciación intrínseca de todas las artes), es simplemente una obra marcada por el qué dirán y por lo que ya dijimos, por las jugadas cansadas y los espectadores despreocupados. Un Marienbad prosaico que para hablar de poesía tiene que citar poéticas, que para mostrar el silencio tiene que hablar hasta por los codos (Azcona escribía muy bien pero a veces eso en cine no es del todo positivo) y que para manifestar la represión recurre a una iconografía tan básica como superada por conocida y redundante. Que si estaba en el libro, que si Alberto Méndez quiso, que si la guerra civil (y la posguerra eclesiástica) fue, que si mi abuela (y los héroes del silencio y los últimos de la fila) lo vivió en directo, no legitima la anodina puesta en escena de un autor que de tanto mirar al pasado es pretérito impertérrito.

La película se ve como el que se para en un kiosco de Madrid a observar las postales de a 0,30. Con la indiferencia de la incredulidad de lo que es espejo de lo que tienes delante (parezco un cantautor malo), con el regocijo de reconocer símbolos que trasciende el tiempo en pos del lugar y lo inmediato. Luego si te paras a mirar, los edificios parecen de cartón piedra, los coches, de atrezzo, y los peatones, actores disfrazados listos para actuar en Amar en tiempos revueltos o Los miserables, el musical. Pero no entras a valorarlo como realidad (la gran baza ideológica de la propuesta) ni tan siquiera en espejo diacrónico de esa realidad. No existen puertas, solo fotos de ventanas.

Además en la película no se puede entrar porque a Raúl Arévalo no te lo crees desde el primer segundo en el que sale y desde el segundo minuto en el que habla. Ni es el personaje ni lo parece. Su esfuerzo es patente pero el personaje lo arrastra por el lodo de la indefinición, la sobreactuación y lo inadecuado. La complejidad de lo escrito se choca de bruces con la mediocridad de lo rodado, por mucho que el actor haya trabajado desde la dicción al lenguaje corporal, desde las miradas a los abruptos ataques libidinosos de un mal santo y peor hombre. Además contraponerlo a Egido o a Verdú (sin duda lo más salvable junto a la espontaneidad de un Princep empeñado en intentar rasgar el cartón del resto de la película) en casi todos los planos hacen que el naufragio, más que lástima, a veces de risa. Un actor que de momento había bordado los roles secundarios no puede llevar el peso pluma de tan aleve levedad compositiva.

Lo demás es cartón y piedra, cuchillo sin filo, tijeras sin punta, el poder de lo escrito sobre lo visto, palabras que se acumulan como uno de esos sermones que parece quererse criticar en la doble moral de una iglesia con olor a orín y lefa acumulada. Postal rancia de vieja tipografía y hormigas que quieren ser personas a fuerza de acumular rostros en el agujero negro de nuestra pertinaz sequedad creativa. A pesar de eso, no es de lo peor del año cinematográfico español pero tampoco y su visionado es posible (¿otro cine español también) como el de la también mediocre Una palabra tuya.

Los huidos

2008-09-10T07:37:00.000-07:00

Nuevo libro de poemas del gran David Eloy Rodríguez, amigo y poeta, historiador de las heridas y los abrazos, maestro de la vida. Un adelanto.

LÍNEAS DE FUGA

Huir lejos del odio y sus madrigueras

encendidos de pasión y búsquedas.

Huir por desesperaciones y refugios

con un equipaje de amor y desasosiego.

Huir hacia una hora sin puntos cardinales,

como equilibristas por el fino cordel de la cordura

o como mendigos que persiguen

un merecido corazón sobre la tierra.

Huir guiados por brújulas rotas.

Huir confiando en la fuga.

Huir para encontrarnos.

California Dreamin'

2008-08-26T04:54:00.000-07:00

CALIFORNIA DREAMIN: Lamento rumano

Es una pena que Cristian Nemescu se muriera tan joven y sin montar definitivamente este pifostio que lleva por nombre el titulo de una canción mítica de los inolvidables The Mamas and the Papas. También es una pena que Rumanía esté mal y que Nemescu esté muerto y que haya guerra y que haya gente que muera en esa guerra y en las otras (y en Rumanía). Es una pena que a veces el bosque no nos deje ver los árboles y los árboles no nos dejen ver los pájaros. Es una pena que los pájaros canten canciones que ya se han quedado viejas de tanto cantarlas. Es una pena pero hay que aceptar la realidad como aceptamos un no por respuesta o un ¿y si? por pregunta retórica.

Por eso es una pena que la carrera de Nemescu vaya a bascular per secula seculorun entre el no de su continuidad y el condicional de su talento, entre la parca realidad de su clausura y la indefinida inconsistencia de su (no) completitud. En definitiva, entre lo que nos podía dar y lo que finalmente nos dio; entre lo que él quería ofrecernos y lo que se nos ofrece. Porque juzgar la obra de un autor inacabado por un montaje sin terminar no es del todo justo y es una pena. Pero es lo que nos trae Eurocine y lo que se ha estrenado e incluso lo que, sin recortar, ganó un premio sobrevalorado en un festival que está deviniendo en más cinematográfico que sus películas.

Por eso es una pena decirlo así pero quizá no haya otra forma: California dreamin es una película mediocre o fallida, convencional o fallida, kilométrica o fallida, fallona o fallida. Irresolublemente lastrada por su naturaleza “non nata” y por su presentación desaseada y torrencial. Fallida. Ya vista, convencional en su desarrollo marciano y telúrico, además de por su barroquismo pop extremadamente sofisticado, dentro de un sucio costumbrismo de límpida galería cool de nuevas tendencias. Como la Isabel Coixet rodando un anuncio de Casa Tarradellas o Almodóvar intentando comprar chopped en Dean & Deluca. O algo así para que se hagan una idea (aunque sea fallida).

Como un Kusturica sin ritmo o un Gatlif sin gitanos, el filme de Nemescu se precipita (se preocupa, se apoltrona) en la búsqueda de una voz personal dentro de una jaula de grillos haciendo playback, en la frenética huida hacia el sol (que más calienta) dentro de un cine europeo que no puede hacer frente a su propia naturaleza sin replantearse a cada jirón sus referentes esenciales. Como pasa a menudo, se hace pasar por realidad el tímido reflejo de su traslación cinematográfica, se toman como ciertos, estereotipos, como vida, lugares comunes y como originalidad, variaciones. Nemescu además cae repetidamente en estados carenciales narrativos, acuciados además por una puesta en escena esforzada pero anquilosada en banales esquemas visuales “a-contra-corriente”, que retardan, empantanan y desincentivan el innegable interés de sus bienintencionados planteamientos argumentales. Sus premisas quedan diluidas en la caracterización de unos personajes que nunca parecen personas o por exceso (Doiaru, el alcalde o el capitán Jones) o por defecto (Monica, David o Despina), en la repetición verbal de muchos de los episodios que vemos (la elipsis brilla por su ausencia) y en la utilización guadianesca (y caprichosa) de elementos fundamentales como la lucha de clases, la historia de Rumanía o el conflicto de Kosovo.

Pero es una pena que no podamos saber hasta donde hay de boceto en la obra final. Pero más pena es que Nemescu muriera en un estúpido accidente (el taxi donde completaba un corto trayecto, junto a su técnico de sonido, fue arrollado por un Porsche a 113 km/h conducido por un inglés borracho por las calles de Bucarest) que cortó de raíz una prometedora carrera de la que sólo queda un trabajo por terminar, vendido como una obra para ser premiado. Un trabajo que necesitaba un hervor más de esos que se dan en las salas de montaje con la supervisión de su creador.

Publicado en www.miradas.net

La indignidad del triunfador o sea (I)

2008-08-25T01:23:00.000-07:00

De Pepu, el trabajo, la solidaridad, el talento, el trabajo y la solidaridad a esa nueva generación de cortometrajistas mediáticos que tan importante son para el cine español (para el cine, qué coño) y que van dando lecciones sin haberse mirado ni los apuntes.

Leído en www.elpais.com y encontrado en www.doncecilio-perroandaluz.blogspot.com

Un mendigo del cine
by Daniel Sánchez Arevalo

"¿Qué haces, Dani? No seas cutre". Estamos en la FNAC. Oskar me ha pillado en la sección de cine español, poniendo mi película en la parte delantera del expositor. "Coño, para que se vea. ¿No has oído hablar de la compra impulsiva?". "Qué vergüenza, te ha visto un dependiente, y yo creo que te ha reconocido. Te ha mirado con cara de pensar: ya está aquí el mendigo del cine español". Nos vamos.

Paseamos por la Gran Vía. Hace mucho que no mato a nadie. Pienso en matar al dependiente de la FNAC. Pero de repente cruzo delante del Palacio de la Música y del Avenida. Las marquesinas están desmanteladas. Los edificios desnudos. La gente se queja de que no deberían desaparecer esos cines. Hay que cargarse a los responsables del cierre. Sí, pero ¿quiénes son los responsables? ¿Cuándo fue la última vez que fuiste a esos cines? Esos cines seguirían abiertos si no dieras la vuelta a la esquina y compraras la película que están proyectando en un top manta; si no llegaras a casa y te bajaras los estrenos por el eMule. Esos cines cierran porque no dan un duro, porque nadie entra. Para eso mejor que no estén. Yo te juro que prefiero que construyan un H&M descomunal antes que ver un elefante muerto en medio de la Gran Vía. Nos lo merecemos. Por gilipollas, ladrones, paletos e incultos. Porque nosotros somos los responsables.

Volvemos a la FNAC (todos los caminos conducen a la FNAC). Mi película ya no está en el frente de batalla. "¿Ves?, compra impulsiva, alguien la ha visto y se la ha llevado". Oskar la descubre en las trincheras, tapada, donde estaba antes. El dependiente me mira mal. Ha sido él, seguro que ha sido él. La cojo y la vuelvo a poner ahí en primera línea de la parrilla de salida. Luego no mato al dependiente ni nada. Me limito a decirle con la mirada: "No soy un mendigo del cine español. Soy un mendigo del cine. Punto".

La dignidad del ganador (I)

2008-08-25T00:48:00.000-07:00

Pepu Hernández vuelve a demostrar su clase, la selección española volvió a mostrar su grandeza. Yo vuelvo a escribir algo en mi blog.

www.elmundo.es

Par-ti-da-zo
by Pepu Hernández

25 de agosto-. Memorable. Espectacular. Ejemplar. Porque tardaremos en presenciar un encuentro parecido a éste. Porque se nos ha regalado un juego directo, veloz y agresivo sin ninguna concesión a la racanería. Canastas en dos segundos tras canasta encajada, valentía y orgullo en cada acción y ejemplar por la demostración de la Selección española de ba-lon-ces-to, de todos sus jugadores, para conquistar la cima de un deporte sin la necesidad de ganar el partido.
España ha ganado mucho más. Respeto y admiración. Espero que seamos capaces también de ganar futuro. En ocasiones así si no se puede ganar el partido, bien está sacar partido. Para la renovación generacional del 2012 (Londres) y 2016 (ojalá Madrid), para la apuesta por el trabajo de la cantera. Para la mejora de las estructuras deportivas en clubes y colegios. Para la mejora de instalaciones. Para crear verdaderas vocaciones en los entrenadores. Mucho mejor que colocar un balón en cada casa es entregar tres balones a un entrenador que sepa usarlos bien.
Sí, este partido, este triunfo, nos ha permitido también percibir un tremendo respeto por parte del equipo USA hacia el campeón del mundo. Sus jugadores celebraban cada canasta conseguida de una forma muy especial debido al gran esfuerzo necesario en cada acción. Nos ha permitido constatar la valentía y determinación de Pau, Navarro, Rudy, Felipe, Carlos, de todos, formando un gran equipo. Hemos podido ver resueltos los problemas que se planteaban por la baja de Calderón, por las faltas personales y/o problemas físicos de Raúl y Ricky. Ricky Rubio, el jugador más joven en recibir medalla. Para empezar no está mal ¿verdad?
Se nos ha ofrecido diversión, emoción, esfuerzo generoso y orgullo por disputar esta gran final. Pero sobre todo se nos da la oportunidad de mostrar agradecimiento, reconocimiento y felicitar a la selección española y su equipo técnico, con Aíto en la dirección, por su gran trabajo en el torneo. A la Liga ACB y a todos sus clubes. A las escuelas, colegios y clubes de formación. A todos los entrenadores. A Rafa, Joan, Jota. A todos los jugadores que en su paso por la selección dejaron su impronta para los más jóvenes. Todos han aportado para que podamos disfrutar de su gran baloncesto en el mejor nivel mundial.
Si me lo permiten, me gustaría retroceder en el tiempo hasta septiembre de 2006, cuando en la Plaza de Castilla grité ba-lon-ces-to. Este deporte significa para mí, y espero que para todos, educación, formación y generosidad. Trabajo en equipo, diversión y amistad. Superación de retos, esfuerzo y participación. Respeto y confianza. Emociones. ¿Se imaginan estos ingredientes como parte de nuestra vida diaria, en nuestro trabajo, en nuestra sociedad? Por todo esto y más les deseo a todos mucho ba-lon-ces-to. Merece la pena.

El cristal

2008-08-08T07:15:00.000-07:00

Siempre he tenido esta canción como una de las más representativas de desamor y la incapacidad para superarlo

EL EJE DEL MAL

No va volver a pasarnos esto
No quiero ya más de lo mismo
Y tú eres más de lo que puedo aguantar
No vas a volver a sentirte único
Algo especial algo importante
Búscate alguien que te pueda aguantar

Esto es lo mejor que podría pasarnos
Sigamos caminos separados
Esto es lo mejor talvez con el tiempo
Valores lo que juntos pasamos

No va volver a pasarnos esto
No quiero ya más de lo mismo
Sigues igual y nunca vas a cambiar
Ya sé que jamás vas a equivocarte
Pero ya no eres importante
Y pronto alguien ocupara tu lugar

Esto es lo mejor que podría pasarnos
Sigamos caminos separados
Esto es lo mejor tal vez con el tiempo
Valores lo que juntos pasamos

Vuelven mis soldados a casa
Pero tu guerra no va a terminar
Me insultas no hay quien te aguante
En tu cabeza está el eje del mal

No va volver a pasarnos esto
No quiero ya más de lo mismo
Y tú eres más de lo que puedo aguantar
No vas a volver a sentirte único
Algo especial algo importante
Búscate alguien que te pueda aguantar

No va a volver a pasarnos esto
Y no es cuestión de tiempo
Esto esta mas que muerto

No va a volver a pasarnos esto
Mi tiempo no es tu tiempo
Y ya ni te respeto ni siento ni quiero ni puedo ya más
(LA HABITACIÓN ROJA)

Hoy tras comer en el chino, bañarme en la piscina y ponerme a escribir sobre La que se avecina, he descubierto a la 377.249 vez que la escuchaba que va de otra cosa, que no habla de amor sino de ruptura. Pero no con una chica, como yo alegremente había interpredo quizá sin escucharla o escuchando lo que quería oir, sino con una discográfica. Leetela otra vez.

Tanto nada

2008-08-06T02:46:00.000-07:00

Tan triste como parezco, sueño dormido
en el punto preciso vuelvo y nada es como
lo había planeado pero nada es bebo
lágrimas que me hago de tus oídos cerrados
y consumo resto derechos de leyes extintas
por los pelos clavo sentencias que me laten
en la garganta sedienta de cariño y de otros poemas
menos encendidos, más brillantes, molidos un poco.

Luego me siento en el trabajo e intento no llorar delante de mis compañeros
tengo la garganta como un frontón empedrado y tú llevas tacones
y juegas demasiado y ganas a los puntos y se me abren las paredes
y se caen los posters que colgaron aquellos pajaritos enamorados con sus piquitos
y sus alitas pequeñitas como manitas timiditas de infinititas plumititititas.
Me pongo en venta, alquilo mis riñones, me convertiré en un hotel
en un mesón, una farmacia, un campo de golf, una barriada de lujo, un duty free:
estoy tan triste como padezco, duermo sumido al invierno cotidiano del ski matutino.
No hay coz sin tres, ni cuatro donde comieron cinco, ni nada que me haga sonreir.

Gente de mala calidad

2008-07-30T09:33:00.000-07:00

GENTE DE MALA CALIDAD: Los aledaños

Es difícil dar con el núcleo duro en algo tan fofo como la comedia española cinematográfica. Se intenta, se hacen comparativas, se mimetizan modelos, se rescatan momias tumefactas de recuerdos y caspa, se priorizan nimiedades, se obvian prioridades. Ni la tercera vía, ni la cuarta pared, ni el quinto mandamiento. Drove murió demasiado antes de morirse, del mejor Cuerda no se acuerda ni él mismo, Gómez Pereira se tomó demasiado en serio y decidió dejar la comedia para luego volver y que la comedia lo dejara a él (ni Desafinado hacía reír, ni Reinas hacía contener el sentimiento de vergüenza ajena), Colomo o García Sánchez no están tan lejos de Lazaga a pesar de la supuesta separación ideológica…que los une. Lo de Fdez Armero, Segura o Bajo Ulloa está más cerca de la “des” que de la gracia a pesar de su aparente (y efímero) éxito. Sólo algún destello, como la esencial, subvalorada e imprescindible Torremolinos 73 de Pablo Berger, pone calidad y avance dentro de la felizmente comedia triste de mayor raigambre española. Sólo algún dardo envenado e inconsciente, como Mamá es boba (o Un buen día lo tiene cualquiera) de Santiago Lorenzo, nos devuelve la hiel de la sonrisa menos aborregada.

El asombroso mundo de Borja Mari y Pocholo fue una sorpresa agradable que muy pocos supieron (Pablo Vázquez como casi siempre http://www.cinestrenos.com/vercritica.asp?Codigo=595) y otros muchos, ciegos por prejuicios y urgencias económicas, no quisimos ver. Sin llegar a ser ni notable ni del todo satisfactoria, se redimía por su punzante sobriedad (¡quién lo diría!), su despreocupadas interpretaciones y su valor como documento histórico y testimonial de cierto espectro (fantasmal) de parte de la población más rancia de nuestro país. Gente de mala calidad es el contraplano (yo también me apunto a las modas de los críticos de moda) de su película anterior, el negativo de lo positivo de las dos Españas negativas, de un país más de nombres que de apellidos, de cañas y autobuses de línea que nunca tardan entre 7 y 12 minutos, de la periferia de la vida (y del amor) y de calles vacías en la oscuridad fría de cuatro estaciones que son más de pizza, comprada en el chino que nos vende cerveza un poco más tarde de las 10, que de otra cosa. De los aledaños, en definitiva. De lo que rodea, de lo que comprime, de lo que prolonga. De lo que linda con otras lindezas menos guapas.

La segunda obra de Juan Cavestany, ya separado de López Lavigne, se sitúa ahí, en los confines que marcan los límites de la narración tradicional, los lugares más transitados y el cine abotargado de previsiones, pretensiones y otras enfermedades patrias. Sutilmente se aprovisiona de constantes de todos ellos y las utiliza en su contra, esto es, a favor de la película: caras conocidas en registros extraños, diálogos que no llegan ni a esbozarse, situaciones erigidas en el reverso de lo irreversible, un ritmo aquejado de arritmia y sobrado de corazón, planos largos sin mayor ocurrencia que la rutina de lo esperado. Actores, guionistas, directores, músicos, montadores, productores que se sientan al borde de lo establecido, en los aledaños del 2+2, en la sala de espera de los cineastas de mala calidad y sus circunstancias.

Y éstas, y el buen hacer de un cada vez más interesante Cavestany, son las que hacen de Gente de mala calidad la película más fresca, hiriente, brillante y acerada de lo que llevamos de año. Alejada de personalismos de baratillo, guiones en conserva, fondos de armario repletos de ropa encogida y del conformismo atolondrado por la gravedad del ombligo propio, la película roe con fruición y desgana lo tópicos endémicos de lo que viene siendo la puesta en letra y en escena de la comedia española. Cavestany y su equipo se queda en los aledaños donde el aire se puede respirar, el humo huele sólo a churros y las verdades no se confunden ni con el ruido de los coches ni con el neón de los grandes almacenes de la nada. Que Alberto Sanjuán haga su mejor composición, tras haber sido premiado por una de la peores, que Fernando Tejero de miedo y no por su interpretación, que Pilar Castro siga siendo Pilar Castro y que Javier Gutiérrez por fin (aleluya) esté convincente, también ayuda.

www.miradas.net

Trayectos

2008-07-24T10:42:00.000-07:00

El regalo dos veces frances.
La cucaracha mala que llevo
El adios ateo de mi fanatismo
El vegetal como lo conocemos
La revista cansada de sadismos.
La tarjeta dura que no lleva tu foto
El movimiento que te dije como verdad

La reyerta viva, el zapato suelto, tu camiseta venenosa.

Hospital

2008-07-10T00:46:00.001-07:00

Hola, ¿como estás?, te escribo desde el hospital,
nadie me dice lo que tengo, debe ser importante.

No sé si saldré de aquí, estoy medio muerto de miedo,
no quiero hacer un melodrama y hacerte sufrir.
No sé si volveré a tener la ocasión
de despedirme y quiero hacerlo aquí.

Desde mi balcón, siempre el mismo paisaje,
siempre las mismas estrellas he llegado a ver.
Te pido perdón por el daño que te hice,
tú supiste dar y yo no supe corresponder,

No sé si volveré a tener la ocasión
de despedirme y quiero hacerlo aquí.

Zíngaros bailan en la habitación,
es la fiebre que va en aumento,
cada día va en aumento.

No sé si volveré a tener la ocasión
de despedirme y quiero hacerlo aquí.
Me vienen a buscar, cuídate,
yo te he querido siempre, recuérdalo.

Quiero que cuando salga
los dos nos vayamos a Australia,
quiero que cuando salga si a ti te hace ilusión
nos vayamos a Australia, a ver la cruz del sur.

(Sergio Algora)

Muere un grande, se va Sergio Algora

2008-07-09T04:46:00.000-07:00

El Rey ha muerto

Se hizo silencio, se hizo silencio y a cada boca yo
concedí un deseo, todos se cumplieron, todos menos el mío.
Incluso parecía que nada podría hacerme mal,
incluso parecía que nada podría hacerme mal.

Tan lento llegó, tan lento llegó para decirme que
no era una perdiz lo que me comí, y era el final del cuento.
Muñecos de nieve vienen a verme, me dan su frío,
se ríen y gritan, es el final del cuento.

Muñecos de nieve vienen a verme, me dan su frío,
se ríen y gritan, es el final del cuento,
pasarás la página y verás que estás preso otra vez
en el más triste final, el más triste final,
el más triste final de un cuento ...

Es el final del cuento, el más triste final de un cuento ...
Es el final del cuento, el más triste final de un cuento ...
Es el final del cuento, el más triste final de un cuento ...

(Sergio Algora)

Palo en un mundo de palos, me acabo de enterar que lo que se comentaba sobre su enfermedad era cierto. Me quedo frío porque sin conocerlo en persona era como si lo conociera de toda la vida. Descanse en juergas, que es lo que a él le gustaría

www.aragonmusical.com

Uno de los nombres imprescindibles de la música y la poesía en Aragón ha fallecido esta mañana sobre las 06’00 horas.

Sergio Algora nació en Zaragoza en 1969. Su pasión por la música y los textos surrealistas le llevó a fundar El Niño Gusano a mediados del año 93, con quienes escribió algunas de las mejores canciones pop hechas en nuestro país, gracias a los discos Circo Luso (95), El Efecto Lupa (96) o El escarabajo más grande de Europa (98), así como varios EP’s, rarezas y participaciones en diversos recopilatorios. Sus canciones dieron la vuelta a la península e influenciaron de forma directa a numerosas bandas que tenían a El Niño Gusano como grupo de referencia.

En 1999, tras la separación de El Niño Gusano, Sergio Algora creó Muy poca gente y empezó a desarrollar fuertemente su faceta como escritor, publicando varios libros de poemas como Cielo ha muerto (2005) o algunos de sus mejores relatos en A los hombres de buena voluntad (2006).

En el año 2003 puso en marcha el proyecto La Costa Brava junto a Fran Fernández de Australian Blonde, con quienes publicó seis discos en cuatro años.

Esta mañana fallecía debido a problemas respiratorios.

Es el final del cuento, el más triste final de un cuento (Sergio Algora)

El tiempo del lobo

2008-07-08T01:30:00.000-07:00

EL TIEMPO DEL LOBO: Apocalipse now

El cine de Haneke se suele encuadrar (él solo, sus planteamientos básicos, sus resultados complejos) entre la diatriba moral y el estigma moralista. Asunto complicado en un mundo donde cada vez está más integrado lo que pensamos con lo que valemos, lo que servimos con a quién servimos, lo que nos separa de los animales con nuestros complejos de mascota cara por exotismo o pedegree. Así que no es tan raro que un director de ese talante, al que a veces se le asoma la sotana por debajo de la cámara, un día se dejara de salmos y abrazara el Apocalipsis como quien abraza una última oportunidad al final de la noche. Como el que atrapa su gran obra, el que sabe que ha llegado su gran momento: su tiempo. El del lobo que en lugar de disfrazarse de abuelita para leernos un cuento, lo hace para comernos mejor.

La apuesta de Haneke por la ciencia ficción le hace dar un espaldarazo esencial y cualitativo a una carrera que empezaba a adolecer (y que luego ha vuelto a recaer) de los mismos males que él pretende criticar. Como en las últimas producciones de Chabrol, el desdén por la burguesía deviene burgués por su engolada elocuencia, su mirada altiva y su actitud simplista y fútil. La pianista no deja ser la obra de un epateur que sabe que el dolor es la única manera de llegar a la redención o al revés. Caché es una obra menor a la mayor gloria de sus propias consignas autoreferenciales en busca de la precisión perdida. Funny games U.S. es un, a priori, interesante juego de espejos pero con los cristales empañados por la soberbia, el conformismo o el comercio. Después de llegar a la cima lentamente, Haneke desciende a un ritmo vertiginoso. Eso no es de buen montañero.

Por eso sorprende la madurez formal y filosófica de su octavo y antepenúltimo filme, su atrevimiento y su falta de concesiones, su calidez, la falta de una tesis predeterminada, la voluntad compositiva de cada una de sus transiciones, la capacidad de esperar sin precipitaciones, ni otras lluvias autorales, el momento adecuado de cada cosa, su contundencia más allá de salidos tonales y denuncias formalistas. Su potencia. Su rotundidad. Y quizá todas esas variables ético-estéticas se produzcan por la distancia que toma en el tiempo, en el espacio y la persona. Ya no es el momento de incomunicación que vivimos; es la necesidad de conexión que viviremos. Ya no es la Europa de las desigualdades y la aridez sino la Europa de la destrucción y las hogueras, no la del hedor y la indiferencia sino la de la peste y la rabia. Ya no es el director sancionador que hace una película para demostrarle a Tarantino, y a los que disfrutan de su cine, que la está/n cagando (en el estreno de Funny Games, Haneke dixit) sino el cronista de un futuro que mira de cara porque casi no se atreve a observarlo de otra manera. Ya no hay tendenciosidad ni tendencia sino inmortalidad y pavor, pavimento y alquitrán, el infierno bajo nuestros pies y no sólo por dentro de nuestra cabeza.

La fragmentación da paso a la desnudez categórica de la cuesta abajo. Como en el Sacrificio de Tarkovski (“Dios, si alguien dejara de hablar e hiciera algo”) o El incidente de Shyamalan, donde cuando ya no queda nada tenemos que aferrarnos a los sentimientos que nuestra “humanidad” diaria no nos deja utilizar, Haneke hace una radiografía de sus premoniciones con la clarividencia del que ya lo ha vivido y lo vive cada día. Su diagnóstico sobre el mundo (¿sobre el cine?¿sobre el arte?) sigue siendo el de enfermo terminal, pero, hete aquí la sorpresa o la vuelta de tuerca, quizá lo que sobren son los médicos y desnudos nos podamos purificar con un fuego que nos han dicho desde hace demasiado tiempo que quema, que es donde vive el diablo y que nos deja sin postre y sin nada. El director austriaco se coloca el espejo de su propia creación y pasa en un momento de ser un demiurgo con barba a ser un niño sin ropa. Su cine es más que nunca una pataleta rebelde, es más que siempre contestatario y permanente, gamberro y serio, resuelto e irresoluble. Y esperanzador y humano. Un niño que se suicida entre adultos que se matan.

Siempre he pensado que El tiempo del lobo es la cara opuesta de la complaciente y reaccionaria Dogville (a los que les gusta una no les gusta la otra y al revés, por lo menos entre la gente que conozco o leo), una obra maestra que ni explica, ni concede, ni engaña, ni los lobos están pintados en el suelo: nos acompañan en la butaca de la izquierda según se entra por la derecha.

Publicado en el estudio sobre Haneke de www.miradas.net

Amanece que no es mucho

2008-07-04T04:26:00.000-07:00

La ley tiene los vientos que temen los días,
ayer puse mi nombre a una calle que se marcha,
la ruta siente los ríos que suenan silenciosos,
hoy predico desierto de fronteras, un tren sale
los caminos se estrechan y miro entre las piedras,
mañana consumaré lo que me adelgaza
un corazón, la oscuridad, el destino, tú.

29-6-08. una noche para recordar

2008-06-30T01:56:00.000-07:00

Pues baje al chino a comprar algo de comer y la cuenta final era de 9,05. Pagué con un billete de 10 euros y cuando estaba rebuscando en la cartera los 5 céntimos par facilitar el cambio, la china me dijo no impolta y me dio una moneda de un euro. Impossible is nothing, I believe, just do it.

Lo que tù quieras

2008-06-22T04:14:00.000-07:00

Los amores reñidos

Se dice que si uno no quiere dos no se pelean, no sé si es verdad,
estrellan sus cornamentas los ejemplares del reino animal.
En cuanto crucé la puerta, fui preparando mis argumentos,
fue declarado nulo nuestro combate al primer intento.

Los amores reñidos serán todo lo que tú quieras,
yo me siento como un trozo de carne
que ha sido arrojado a las fieras.

Se dice que si uno no quiere dos no se pelean, pero ha vuelto a pasar,
y es que el bicho que te haya picado bien merece un documental.
No tengo que buscar fuera nada que tenga en la casa,
vete, sal tú tambien, date una vuelta a ver si se te pasa.

Los amores reñidos serán todo lo que tú quieras,
yo me siento como un trozo de carne
que ha sido arrojado a las fieras.

Se dice que si uno no quiere dos no se pelean, no sé si es verdad,
estrellan sus cornamentas los ejemplares del reino animal.
Y en cuanto crucé la puerta, vi que la cara es el espejo del alma,
ya no puedo ni verte, sólo hay reflejo en las aguas en calma.

Los amores reñidos serán todo lo que tú quieras,
yo me siento como un trozo de carne
que ha sido arrojado a las fieras.

(Señor Chinarro)

Contratiempo y marea

2008-06-16T16:14:00.000-07:00

La luz, esa inoportuna bailarina que nos invita a seguir ciegos por los simios de los simios.

El bar, la concesión ladina donde los pescaditos cazan posavasos con tanza de tés

La interperie, la mitad de lo dividido entres los múltiples sumarios.

El corazón, la espina del pesado orinal

La miel, gociel, moril.

La television, la nueva America

2008-06-16T02:16:00.000-07:00

Hace unos meses que estoy escribiendo para la revista gaditana The Spy que está permitiendo hacer mis primeros pinitos en mi profesión soñada: la crítica televisiva.

LA TELEVISIÓN, LA NUEVA AMÉRICA
Sobre los sueños de cada cual y su retransmisión

No sé sabe ni cuánto años hace que empezó el primer Gran Hermano (con su Ismael, su Ania y su Iñigo entre otros) pero el género ha seguido degenerando hasta dar resultados infalibles sobre postulados inaceptables. Casi todos los participantes, ya sean de cantar, posar, bailar o malmeter se parapetan bajo un epígrafe inamovible e indiscutible: vienen a cumplir un sueño y harán lo que sea por conseguirlo. Incluso ir a un programa de televisión.

Hace poco terminó Fama, un realitie en el que se premiaba el esfuerzo, el arte y la diversidad frente a los estandarizado. Pero eso es flor de un día, amigos. Vuelven las modelos robóticas, los cantantes engolados y pronto se instalarán en nuestros hogares los vagos redomados de Gran hermano, el referente esencial y primigenio. Otros singulares usurpadores de nuestros días quedaron por el camino entre casas de tu vida, supervivientes (la edición de Amagoia, Kaky y Francesca siendo encabezando el Top10 de este tipo de programas), escuelas de actores, buses a 20, factores x o popstars. Y es que el éxito efímero se confunde con los sueños eternos del reconocimiento inmediato. 15 segundos de gloria entre spot publicitarios que duran vidas sin producto.

Este año Supermodelos incorpora chicos a su elenco de chicas suponemos que para conseguir desligarse del embrión machista que fomentaba la humillación y la perpetuación de valores y estereotipos perennes. Vano intento mientras siga consagrándose a la frivolidad superficial e inherente a una forma ficticia y disfuncional de ver la vida (y su reflejo) que tiene al bonicó del tó del estilista Josie como referente. La cadena de televisión ha adelantado el horario de la muerte de este simulacro tal como Risto y el público adelantó el de Tania en Operación Triunfo, por no adaptarse a ninguna norma de normalidad catódica. Mientras la vida siga imitando a la mala televisión, los sueños (de la sinrazón) se seguirán tornando pesadillas.

Sobrecogedoras declaraciones

2008-06-06T03:57:00.000-07:00

Mañana empieza la Eurocopa y los futbolistas españoles vuelven a ser los verdaderos protagonistas de todo lo que nos importa. Leyendo esta mañana Público me he encontrado con estas escalofríantes respuestas de Raúl Albiol, defensa central de la roja.

P: ¿Puede vivir sin móvil?
R: No. Porque no podría comunicarme con mi familia y amigos.

P: ¿Qué libro lleva en la maleta?¿El último que has leído?
R: No. No he leído ningún libro.

P: Una virtud
R: Que yo soy como soy, no he cambiado y nunca lo haré.

La noria cadaver (que me ves)

2008-06-03T07:50:00.001-07:00

Si un chandal fueras tú, correría así de bien
y perdería (hacia arriba) mi pulgar diciendo lo bien que está
todo cuando bien está bien, y es fenomenal. sabes, correr
presumir ante los demás al fondo del corredor
fundacional de lo que viene siendo nuestro amor (precioso)
por habitar, mi look fundamental que vino a ser la voz
aguda del final cuando alguien de repente gritó acabemos
y volvimos corriendo y en pijama a empezar.

Cancion social

2008-06-02T08:26:00.001-07:00

El corazón que a Tirana va
nunca volverá
Albaniaaa.

Hacia el huracan

2008-05-28T05:16:00.000-07:00

Buenos discos españoles en los últimos tiempos: Love of Lesbian, Lori Meyers, Travolta, Sr Chinarro, La habitación roja (casi casi ya), Niños mutantes o Tachenko. De estos últimos me quedo con esta sencilla canción pero que dice muy bien lo que dice.

Hacia el huracán

¿Qué puedo decir que no se haya dicho ya?
Me juego la vida ¿y qué?: ya es algo normal

Hay días que voy hacia el huracán
Lo creas o no he oído tu voz sobre las demás
y no hay nada más
que pueda tranquilizarme igual

¿Qué puedo decir que no se haya dicho ya?
Es todo tan lógico, tan occidental, pero yo

te quiero a morir, te quiero a rabiar
Hay cosas que ni siquiera se pueden imaginar...
Y no hay nada más
que pueda tranquilizarme.
Hay días que voy hacia el huracán
Lo creas o no he oído tu voz sobre las demás
y no hay nada más
que pueda tranquilizarme igual

Pero yo te quiero a morir, te quiero a rabiar.
Hay cosas que ni siquiera se pueden imaginar...
Y no hay nada más
que pueda tranquilizarme igual.

(Tachenko)

Otra vez Indiana Jones

2008-05-26T02:57:00.001-07:00

Publicado en www.cinestrenos.com

De héroes y tumbas
Por Manuel Ortega

Cuando uno entra a ver una película Indiana Jones sabe a ciencia cierta que va a salir igual que entró o parecido. Eso no es un achaque ni tiene nada que ver con que sea malo, pero tampoco se puede tomar como una ventaja ni como algo digno de alabar. Se supone que es un entretenimiento standard para toda la familia pero a mi ni de pequeño ni ahora (ni a mi familia creo que tampoco) me ha entretenido lo más mínimo lo prefabricado, lo esperable y lo socialmente aceptado como entretenido. Si a eso le sumamos que esta última producción de Lucas & Spielberg es también la última en lo tocante a niveles artísticos fundamentados en lo meramente cinematográfico, pues mal asunto.

Pero debemos creer en los héroes más que en las tumbas y por eso comprendo (e incluso disfruto o acepto) que acercarse a la última aventura del tío del látigo tiene algo de tierno e infantil, algo de melancólico reencuentro con lo que fuimos cuando Los goonies y El club de los cinco eran un espejo improbable colocado a tantos kilómetros de distancia como días hace de eso. La última aventura de la AVENTURA es el retrato de nuestra cotidianidad pero con el color, la forma y el sabor de los ochenta (porque ésta película es tan ochenta como los pantalones nevados, los Castellanos sin calcetines o el pelo cardado). Por eso uno intenta verla con ojos cómplices o acaso con esos ojos nuevos que gastábamos mientras descubríamos las nuevas películas en el vídeo comunitario. Pero es que nos lo han puesto muy difícil.

Aparte del valor añadido por la mítica, la estética o la óptica, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal es un refrito de condimentos rancios que se repiten sin solución de continuidad, un artefacto más preocupado por intentar dar otra voltereta que por asegurarse que hay alguien mirando a lo que se muestra. Un espectáculo aquejado de la desigualdad de una primera parte interesante y ágil y una segunda mitad que deja mucho que desear en su empeño de convertirse en una montaña soviética en un parque de atracciones viejas. Todo lo que Spielberg ha logrado en estos últimos espléndidos años (un cine casi perfecto en fondo, forma y en fondo y forma) quedan a merced de la infantilización contumaz de un George Lucas que sigue transformando en nimiedad inflada todo lo que toca. Hay momentos realmentes vergonzantes como todos los referentes al personaje de Karen Allen y de John Hurt, (este último parece estar más en una parodia estilo Condemor que en la película en la que está), hay diálogos autorreferenciales innecesarios, guiños a fans tuertos y toda una parafernalia continuista que nos enseña más al héroe empecinado e infalible que a la tumba de una saga que no da para más. Ni tristemente, para menos.

Otra vez el cine andaluz

2008-05-22T07:47:00.000-07:00

Publicado en www.miradas.net

3 días (Francisco Javier Gutiérrez, 2008)
Por Manuel Ortega

La moto

El buen estado del cine español y blablablá. El orfanato, el Almodóvar , el Amenabar y el otro, el de las gafas. Torrente, Mortadelo, Fuera de carta , dentro del ombligo, cámara, acción(es), Sogecable, película necesaria y otras necedades. Recaudación, americano malo, piratería contra corsarios, las treces rosas, las 8 citas, las 7 plagas. No a la guerra, no en mi nombre, no al cine, no la veas que me han dicho que es española, no te jode. Provincianos con países y escuelas nacionales, señores mayores en paños minúsculos , jóvenes que nacieron jubilados, academia, anemia, aneurisma intelectual . Festival de Malagón, peor imposible, tres días, la moto.

El debut de FJ Gutiérrez llegaba a las pantallas avalado por premios oficiales y críticas oficialistas. La estrenaron rápidamente para que el boca oreja no nos protegiera el bolsillo y yo que soy cinéfilo, andaluz y de género (masculino, of course) me apresuré a constatar las virtudes de la nueva perla de los tres asuntos. Demasiado rápido como de costumbre, demasiado poco como costumbre, demasiada costumbre por construir costumbrismo deconstruido. Demasiadas dosis de nada para una historia que merecía un mundo de posibilidades, aunque fuera en extinción.

Porque lo que Tres días pretende contar es más atractivo que el 80% de historias que se estrenan semanalmente en nuestras rutinarias pantallas. El mundo se va a acabar (el milenarismo va llegar, que decía el otro) irremisiblemente en los tres días que apunta el título ya que los gobiernos americanos y rusos, tras meses de lucha secreta, han dado su brazo a torcer y anuncian la llegada de un meteorito fatal. Es decir, tenemos una obra apocalíptica en un paisaje atípico y con unos protagonistas que aparentemente huyen de lo convencional y lo establecido para acercarse a una realidad más tangible que la del presidente de los EEUU pilotando una nave antimarcianitos. Una “agro-apocalipsis” disfuncional de estética terrosa y telúrica magnitud corrosiva, que se posiciona ante la estela del American Gothic de ayer y de hoy como opción transnacional que dicen ahora los modernos antiguos.

Pero eso es sólo lo que puede parecer si nos fiamos de las apariencias. Eso es sólo la moto que nos venden. A los cinéfilos, a los andaluces y a los amantes de los géneros. A todos en general. Porque lo que late en el fondo de esta multipremiada obra es la impostura de su planteamiento, la absurdo de su desarrollo y lo rutinario de su desenlace. La impostura de hacer cine de género porque es lo que vende (y nos vende), lo que se lleva (y lleva premios), lo que mandan los cánones de la mimesis externa estentórea pero fútil y pipiola en sus mecanismos internos. Bayona ya se atrevió a hacer una película de género para los que no gustan de ese género. Gutiérrez sigue el mismo patrón y demuestra que con apuntes no se hacen libros y con teoría no se suele conseguir más que obras agonizantes. Hijas de su tiempo, hijas del agobio del bisnes y el primer fin de semana. Mucho plano elaborado, mucho virtuosismo fetén, mucho examen del primero de la clase en la clase equivocada. Los disparos van todos en la dirección contraria, cargando el mensaje en lo que realmente es accesorio para pasar de puntillas por el meollo de la cuestión.

Eso nos lleva a la comentada absurdidad de su nudo narrativo en el que en lugar de seguir el camino marcado por esos 3 días finales y todo lo que ello conlleva en los diferentes niveles de la trama, nos obsequia con un risible giro hacia el psychothriller más deslavazado e insulso con subtrama de venganzas y ajustes de cuentas bigger than life. ¿De verdad es tan difícil entender que es contraproducente que un asesino intente asesinar a tu familia el día antes de que acabe el mundo? ¿Es normal que un tío que lleva 15 años encerrado en la cárcel se vaya a un cortijo a corretear a unos menores en lugar de acercarse a un prostíbulo o a un buen restaurante de la capital? El antihéroe que (des)compone Victor Clavijo además tiene vértigo y unos sueños así como raros. El prófugo se pone de pie en el capó del coche para que tengamos cartel.

La parte final además adolece de todos los males que utilizamos para cargarnos cierto cine norteamericano. Malos que no mueren a la primera muerte, héroes que superan sus miedos en el momento que importa, peleas interminables donde no acabamos de vislumbrar lo que ocurre, niños que se salvan porque son graciosos, chica que besa con lengua, guiones que parecen hechos con un programa para Pcs. Al menos al final se acaba el mundo lo que nos garantiza que también se acaba la película. Y la moto.

Cuando tu me elegiste.

2008-05-19T06:09:00.000-07:00

Cuando tú me elegiste
-el amor eligió-
salí del gran anónimo
de todos, de la nada.
Hasta entonces
nunca era yo más alto
que las sierras del mundo.
Nunca bajé más hondo
de las profundidades
máximas señaladas
en las cartas marinas.
Y mi alegría estaba
triste, como lo están
esos relojes chicos,
sin brazo en que ceñirse
y sin cuerda, parados.
Pero al decirme: “tú”
a mí, sí, a mí, entre todos-,
más alto ya que estrellas
o corales estuve.
Y mi gozo
se echó a rodar, prendido
a tu ser, en tu pulso.
Posesión tú me dabas
de mí, al dárteme tú.
Viví, vivo. ¿Hasta cuándo?
Sé que te volverás
atrás. Cuando te vayas
retornaré a ese sordo
mundo, sin diferencias,
del gramo, de la gota,
en el agua, en el peso.
Uno más seré yo
al tenerte de menos.
Y perderé mi nombre,
mi edad, mis señas, todo
perdido en mí, de mí.
Vuelto al osario inmenso
de los que no se han muerto
y ya no tienen nada
que morirse en la vida.

(Pedro Salinas)

Festival de Cannes

2008-05-16T02:05:00.000-07:00

No he ido nunca y este año tampoco voy a ir. Pero he coordinado un especial bastante completito junto a JD Cáceres para Miradas de Cine. Espero que os guste

http://www.miradas.net/2008/n74/estudio.html

De bien agradecido

2008-05-07T03:26:00.000-07:00

Dedicado a Ni libre ni ocupado

www.elmundo.es

Un violinista ruso regala un concierto a un taxista por haberle devuelto su Stradivarius

NUEVA YORK.- El violinista ruso Philippe Quint ha ofrecido un exclusivo concierto para un reducido grupo de taxistas de Nueva York, en agradecimiento a uno de ellos, quien le devolvió un violín Stradivarius valorado en unos 2,5 millones de euros y que se dejó olvidado en su taxi.

Un portavoz de su agencia publicitaria, D.L. Blackman, ha confirmado que Quint, de 34 años, convocó a sus invitados a las 13.00 hora local (17:00 GMT) y tocó durante más de 30 minutos en la terminal de taxis del aeropuerto internacional de Newark.

El pasado 23 de abril, la Comisión de Taxis de Nueva York ha informado de que el conductor egipcio Mohamed Khalil devolvió a su dueño el citado violín, después de que éste lo dejara olvidado en su taxi cuando regresaba de dar un concierto en Houston (Texas).

El músico olvidó su valioso instrumento, fabricando en 1723, en el maletero del taxi que tomó para ir del aeropuerto de Newark a Manhattan.

Cuando el taxista se lo devolvió unas horas más tarde, Quint le ofreció todo el dinero en efectivo que tenía en ese momento, unos cien dólares, y le prometió dar un concierto para él y sus compañeros de trabajo en el aeropuerto de Newark, como gesto de agradecimiento.

Además, regaló a Khalil y a su familia entradas para la próxima actuación que ofrecerá en el Carnegie Hall de Nueva York el 23 de septiembre.

Morfologia del cuento: El mal

2008-05-05T03:30:00.000-07:00

Todos estamos invitados (Manuel Gutiérrez Aragón, 2008)
Por Manuel Ortega
www.miradas.net

Sobre el cine necesario

Siempre me ha extrañado leer lo que seguramente yo cuando era más joven (o más listo o más iluso o más algo) puede que haya escrito . Siempre he sentido curiosidad por un adjetivo que los críticos siguen utilizando aunque yo ya no lo hago. Es eso del filme necesario con el que muchas veces se da validez, aplauso y bendición a filmes comprometidos con las causas comprometidas por sus compromisarios. Argumento vacío esgrimido con la misma fruición ya sea con el último filme infantil (oide) iraní, la última epopeya gay o de mujeres maltratadas (o de pelirrojos en problema , que también los tienen) o el documental definitivo que viene a enseñarnos lo que nadie más que 40 documentales anuales vienen a enseñarnos. Lugares comunes que a veces sirven para ocultar la nadería de una propuesta cinematográfica que ofrece muy poco. No me parecen mal, pero a veces su calidad “artística” es casi inexistente y se parapeta en la supuesta necesidad del espectador de ver esa película (ay que listos somos). Como los libros de Antonio Salas, las canciones de Ismael Serrano o el discurso de el Rey, por seguir aquí en España.
Todo esto viene a colisión con la última obra de Manuel Gutiérrez Aragón, un bienintencionado filme que se arriesga a mostrarnos lo que ocurre en el País Vasco, sin tenerle miedo a las consecuencias que desde ciertos grupos totalitaristas (entiendo como totalitarismo aquel movimiento político y/o social que coarta y aniquila cualquier discrepancia hacia el ideario que se defiende) pueda crearles a los implicados en la empresa. Alabo su prestancia y su valor pero no puedo hacer que esto nuble la percepción de lo que se nos ofrece y de lo que nos encontramos. Que por cierto, es bastante menos de lo que nos están vendiendo desde los medios generalistas. Tres cuartos de lo mismo que la autoparódica Elegy en comedia o la terrible Fuera de carta en drama. O al revés que es casi lo mismo en cierto cine español de calidad.

Todos estamos invitados gravita con insuficiente ahínco entre el filme político de tesis mustia y el thriller seminal de amnésica estructura trivial y rechoncha. Un ejercicio simplón que toma un tema muy serio y lo transforma en un En el punto de mira cualquiera pero con actores españoles, de esos que son más creíbles anunciado yogures o a sí mismos, y con unos recursos técnicos y de producción que dan más risa que otra cosa (sólo hay que ver la persecución que da principio al viaje iniciático del protagonista o el trabajo con figuración en la manifestación a la entrada de la universidad.) Todo aderezado por un guión donde entre el diálogo impostado y las vergonzantes fugas oníricas, descubrimos la sonrojante sensación de estar más cerca de Muchachada nui que de La voz de su amo, por citar una película con etarras más posible y plausible.
Y es que con actores así y guiones asá es muy difícil hacer una buena película. Si a eso añadimos que Manuel Gutiérrez Aragón tampoco aporta mucho más que rutina y subrayados, poco nos va quedando del naufragio cinematográfico. Lejos ya de sus meritos parciales (y tal vez coyunturales) de Camada negra, Sonámbulos o Demonios en el jardín, el director cantabro vuelve a exhibir la torpeza narrativa a la que nos viene acostumbrando en los últimos tiempos (de la tartamuda Visionarios a la simpar La vida que te espera ) y el descuido por los detalles tan esenciales como es la interpretación de los secundarios o la ambientación de los espacios (la cárcel, el hospital andaluz o el bosque donde los gudaris practican el disparo como el que va de merendola.) Por eso más que nunca nos sorprende ver en los créditos el nombre de Félix Murcia entre los implicados en el entuerto.
Detalles como estos nos hacen pensar que más que cine necesario lo que es necesario en España son buenos actores, hábiles guionistas y directores con ideas nuevas. Sin nada de eso nuestro cine seguirá estando herido. De necesidad.

Morfologia del cuento: El bien

2008-05-05T03:27:00.000-07:00

Blanca Vázquez - laRepúblicaCultural.es
TODOS ESTAMOS INVITADOS

“Habla mudita”(1973), “Demonios en el jardín”(1982), “La mitad del cielo” (1986), “Don Quijote” para Tv. y cine, “La vida que te espera” (2004), son algunos de los títulos más destacados del veterano director cántabro Manuel Gutiérrez Aragón, caracterizado por imprimirle una vena cervantina y fabuladora a su obra, y apoyándose unos gramos en el mudo fantástico para dar forma cuentista a su cinematografía. Lástima que Gutiérrez Aragón haya dejado a un lado esta su profesionalidad artística dotada de cierta magia para nadar en una visión excesivamente unilateral y propia de principiante al confeccionar (guión y dirección) un retrato ficcional de las tripas de un conflicto que lleva demasiado tiempo instalado en las conciencias como una sombra pegada a un pueblo, el del País Vasco.

Y como no es la opera prima del cineasta, ni nació ayer, me pregunto que carajo ha hecho con “Todos estamos invitados”, título que promete una complejidad (el mundo culinario aderezado con amenazas y miedo) que no ofrece, y decepciona enormemente a medida que el filme avanza.

Recordamos que fue muy criticado cuando presentó en 2001 su “Visionarios”, fallida reconstrucción de un hecho histórico de la II República situado también en Euskal Herria, del que dejó escapar un mensaje que debió esconder bajo siete llaves: el poder de las masas y la manipulación política. Algo que parece olvidar de nuevo con su último retrato (para espectadores poco exigentes) de la situación vasca.

ETA, como cualquier grupo terrorista, ( IRA, Septiembre negro, GRAPO, Las brigadas rojas, los grupos terroristas islámicos y etcétera ), no tiene por qué sustraerse al mundo del cine. Y de hecho no lo hace casi ninguno. En España hay una larga lista, algunas muy íntegras, de tratamientos cinematográficos sobre el tema, desde la exitosa “Días contados” de Inamol Uribe que también realizó “La muerte de Mikel”, pasando por “Yoyes” de Elena Taberna, “El viaje de Arián”, de Eduard Bosh, o la fláccida “GAL” de Miguel Courtois. Por nombrar algunas y de las que “La pelota vasca, la piel contra la piedra“ de Julio Medem es un ejemplo de documentación y equilibrio, en un espectro de posturas. Todas las ramas heridas y enfermas de un árbol poliédrico envenenado, qué, y perdone usted Sr. Gutiérrez, hay que procurar sacar a la palestra con cierta dignidad exenta de maniqueísmo para bobos. Todo lo contrario de lo que ha hecho su experimentada señoría.

Sé que abordar el tema del terrorismo en el mundo del cine no es nada fácil. Se tiende al mensaje político olvidando que estamos en el terreno del arte. Tampoco resulta fácil criticar películas sobre el debate, pisando cristales que nos pueden llevar a ser esquematizados con el simplón “estás con o contra”. Sin embargo la situación vasca, bajo el manto del terrorismo, es uno más de los muchos conflictos políticos del planeta, y desde luego no es de los peores hoy día. Gutiérrez Aragón proporciona una mirada distorsionada de manipulación propia (suyo es el derecho, nadie se lo niega) sobre una sociedad que ni vive tanto miedo, ni todos sufren esa visión compartida del comer y callar. Es más, si algunos técnicos y demás atrezzo no han colaborado con él, no ha sido tanto por ese miedo que él proclama como por no estar de acuerdo con su propuesta. Esa mirada de visitante agarrado a tópicos, un turista accidental que ve las cosas desde un prisma ausente de toda ambigüedad, alejado de la realidad numérica que supone la horquilla sociológica situada en la izquierda abertzale. Lo que no es óbice para subrayar el miedo y acoso que aún hoy sufren algunas personas.

Josu Jon resulta herido en un control de la guardia civil después de haber incendiado un camión junto con un grupo de compinches (de los que nada más se sabe en la cinta). A consecuencia del mismo ha perdido la memoria. Es tratado en un hospital penitenciario, y posteriormente encarcelado, donde seguirá en contacto con miembros de su banda, que intentaran atraerlo de nuevo para sí. (Sin espacio temporal preciso y con la coletilla de unas monjas en medio que no viene ni a qué ni a cuento). Un profesor de Universidad, Xabier, es amenazado por sus críticas opiniones sobre la situación en Euskadi. Malviviendo con su miedo, Xabier no renuncia a ir a las cenas de su sociedad gastronómica pese a las amenazas que recibe. Por otro lado Josu Jon vuelve a casa en régimen de libertad vigilada bajo la supervisión de un centro psiquiátrico, (sin precisar, de nuevo, el tiempo transcurrido desde su accidente). Resulta que en dicho centro trabaja Francesca, la novia de Xabier.

Lo que expone el realizador en Todos estamos invitados es una mezcla de etapas, fechas y acontecimientos como si de una sopa de tropezones se tratase, en un desequilibrado transcurrir narrativo. Datos expuestos sin fechar que recuerdan esos vídeos de ciertos partidos políticos mostrando una realidad manipulada con acontecimientos de diversas décadas. Esto no da más que lugar a una sucesión de esquematizados tópicos sin contrapeso alguno. Y de tópicos rodea Gutierrez Aragón a sus personajes, dibujados de forma absolutamente tosca. Desde el terrorista Josu Jon, (un Óscar Jaenada al que se le ha sacado muy poco provecho), sobre el que se posa la cámara como si le quemara, al papel del profesor Xavier (un José Coronado que intenta adecentar su reflejo del miedo), para acabar rematando la bicha con un personaje extraño y fuera de tiesto, la novia italiana del profesor. ¿Un casting hecho deprisa y corriendo?. Los tópicos continúan en el detalle sutil: la lengua vasca, o Euskara, lo habla mucha más población que la que rodea al entorno abertzale; los familiares de los terroristas y presos no tienen una actitud tan inane como la madre de Josu Jon; la iglesia no es un bloque de defensa terrorista, si bien, a diferencia del resto del país, matizan más la complejidad de la situación; y por supuesto los tres componentes del grupo de Josu Jon que le vigilan no son de molde único.

Se sigue utilizando a las víctimas, esta vez en una pancarta cinéfila de mensaje y lenguaje intencionadamente simplista, tomando a los espectadores por idiotas integrales. A modo de parte de noticias de Telecinco o Telemadrid, las mismas que colaboran en la producción. Prácticas fílmicas que se mueven en un plano muy convencional, a pesar de conseguir un logro en las escenas de acción y en el punto final, en el que parece haber despertado el cineasta de su fuerzas del mal, para adentrarnos en su particular mundo artístico situado entre metafórico surrealismo.

Hablando de conflictos, debí haber ido a ver “La banda nos visita” (Eran Kolirin), un enfoque más inteligente de otro conflicto interminable.

Decisiones III

2008-04-28T00:17:00.000-07:00

Cuando miro los ojos en el espejo
tiemblan mis pies descalzos.
Siento las hambres rezando frías
en el interior de la lona rota.
Desde aquel día no escucho
voces que rozan sordas el espacio
intento emular distraido los compases
de mi transportador de ángulos muertos.
Rodeo sin palabrería los numeros que nos montan
el mínimo común múltiplo de lo absoluto
recalo sin darme cuento, mis tristezas,
en el solaz descampado del ínfimo latido
que no despierta, desquita, desangra, desailly,
desagana diop, desmond mallet, de la fuente quintana
agustín.

Decepciones II

2008-04-28T00:15:00.000-07:00

Me dejé barba y empecé a no reconocer a nadie
(Bolo)

Deserciones I

2008-04-28T00:12:00.000-07:00

Alta fidelidad

Cada mes se pregunta si hay un después,
se preocupa de lavarse sólo una vez
al mes, al mes, al mes ...

Se ha dejado su tarjeta de presentación,
estará orgulloso, solo anclado en el sillón,
vencedor, vencedor, vencedor ...

Todo esto es culpa de la gente ...

Sólo ve telebasura y compra el corazón,
siempre se hace el caradura en cuanto hay ocasión
sin razón, sin razón, sin razón ...

Sólo así obtiene el premio de consolación
y los lunes se levanta a partir de las dos,
con el sol, qué calor, qué calor ...

Todo esto es culpa de la gente,
¿por qué te hace sentir tan diferente?
Todo esto es culpa de la gente ...

No le cogen el teléfono ninguna vez,
llamarán, llamarán, llamarán después.
No le cogen el teléfono ninguna vez,
llamarán, llamarán después ...

Todo esto es culpa de la gente,
¿por qué te hace sentir tan diferente?
Todo esto es culpa de la gente ...

(Lori Meyers)

Por las nubes

2008-04-18T05:34:00.001-07:00

Cada vez que subes
habla el pan.

Algun texto corto (y pego)

2008-04-14T07:56:00.000-07:00

La niebla (Frank Darabont, EE.UU., 2007)

Frank Darabont sabe contar historias. Y sabe contarlas en el doble sentido cinematográfico de la palabra: domina la escritura del guión y domina la puesta en escena. Sólo él mismo y su gigantismo descontrolado pueden pararle. Le pasó en sus dos últimas películas y eso no es bueno si tenemos en cuenta que sólo ha dirigido tres filmes. Pero hete aquí que con su cuarta producción ha conseguido sublimar sus instintos y su inteligencia con la adaptación de una novela que debe más a Lovecraft y al cine de Carpenter que a la obra originaria del rey Midas de Portland. Una propuesta de afán discursivo (quizá demasiado en algunos tramos) que funciona mediante la abstracción paradigmática de los elementos representativos de una comunidad con pocas cosas en común. El miedo y la capacidad de enfrentarse a lo que está detrás de él vuelve a situarnos en lo que hemos dado en llamar cine post 11 de septiembre y sus cábalas más o menos ingenuas, sus soluciones sin continuidad y su incapacidad para ver bosques a través de árboles y otro tipo de fauna y flora tan autóctona.

Pero La niebla se sitúa por encima porque no hay ni concesiones ni condescendencia, sólo la conciencia del desmembramiento de un ideal sin ideología y de la imposibilidad de hallar un camino donde sólo hay pasillos de supermercados con productos que nos compran a nosotros. Ni la unión hace la fuerza si el punto de apoyo está inclinado, ni el héroe americano puede liarse la manta la cabeza sin perder ésta última. Por eso, La niebla destaca, porque es un filme admirable, escrito y descrito sin miedo a quien lo mira.

Las crónicas de Spiderwick (Mark Waters, EE.UU., 2008)

Ahora la gallina de los huevos de oro no tiene forma de gallina sino de un protoanimal raro que además habla y es capaz de recitarte, en un idioma extraño, enigmas sencillos. Tolkien, Narnia, Therabitha, Harry Potter, Stardust, la brujula bañada en oro y ahora estas crónicas de Arthur D. Spiderwick y toda su descendencia, representan una nueva forma de entender el cine infantil y sus mecanismos económicos, un vocabularo inédito, un mapa alternativo de mundos paralelos y para niños. Este primer episodio dirigido por Mark Walters (firmante de la irregular pero interesante Chicas malas) gravita entre el entretenimiento funcional y el cuento de hadas sin brillo ni magia.

Aunque es innegable tanto ciertos retazos de talento expositivo en alguno de los pasajes, como cierta preocupación por la puesta en escena en los momentos iniciales de la película, su narración cae en el agotamiento y sólo es salvada por el previsible reencuentro final más allá de la lógica y del tiempo y de la resolución sencilla y humorística del problema principal. Todo lo demás es cuestionable como nuestro propio mundo y sus fronteras, los recibos de Movistar y los 40 euros que dices que me prestaste la otra noche.

Pack Fernando Fernán Gómez (VV.AA. Suevia)

Hay una frase tópica que dice que siempre se van los mejores. Esa afirmación severa y acomodaticia suele ser un lugar común que pocas veces se corresponde con la realidad objetiva y demostrable. Esta es una de esas veces. Fernando Fernán Gómez representa una de las figuras excelsas de la creación, un hombre-monstruo-artista-río sinuoso donde navega gran parte de la cultura patria del siglo XX y principios del XXI. Ahora es el momento de hacer repaso (inventario cruel), repartir la herencia, ver antiguas fotos y llorar hasta que nos haga reir. O llorar, que ya sabemos que este hombre entre palo y palo los dominó todos. Suevia nos presenta un pack atractivo, bien cuidado y que abarca parte de una de sus épocas más activas (80-90). En él podemos encontrar dos de sus obras más representativas (El viaje a ninguna parte y Mambrú se fue a la guerra), dos de sus últimas películas como director (Siete mil días juntos y Pesadilla para un rico) y una de sus más magistrales interpretaciones (Réquiem por un campesino español del olvidado pero muy interesante Paco Betriú) Además complementando a estos filmes nos encontramos con cantidad de material visual extraído de televisión y un libreto de 32 páginas con interesantes textos informativos.

En esta recopilación podemos ver gran parte del imaginario fernandofernángomiano (perdón por el neologismo) concentrado en una obra que por encontrarse hacia el final de su trayecto mira con ojos más versados (que no cansados) al hecho cinematográfico y sus circunstancias. Una obra que va desde el principio de los tiempos (el teatro y los cómicos de la legua en El viaje…) al final de una España que viene a devolvernos tal como éramos a un lugar que nunca habíamos abandonado (Mambrú), que nos lleva desde el núcleo familiar formado sin nosotros de ésta, a la disolución por la fuerza y el ácido del sacro (y sangriento) matrimonio en 7000 mil días juntos. Que nos trasporta desde el asesinato de nuestra esposa tras 233 meses de negra convivencia, a los brazos de una jovencita que muere de muerte natural destrozando el equilibrio alcanzado tras más de 50 años de artificio. Todo ello completado con el acercamiento que Betriú hizo hacia un Sender ninguneado sistemáticamente por el cine español (a pesar de ser uno de nuestros literatos de prestigio más cinematográficos de la historia) y para el que el director ilerdense contó con un amplio elenco encabezado por Fernán Gómez en el papel de Don Marcelino. Tras la muerte del gran maestro sólo nos queda seguir disfrutando de una obra tan llena de matices como la personalidad que la llevó a cabo. Descanse en pack.

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Que falta m(e h)aria

2008-04-11T06:05:00.001-07:00

Puedo saber conquistar
si quisiera el sol y así en el sofá
calentar el reloj de arena y el confort
nada que no sea ser y sentir ser sin tirar
de manta ni de flor, tu olor es la paz
cuando me acerco te acurrucas un poco así
y yo canto (y bailo) una canción que el sol
pronto instaurará su monarquía por dos
y digo yo habrá que desayunar a qué sí.

Las cosas exactas

2008-04-10T02:59:00.001-07:00

Y si me hablas a voces,
si hablas con el corazón
me pones contra la pared.

(De Luciernagas y mariposas de Lori Meyers)

Weekend

2008-04-08T03:52:00.000-07:00

WEEKEND: Largo domingo de divorcio.

Viernes por la tarde

Dudar de la importancia de Godard en la historia del cine es dudar de que estás escribiendo de cine. Dudar de los que no dudan, y entre dudas, dudan de dudar. La duda es la deuda dentro del cine del maestro francés nacido en Suiza. Confiar sólo en los juegos de palabras y poco más. Porque así se construye la deconstrucción: Separando para unir lo moderno con lo clásico que en esencia es lo mismo cuando llegue el día del prejuicio final. Que Godard nos pille sin confesar. O al verrés.

Ese día será un eterno fin de semana y habrá una larga carretera para expiar a la vecina de enfrente. Ese día llegará el fin del cine y de todas las historias que se narran para que los demás escuchen, sientan, vean. Para que las padezcan, reproduzcan, ninguneen. Acepten, adapten, amarguen, amaguen, dimitan, distraigan. Disparen. Porque el cine de Godard es impacto y es plomo en el corazón y una bala en la cabeza. Y una carretera con coches estrellados contra sus propias circunstancias y las de los demás.

Weekend

La última película de la primera época de Godard es un punto final que sirve para hacer un repaso a su imaginario anterior. Es como la película esa que dicen que te ponen en el túnel que precede a esa luz que precede a la oscuridad más persistente. La última película del fin de tu vida, celuloide atrapado al vuelo de aquí y allá que puede ser trailer o teaser pero es director´s cut impepinable. Es un repaso a pie de carretera de la semana más larga que un cineasta pueda imaginar y que está llena de muchas horas de aula o de trabajo, de mucho aprendizaje y asimilación, de muchas artes y disciplinas que confluyen en una sola nota final a pie de página (liberadora como arrancar la última página y todas las evaluaciones de lo académico y aprehendido): fin del mundo, fin del cine.

Se acaba el cine como hasta ahora lo había entendido, como ejercicio de análisis sobre (mediante) la propia construcción de la estructura fílmica y sobre su propio desarrollo diacrónico. La literatura, la religión, la pintura, la arquitectura, la música y todas las demás artes quedan aparcadas a un lado de la cuneta. Quemada a lo gonzo la primera, obligada a bajarse pistola en mano de tu coche la segunda, vilipendiadas, olvidadas, incendiadas, muertas, superadas, las demás. Ni Emily Bronte, ni un enamorado que canta por teléfono pueden competir con dos obreros (negro y árabe de izquierda a derecha) que comparten un bocadillo, toda la razón y datos económicos sobre lo que ocurre. Lo de verdad, lo tangible (como los cheques que firma el propio Godard en los títulos iniciales de Todo va bien-1972-) Lo que separa a lo filmado de lo firmado pero ya para nunca más.

Al igual que Antoine Doinel moría en la pantalla al acabar la película, atrapado por el rectangular ataud de la imagen significando así, y además, el óbito de la obra de su creador y sus posterior éxito en la vida y el amor, Godard cambia de novia, de trabajo y de peluquero con el final de Weekend, se regenera y continua con su huida hacia adelante, al final de la escapada. La imagen saturada, los filtros inmunes, un travelling de ocho minutos donde sólo queda chatarra y gente gritando antes de morir, el desfile de los personajes que entre lucha y lucha de clases pasan de una etapa a otra del cineasta. Y algunos se quedan por el camino.

Uno de ellos es Joseph Balsamo, una especie de semidios con capacidad para sacar conejos de la guantera, de hacer aparecer un rebaño de ovejas que se enfrenta a otro rebaño de borregos en coche. Es lo que salió de cuando Dios se folló a Alejandro Dumas, según él. Pero lo que realmente nos importa no es de donde viene sino adonde nos lleva. Eso es algo que él nombra como su misión: Pasar de la narrativa cinematográfica a la parafernalia. A lo que le rodea, a lo que está alrededor. Cuando se sale del cine o de una película hay otra realidad y es la que a partir de ese momento ocupará por completo la filmografía mutante del ideólogo de la Nouvelle Vague. Curiosamente Balsamo para subir al auto de Godard sólo lleva dos cosas: una chica y una pistola.

Lunes por la mañana

Hoy el despertador vuelve a sonar como el viernes anterior. Utiliza ese tono imbecil que tanto me molesta para decirme cosas que no me interesa. Supongo que me convocarán para una reunión a primera hora de la mañana y tendré que pedir permiso, como el que pide perdón, para comunicar que tengo una cita (¡con el dentista!) que me obliga a salir antes de tiempo. Luego iré al cine a ver un documental que volverá a ponerlo todo en su sitio. El cine y la realidad, la realidad y el cine, el doble filo de un cuchillo que no sirve ni para untar mantequilla. Teóricos en prácticas. La semana empieza nuevamente poniendo las cosas en el sitio que le han dicho que es su sitio. El cine sigue merodeando alrededor.

Publicado en www.miradas.net

Cita ineludible

2008-04-03T05:37:00.000-07:00

ATENCIÓN: Viernes 4 de abril
La editorial independiente sevillana Libros de la Herida en Traficantes de sueños (Madrid) presenta los libros Compañero enemigo, de Juan Antonio Bermúdez; y La criminal pasión de poseer, de Manuel Fernando Macías, ambos en la colección Poesía en Resistencia de Libros de la Herida.

Será el viernes 4 de abril a las 19.30 horas en la sede de la librería asociativa-distribuidora independiente-editorial Traficantes de Sueños, que está situada en Embajadores 35, Local 6, en el céntrico barrio de Lavapiés.

Los autores compartirán sus poemas de viva voz y estarán acompañados de David Eloy Rodríguez y José María Gómez Valero en representación de Libros de la Herida.

Allí estaremos.

Javi Pulido vs Paul Naschy: Dos monstruos

2008-03-18T06:06:00.000-07:00

Entrevista a Paul Naschy por Javi Pulido (www.adn.es)

40 años antes que Balagueró, Plaza o Bayona, pioneros como Carlos Aured, Jesús Franco y Naschy se esforzaban, con muchas ganas y poco presupuesto, por dignificar el género. Naschy, aún en activo, siempre fue el más prolífico y entusiasta. Aunque ya había intervenido como extra en producciones como Rey de Reyes, su debut en el género se produjo en 1968 con La marca del hombre lobo.

Yo soy el terror

La marca del hombre lobo no es la primera película española de cine de terror, pero sí la primera que recoge el testigo romántico y gótico de las producciones de la Universal y la Hammer. La película marcó el inicio de la primera edad de oro del género en nuestro país.

Gracias a este filme, Naschy pudo devolver al género del fantaterror las horas de placer pasadas en los cines de barrio queriendo ser Boris Karloff o Bela Lugosi. Su pasión por el género nació en el madrileño cine Iris, cuando de niño engañó al acomodador para que le dejara ver Frankenstein y el hombre lobo. "Nunca olvidaré ese cartel maravilloso con los dos monstruos enfrentados. Salí del cine completamente K.O."

A la censura franquista no le hacía gracia que el primer licántropo ibérico tuviera nombre español, y así surgió el nombre de Waldemar Daninsky, un antihéroe torturado. "Lawrence Talbot (el hombre lobo más famoso de la Universal, interpretado por Lon Chaney Jr) era un poco asexuado y sus historias eran muy ingenuas. Yo convertí al hombre lobo en algo más salvaje, tremendamente erótico, incluso ambiguo en muchas ocasiones; nunca sabías si era bueno o malo. Además, me inventé mi propia iconografía, que incluía la cruz de plata de Mayenza".

Naschy rescató además los famosos cócteles de monstruos de la Universal, películas en las que se enfrentaban varias criaturas que provenían de los laboratorios y el averno.

Naschy es el actor que más veces ha interpretado al hombre lobo, en películas como La noche de Walpurgis o La bestia y la espada mágica. Además, ha creado a personajes como Alaris de Marnac (trasunto de Gilles de Rais, el sanguinario Barba Azul) o Wolgang Gotho en El jorobado de la Morgue, por la que recibió el premio especial de interpretación en el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Ciencia Ficción de París.

El licántropo infatigable

No hay personaje o subgénero de terror que no haya abordado. Se anticipó a Coppola varios años con su concepción romántica de Drácula en El gran amor del conde drácula y abordó el género giallo en Una libélula para cada muerto, a las órdenes de León Klimovsky. En El aullido del diablo, rodada en inglés y en cuatro semanas, interpretó hasta a doce personajes distintos.

La mayor parte de la filmografía de Naschy está adscrita al fantástico, aunque en su carrera ha alternado dramas con niño (Mi amigo el vagabundo), comedias alocadas como La batalla del porro o peplums (Los cántabros). Después de 40 años, ¿le queda alguna cuenta pendiente? "Me gustaría hacer una película con mucho presupuesto, una producción histórica".

Otro de sus anhelos, pasar del celuloide a la viñeta, ha podido cumplirlo recientemente. "He pasado a ser un héroe de papel. Waldemar Daninsky ya está en el noveno arte". El retorno del hombre lobo es la película elegida por el dibujante Javier Trujillo para llevar a Naschy al cómic. A esta novela gráfica le seguirán otras adaptaciones, como La bestia y la espada mágica y otras relacionadas con la franquicia Daninsky. Si todo sale bien, también podrán leerse algunas de sus películas más reputadas, como El caminante o Inquisición.

El nuevo proyecto cinematográfico de Naschy le emparejará con otro mito del cine de terror, Christopher Lee. En Mi perro Aquiles, que comenzará a rodar a finales de junio o principios de julio, Lee hará realidad uno de sus sueños: interpretar a Don Quijote. La película, algo metafísica y en principio nada terrorífica, contará también con la presencia de Milla Jovovich.

El infierno son los otros

Naschy quiere seguir en la brecha, aunque se siente algo cansado y decepcionado con la industria del cine. Se lamenta de lo mal que le ha tratado parte de la crítica nacional (que tilda muchas de sus películas de kitsch), de no haber recibido el Goya de Honor, de no haberse decidido a emprender su aventura americana o de que "los modelnos de ahora" no le llamen para sus películas. Aún así prefiere ver la botella medio llena.

"¿Qué pretendía, hacer cine fantástico? Lo he hecho ¿Interpretar al hombre lobo? Lo he hecho. En España no me van a dar el Goya de Honor, pero tengo la Medalla de oro de las Bellas Artes. Mi cine no gusta a todo el mundo, pero ya tengo cuarenta premios y el cariño de mucha gente a la que le gustan mis películas".

http://www.adn.es/cultura/20080313/NWS-1782-Paul-naschy-hombre-lobo.html

¿Los andaluces queremos volver a ser lo que fuimos?

2008-03-11T03:45:00.000-07:00

Déjate caer (Jesús Ponce, 2007)
Por Manuel Ortega

Tesquiya*

Si el cine español es una entelequia imaginaos lo que es el cine andaluz. Y eso que hace unos años salió una parejita (los directores d l multipremiado cortometraj Bancos) que prometía bastante, pero que de momento han demostrado que a veces el camino hace al caminante y no al revés. Amodeo se metió en líos y perdió el fuelle y la imaginación de Astronautas con la más convencional Cabeza de perro. Alberto Rodríguez hizo de la modestia su escudo en la pequeña pero efectiva El traje para luego endilgarnos la prefabricada y tramposa Siete vírgenes. Tuvo mucho éxito pero tampoco hablábamos de eso. Chiqui Carabante tras debutar con Carlos contra el mundo sólo ha podido realizar una interesante pero casi invisible tv-movie llamada Calles de fuego. Álvaro Alonso se dedica exclusivamente a la producción. Antonio Hens ha tardado tanto en debutar que casi ya no es joven promesa. Álvaro Begines no ha conseguido espectadores ni estrenando ¿Por qué se frotan las patitas? dos veces.
Detrás de este panorama y de unos mayores que van a lo suyo aunque a veces hagan interesantes incursiones en el mismo imaginario (me viene a la cabeza Furtivas de Miguel Hermoso y la inadvertida Cuando todo esté en orden de César Mtnez Herrada), Jesús Ponce, tras su debut en la admirable Quince días contigo, parecía presentarse como la alternativa con más continuidad y con menos pretensiones de trabajar con Juanjo Ballesta. Haber aceptado un encargo de género a pesar del deficiente guión proporcionado en la mediocre Squizo nos hacía albergar esperanza es una profesionalidad insobornable e inasequible al desaliento. Volvía a las plazoletas pero cambiando a los viejos y el jaco por los jóvenes y el litro. Una apuesta a priori interesante y que la emparentaba con el camino inverso que los uruguayo Rebella (qepd) y Stolz en sus magistrales 25 Watts y Whisky . De Jarmusch a Kaurismaki sin necesidad de pasar por casa. Ponce desgraciadamente va de Loach a Cattaneo pasando por dios sabe dónde.
El resultado final de Déjate caer es decepcionante porque no cumple ni mínimamente lo que parece que es su intención primigenia: una sátira de calado social con extraño acento periférico. Es decepcionante porque es roma y fea, porque no sabe captar la verdad ni la beldad de las cosas cotidianas y su aura. Es fallida porque se queda en la misma posición de la que se supone que los protagonistas huyen: el sitio habitual del conformismo de los lugares comunes. Posiciones, lugares, sitios, enemigos todo de cualquier tipo de movimiento, corriente o aíre fresco. Una pena pero ya sabemos que con palmera de chocolate las penas siempre son menos.

Ponce traiciona su ideario al vender su propio identidad por cuatro caras que no pintan nada dentro de lo que eran quizá los valores más poderosos de la propuesta. La credibilidad de lo que se nos presenta es discutible desde el momento que un hermano tiene acento catalán y el resto de su familia el de una barriada sevillana. Desde el preciso instante que aprovechando el tirón de Mortadelo pone un ratito en pantalla y en grande en el cartel a un padre increíble y con una pronunciación que tampoco se adecua al ámbito en el que se nos intenta retratar. Otro cantar es la rancia y superada misoginia de arriate que bascula en el desarrollo del relato: el deshumanizado comportamiento de la hermana de Grabi(sigue con el tío que casi mata al hermano), la prostitución disimulada del personaje de Isabel Ampudia, la infidelidad desnaturalizada y educativa de la panadera, el proteccionismo agresivo de la madre de Rober o el amor que nos adocena, controla y despersonaliza de la Sunci.

Si a eso le sumamos cierto gusto por el humor de trazo grueso construido por comparaciones dignas de peor Krispín Klander (no confundir con Crispin Glover), una planificación televisiva y cansina, una realización donde la imaginación está al servicio de lo que se dice por encima de la forma de contarlo y unas interpretaciones desiguales, nos encontramos con una panorama que no hace justicia a los que mucho esperábamos del director sevillano y que aquí muestra con cuentagotas (aunque lo muestra en algunos momentos sobre todo en lo referente al personaje de Nandi y su relación con el hijo de su vecina)
Al final paradójicamente es el gran Sebastián Haro, el libertario outsider de 15 días contigo, el que disfrazado esta vez de funcional trabajador de una ETT salva a Grabi de convertirse en un desgraciado desocupado el resto de su vida. Creo que no encuentro mejor resumen para esta breve crítica y la breve trayectoria de Ponce.

(*) Andalucismo que viene a decir “¿Te quieres ir ya?” que traducido resulta “No me engañes, anda”

Publicado en www.miradas.net

Balones del estado

2008-03-03T10:08:00.000-08:00

Leído en el blog del gran Gonzalo Vázquez:

El niño imita a sus mayores y el jugador a sus mejores. Por eso la vida fracasa y el Baloncesto prospera.

YO me voy a Caceres

2008-02-29T03:33:00.000-08:00

Al festival de Cine Solidario Español invitado por un artículo que escribí para los amigos de Versión Original (http://www.rebross.com/resswork30/idioma0.html)

yo

Tiene el debut de Rafa Cortés el aire pútrido de las malas intenciones. Eso se agradece dentro del empedrado infierno de los buenos intentos baldíos del cinematógrafo patrio. Porque no está de más encontrarnos con un cine que hace reflexión sin hacer genuflexiones a teóricos impenitentes, que es intenso sin intensificar recursos externos y, por tanto, accesorios, que es hermoso jugando a un feísmo tan puro como las composiciones naturales de la isla mallorquina y la interpretaciones desprejuiciadas de su elenco secundario y aborigen. Que es Cine con mayúsculas desde un yo con minúsculas desnortado y taciturno que se esfuerza en hallar preguntas donde sólo hay respuestas meridianas. Porque ante todo y para todo, Yo es una película tan hitchcockiana como la sombra de su propia duda, como la psicosis de un hombre que sabía demasiado poco.
Hans es un jardinero que llega a una pequeña isla de Mallorca a sustituir a otro jardinero alemán que también se llama Hans. El juego de espejos (elemento que aparecerá en casi todos los momentos decisivos de la película, ya sea como espejo en sí o como reflejo en el fondo de un pozo) está presente desde la primera vez que el protagonista se queda solo consigo mismo y sus circunstancias. Nosotros tampoco sabremos adivinar en ningún momento si lo que vemos es lo presente o lo proyectado, lo que somos o lo que ven los demás. Lo que separa al Yo freudiano, egocéntrico y aspiracional del tú más común de las segundas personas.
Este es el enigma que nos propone Rafa Cortés, apoyado en la magnífica banda sonora de Óscar Kaiser, una indagación dentro del interior de una persona, tomada como juego que al mismo tiempo es metáfora de otros juegos basados en las apariencias, en las señas (de identidad), en la capacidad de hacer creer algo a los otros y de hacer creer que has creído lo que te han querido hacer creer. Y así como si de un laberinto o de un partida de cartas se tratara, ir descubriéndose a sí mismo en una transformación que está más cerca de la suplantación que de la metamorfosis. O al revés.
Porque en eso se basa todo descubrimiento: en la duda de ese mismo descubrimiento (como bien sabía el anteriormente nombrado Hitchcock, el siempre presente en este largometraje- como un quimérico inquilino- Polanski o el más profundo Verhoeven de Desafío total o El libro negro.) La cámara, y nosotros con ella, acompañará a Hans durante todo un trayecto donde los pequeños detalles son pistas en las que patinaremos hasta dar con una verdad tan absoluta como la mentira. Hans comprende que a veces las coincidencias son la causa que te empujan a hacer algo. Incluido a cambiar de vida aunque te sigas llamando igual. Que básicamente es lo mismo.
Rafa Cortés cohesiona los dos niveles de discurso (lo que se dice y lo que se calla) como si utilizara el espejo que devuelve o los naipes que esconden. La puesta en escena, las calles y la cuestas, las apariciones de Miquelet (excepcional Rafael Ramis) y la sensación de irrealidad que transmiten los acontecimientos y el comportamiento de los secundarios(1) forman la nebulosa por la que los fantasmas se ven de forma nítida. Hans comprende que muchas veces lo que nos pasa no es tan interesante como lo que les pasa los demás. Y se convierte en el fantasma de una vida truncada que tiene la posibilidad de volver a recomponer tras la imposibilidad de construir la suya. Hans se convierte en el remake con final feliz de una tragedia anterior. La comedia es tragedia más tiempo que no decía Woody Allen.

Encontrarse con uno mismo aunque no nos hayamos conocido nunca es lo que propone en esta magnífica y turbia ópera prima el debutante Rafa Cortes, un director que ha demostrado en una sola película que puede dominar, la comedia, la intriga, el terror y el drama sin dejar de ser un autor con un discurso tan original como sus referentes. Un cuestionador de espejos, un croupier sin mangas, un cineasta isla dentro de un panorama con demasiada agua, muchos tiburones y pocas identidades tan claras. O tan confusas.

(1) Se cuenta que Rafa Cortés no dejo ver el guión a los actores secundarios, lo que hace que la atmósfera irreal se intensifique notablemente.

Diga 33

2008-02-27T01:01:00.000-08:00

Lolocristo ha nacido

Tampoco me va tan bien

2008-02-25T03:39:00.000-08:00

Esa cosa que se instala con el digital plus
en mi garganta. Tiene pelitos, Roza mis números.
Esa amargura que malvive a mi vera
y tiene la sala desordenada así con bolsas y batines y bolindres.
Esa oración sin presupuesto que se instala rauda
rozando la palma de mi mono y la cosa de los tientos y nada,
subiendo por los perros de húmeda lengua rugosa
y cuando canta. Dice huevitos. Reza tus salmos. Colma mi bazo.
Y es por eso, y no por otra cosa, que me asustan los que vienen
diciendo que es mi cumpleaños y que esboce una sonrisa
porque tampoco me va tan bien y no me creen los malajes
esos que me ponen bonito, los que anuncian mis lágrimas,
los publicitarios.

No me va mal

2008-02-19T20:26:00.000-08:00

Esperando un milagro

Qué bonitos los amaneceres,
qué bonitos los atardeceres,
qué bonitos el azul y el verde.
qué bonito, le gusta a la gente.

Pero a mí, no sé, algo me falta,
sin darme cuenta hablo en voz alta,
veo tus lágrimas diamante
con esa luz tan brillante.

El aire se ha quedado parado
y yo estoy aquí esperando un milagro.

Entiendo que a veces la vida es tranquila,
entiendo que a veces aniquila,
entonces respiro muy fuerte,
más que nunca me alegro de verte.

Tenerte aquí a mi lado,
me quedo contento y callado,
admirando la luz plateada
que llevamos en la mirada.

El aire se mueve despacio
y estamos aquí esperando un milagro.

Coches sonrientes
te enseñan los dientes.
Cualquiera sabe, lo sabe de sobra.
Dime quien lo entiende,
dime quien lo logra.
Yo hace tiempo lo estoy intentando,
por las mañanas mirando hacia el cielo
preparado me estiro cantando.

El aire parece que habla
y yo estoy aquí esperando un milagro.

El aire se mueve despacio
y estamos aquí esperando un milagro.

(Los Ronaldos)

Algunas reflexiones sobre No es pais para viejos

2008-02-18T01:37:00.000-08:00

Publicado en www.miradas.net

No Country For Old Men (Ethan y Joel Coen, 2007)
Por Manuel Ortega

Desierto asfaltado en una dirección

1. Aclaración

No voy a decir que no me gusta la película porque estaría mintiendo, así que quizá más que en contra mi opinión sea “a la contra”. Y no porque yo quiera llamar la atención sino porque lo que leo y oigo me la llama a mí. No me he leído el libro pero creo que tampoco es que haga falta. El cine y la literatura son dos disciplinas diferentes, dos artes distintos cuya utilización como elemento comparativo es tan inútil como infantil. El de La carretera si me lo terminé el otro día pero me gusta más la de Burgos que te puedes parar en el Landa a tomar morcillas. Por poner un ejemplo,
2. En materia: Asfalto

En su pequeña (aunque enorme) crítica de Boarding Gates (Olivier Assayas, 2007) en el repaso del pasado festival de Sitges, mi compañero Roberto Alcover Oti nos hablaba de ciertos directores que habían estudiado tanto los mecanismos teóricos que luego su puesta en práctica se les quedaba fría y desangelada. Yo tengo esa sensación con el mejor cine en mayúsculas de los Coen más estupendos. Me ocurre con Muerte entre las flores y me sucede también con Fargo. Me parece que son películas que transmiten una perfección deshumanizada, una maestría de librillo standard, un distanciamiento que acorta el resultado final. Ese es mi principal problema con No es país para viejos, su mecánica interna limpia y contundente, su desarrollo casi de videojuego (ya saben, superar niveles y pantallas), su previsible camino de apariciones fantasmagóricas y violentas que hacen de la sangre fácil una argumentación demasiado simple. La maravillosa escena (en planificación, atmósfera y misterio) del regreso del personaje de Brolin para dar agua al mexicano queda ensombrecida demasiado pronto por esa presencia constante y ensimismada del personaje interpretado por un Bardem que corre el peligro de convertirse en un nuevo Rutger Hauer. Lo imprevisto frente a lo ya visto, lo bueno de los Coen frente a lo malo de cierto cine de calidad. Soy más de la homérica charlotada musical de O Brother, de la narrativa disfuncional de El hombre que nunca estuvo allí, del estallido tranquilo de El gran Lebowski o la sorpresiva atemporalidad del experimento sin necesidad de demostración de El gran salto. Rarito que es uno. Casi tanto como los Coen.

3. La base: El desierto

Alacranes que se acercan a cactus que retienen tequila. Frontera entre el límite del mal y el límite del fatal. Gente que no es de ningún sitio matando a los que sólo son de un lugar. Muchas piezas, y todas atractivas, para componer la enésima mirada definitiva sobre el imaginario norteamericano y su propia esencia. Paul Thomas Anderson sabe lo que se hace y construye la tragedia piedra a piedra y agujero a agujero en su magnífica Pozos de ambición, traducción de telenovela colombiana para el genial There will be blood original. Los Coen renuncian a lo que sublima Anderson y en lugar de aplicar su abono a la árida tierra caliente intentan que todo crezca con la fotografía de una regadera. Y el desierto no es desierto porque no haya nadie, sino porque es desierto. Por eso no hay nadie. Y es lo que les falla en este caso a Joel y Ethan. Ellos se empeñan en aplicar fórmulas y en adaptar/adoptar discursos que le vienen bien a la música, a la fotografía y a las interpretaciones cuando tendría que ser al revés. Javier Bardem está muy feo con ese pelo y tiene la boca doblada como en Mar adentro. Tommy Lee Jones parece recitar el guión de la película que iba a rodar después. Kelly McDonald seguramente habrá regresado a la heroína tras no comprender su cometido.
4. La dirección: El prestigio (el truco inicial)

La película está rodada con precisión, ambientada como nadie, maneja códigos narrativos que trascienden el lenguaje común de los directores mortales (todas las escenas de la aduana, la escabechina del primer motel, la escena del regreso del buen hombre al territorio de los malos reseñado en el punto 1). Lo dije al principio aunque luego pareciera que no: La película me gusta y pasé un buen rato (quizá demasiado largo) pero creo que su condición de cine de calidad hecho adrede con reglas básicas y cosas que no caben, recortan la propia inventiva y la ambigüedad del discurso que delimita demasiado su propio alcance. Sólo hay una dirección y no hay escapatoria y ya he dicho que a mi me gustan las fugas y fugarme cantando como en O Brother, fumarme con ellos un algo y que nada tenga tanta importancia como un notas cualquiera, saltar al vacío para inventar el hullahoop y jugar (sin juzgar) un rato o que me lleven los extraterrestres porque quizá ninguno hayamos estado nunca allí. Pero también hay que contar que yo soy tan raro como los Coen cuando son raros. No como ahora que son demasiado normales.

Las ratas

2008-02-13T08:03:00.001-08:00

Las ratas,
insidiosas, peludas,
voraces, ingratas,
innumerables, puntiagudas,
alucinantes, piratas,
escurridizas, zancudas,
por los rincones, por las escalinatas,
cataratas de ratas,
expectantes y mudas,
selva de dientes, de patas,
enormes, menudas,
mortificantes, peliagudas,
a saltos, a gatas,
agobiantes, cornudas,
lúgubres, insensatas...
Las ratas:
¡las dudas!

(Jesús Lizano)

Sobre (para, con) el cine español

2008-02-05T02:38:00.000-08:00

Resumen español del 2007 publicado en www.miradas.net.

Sobre (para, con) el cine español

Por Manuel Ortega y José David Cáceres.

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Parece que la falla más grande entre la calidad y la producción no tiene nada que ver con la cacareada ley del cine ni con nada que parezca a una ley. Quizá el gran problema radique en el apellido, en ese cine que nos empeñamos (y nos empañamos) en delimitar, premiar, masturbar y endiosar antes que en analizar. Los premios son ese reducto que desde los más esnobs a los más integrados se dedican a seguir como la luz de los faros en la tormenta de la sobreinformación. Una luz que sale del corazón enfermo de los mercachifles de cualquier condición. Desde Miradas de Cine no nos creemos ni que 4 meses, 3 semanas y 2 días fuera la mejor película de Cannes como nos negamos a pensar en que El orfanato sea la mejor película española del año. Básicamente nos negamos a creer en la palabra mejor en cuanto al cine, el arte y la comunicación se refiere. La Academia es un organismo público a extinguir como muy bien sugiere nuestro compañero Tomás Fernández Valentí en sus acontecimientos del año desde esta misma publicación. Un organismo inútil que malgasta el dinero de todos en dar sus premios a los amiguitos que más votos consigan entre los amiguitos. Una ceremonia de penoso gusto y cateta indumentaria que incluso es capaz de bajar su audiencia año tras año entre un público que demanda lo que parece que le va a dar. Una fiesta privada que en lugar de fomentar y difundir el cine de calidad que se hace en nuestro país (este año bastante gracias a outsiders y exdirectores de cortos) se dedica en hacer obscena ostentación de la baja estofa de sus compromisarios. Por eso nos encontramos en la diatriba de tener que distinguir el cine español, es decir, el mejor cine estrenado en nuestras pantallas y el cine de estado, el ensimismado cadáver de unos cineastas y demás que tienen tanta adicción a todo tipo de canon (y luego quieren hacer cine social) como al sanedrín y al boato.
2
En una de las mejores películas vistas el año pasado, Yo, ópera prima del mallorquín Rafa Cortés, el protagonista, Hans, mira al fondo de un pozo y desde ese instante todo cambia para él porque adquiere una seguridad de la que antes carecía: ahora puede ser quien quiera ser. El cine español, como Hans, no tiene (o no quiere) una identidad propia, tal vez porque prefiere la comodidad de parecerse (o ser lo contrario) a otros; pero a diferencia de ese curioso albañil alemán, nuestro cine nunca se ha mirado al abismo en busca de una respuesta, de un reflejo aún a sabiendas que puede estar distorsionado. La oscuridad asusta más si proviene de uno mismo. Este año 2007 no ha traído sorpresas en este sentido: el conjunto del cine español sigue a la deriva anclado en una nostalgia que cada vez resulta más absurda, empeñado en parecer autónomo a base de copiar mal modelos industriales y artísticos ajenos, reconociendo exclusivamente al que tiene éxito comercial, adoptando posturas intolerantes desde/hacia el cine personal y de género, despreciando (o no; según convenga) el cortometraje… Y los culpables de tan desolador panorama no son los demás, somos cada uno de los que de alguna manera participamos, en este caso como espectadores y críticos, en el entramado que conforma este cine español. Consecuencia bastante relevante de esto es la repetición de un dato de lo más preocupante: nuevamente un solo título, El orfanato (J.A. Bayona), ha acaparado la mayor atención del público situándolo entre los primeros puestos de la recaudación global (puede que incluso sea el film más visto según algunas fuentes que indican que los datos del Ministerio son incorrectos). Circunstancia que viene “salvando” sistemáticamente cada año desde un punto de vista mercantil, pero que dice bastante poco del sentido de nuestro cine como industria solvente y seria. No caigamos en el error común de acusar a los espectadores de ser cómodos. Tampoco carguemos contra los media porque al fin y al cabo cumplen su objetivo a la perfección. Hay otras variables a tener en cuenta y el propio mundo del cine debe tener algo que ver en ello.
3
Más allá de su rotundo éxito, El orfanato, un film de alcance limitado pero bastante habilidoso, pone sobre la mesa, otra vez, un camino no convenientemente explotado en España: el cine de género como tercera vía que facilite el desarrollo de una cinematografía, que aunque no tenga excesivas ganas de crearse una identidad, al menos pueda aspirar a tener donde asirse cuando surja la oportunidad. De esta manera, aunque sería inevitable que existieran productos funcionales y mediocridades, se puede dar salida a un cine de género, necesario en cualquier industria que se precie de serlo, y a partir del cual seguramente aparecerían voces personales. Pero no nos equivoquemos: la distinción clasista de autores y artesanos está en nuestra opinión más que sobrepasada. Fue una útil herramienta pero como la Underwood Five cumplió su función y ahora se ha convertido en una antigualla que dificulta la fluidez del análisis. La autoría es mucho más de lo que se nos vende y no es evaluable siguiendo según qué tablas, criterios y declinaciones. La autoría está en cada trabajo de los que tienen un discurso propio sin que ese discurso entre por ningún aro o por todos. Porque tan independiente es el que no quiere entrar como el que se niega a salir. ¿Dejó de ser autor Van Sant cuando rodó El indomable Hill Hunting? ¿Empezó a serlo Woody Allen con Annie Hall? Tan autor es Juan Flahn como Pedro Aguilera, Mateu Aldrover como Vicente Aranda, José Luis Garci como José Luis Guerín, Azucena Rodríguez como Pablo García. Por eso, este 2007 ha sido un año bastante rico en universos personales del cine español. Pero como siempre hay que tener cuidado al separar el grano de la paja, las voces del eco, el Quijote de Cervantes del de Pierre Menard o del de Avellaneda (lo mismo es quedarse corto por nivel o por falta de personalidad). Por seguir la voz de la postura o de la impostura. Lo que hemos venido a llamar autoría frente a autismo, básicamente.
En el terreno estricto del cine de género descubrimos, desventuradamente, pocos films realmente logrados; de estos mencionamos aquí y ahora la insólita cinta fantástica Los Totenwackers, segunda realización del director y productor Ibón Cormenzana, una deliciosa aventura infantil narrada con pulso e inteligencia. El paisaje general es bastante pobre: el thriller devaluado (Ladrones, de Jaime Marqués, La habitación de Fermat, de Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña), la comedia pueril marca de la casa (Salir pitando, de Álvaro Fernández Armero; Equipo Ja, de Juan Muñoz), el fantástico bajo mínimos (La hora fría, de Elio Quiroga, 2006; Moscow Zero, de Luna, 2006), el melodrama empalagoso y desapasionado (El corazón de la tierra, de Antonio Cuadri, El niño de barro, de Jorge Algora), el terror efectista (Los abandonados [The Abandoned, 2006], de Nacho Cerdà). Y a pesar de estos resultados decepcionantes, creemos que esta tercera vía es necesaria. Como revela la trayectoria de la productora Filmax, única que trabaja dentro de los márgenes del cine genero (fantástico y de terror) desde hace varios años, y que ha venido entregando pobres resultados cualitativos pero que siempre ha funcionado bien comercialmente, hasta dar un cierto giro a esta tendencia consiguiendo un inédito éxito de público (segunda película española más vista del año) y crítica con [REC] del tándem Jaume Balagueró y Paco Plaza, un estimable horror film perfectamente dosificado y vibrante, que no necesita profundizar, valiéndose solamente de la superficie, para resultar inquietante. Quizá por aquí haya un punto de encuentro entre distintos pensamientos, que creemos puedan converger (y divergir) armoniosamente.
Es el caso que nos encontrábamos el año pasado con Iñaki Dorronsoro y su notable La distancia y que este año vuelve a repetirse con Rafa Cortés y el thriller psicológico y más de Yo, Santiago Lorenzo y la comedia costumbrista en Un buen día lo tiene cualquiera, Ray Loriga y el biopic histórico a calzón quitado de Teresa, el cuerpo de Cristo o el drama contemporáneo de Felipe Vega y Mujeres en el parque. Cuatro autores que a riesgo de chocarse con las reglas no escritas de la academia, el público y la promoción nos han ofrecido cuatro obras más que estimables y de las que el cine español tendría que sentirse orgulloso. Lejos del cine con pretensiones y de qualité de andar por casa, de la formularia Siete mesas de billar (frances), la televisiva y amazatocada Mataharis, la aburrida y convencional 53 días de invierno de Judith Collel, el autismo fútil y resabiado de La línea recta de José María de Orbe, el tremendismo naif de Las 13 rosas o la novísima pero no Bajo la estrellas de Félix Viscarret.
También tuvimos el regreso de tres auteurs, así en francés, de los que teníamos muchas ganas de seguir teniendo noticias. Aupado por el Moma como cineasta a la altura de Berlanga, Buñuel o Fernán Gómez dentro del cine español, nos llegó El silencio antes de Bach de Pere Portabella, un ejercicio interesante pero de una vejez exacerbada, una irregularidad peligrosa y un alcance limitado. La película gana siempre que Portabella deja la palabra a la imagen y el sonido, consiguiendo escenas hipnóticas y verdad en este homenaje al autor alemán. Ni Guerín ni Rosales decepcionaron con dos obras que estiran un poco más su imaginario y su discurso. Guerín lo hace a lo ancho de la calle, Rosales dividiendo las estancias. Guerín esbozando con un carboncillo, Rosales cuidando bien todos los marcos. Sea de una u otra forma ambos consiguen con En la ciudad de Sylvia y La soledad lo que pretenden. Y eso nunca será pretencioso. El otro gran autor ya sólo se escribe en español y con Caótica Ana consiguió poner a casi todos de acuerdo. A Medem se le ha perdido el camino y la vergüenza y eso puedo traernos películas tan excesivas y fallidas como la que nos ocupa o bien nos puede sorprender con una de esas obras maestras que sólo se consiguen sin tenerle miedo al miedo. Tiempo al tiempo. Y quizá un guionista.
4
Ha sido un buen año para los debutantes. También lo ha sido malo según como se mire. La verdad es que hemos visto un poco de todo pero preferimos quedarnos con unos cuantos nombres que esperamos que marquen un poco el ritmo y la actitud de nuestra estancada cinematografía. Por eso queremos reivindicar sobre todo las propuestas de Rodrigo Cortés, Pedro Aguilera, Rafa Cortés, Koldo Serra. Desde el escapismo visual y de toda regla marcada por vía del exceso y el ejercicio intelectual de la deslumbrante Concursante a la árida deconstrucción de la familia (de todas las familias) en la impresionante La influencia pasando por la personalidad indómita y disfuncional de Yo o el talento contenido (a ratos mermado) de la aguda Bosque de sombras.
Nos gustaría destacar brevemente nombres propios del cortometraje como Gonzalo de Lucas, Velasco Broca, Enrique Gato, Jorge Tur, Luiso Berdejo, Javier Veiga o Álvaro Collar cuya producción está muy por encima de buena parte de las propuestas que pugnarán por el Goya mostrando sus armas desdentadas por el conformismo y el lugar común. También estimulantes propuestas en los márgenes del documental (vid. Las variaciones Marker de Isaki Lacuesta; Can Tunis, de J. Gonzalez Morandi y P. Toledo). Y no se nos olvida otro medio que está surgiendo con fuerza: las series en Internet. De ellas destacamos dos presencias sorprendentes y muy recomendables Hienas de Norberto Ramos Del Val (http://es.youtube.com/watch?v=c31h8o3I-8c) y Frikis de La Mirilla Producciones (http://www.canalfriki.net/).

Hijos de puta que mueren en la cama: Marcial Maciel

2008-02-01T05:15:00.000-08:00

Otro más. Otro menos.

www.elmundo.es

FUNDADOR DE LOS LEGIONARIOS DE CRISTO

Marcial Maciel, un líder religioso bajo la sombra de la pederastia

MÉXICO.- El fundador de los Legionarios de Cristo, el mexicano Marcial Maciel (1920-2008), falleció tras una vida controvertida, apartado del sacerdocio público por el papa Benedicto XVI y bajo sospechas de pederastia.

Maciel, quien murió el 30 de enero en Estados Unidos, nació el 10 de marzo de 1920 en una familia de clase media y con gran presencia de religiosos en Cotija de la Paz, en el sureño estado mexicano de Michoacán.

De niño su salud fue frágil, ya que sufrió fiebres tifoideas, problemas del corazón y otras dolencias, una tendencia que le seguiría en su vida adulta.

El religioso vivió en su infancia la Guerra Cristera que enfrentó en México a fuerzas federales con grupos armados católicos y que provocó decenas de miles de muertos. Su tío, Jesús Maciel Degollado, fue uno de los generales "cristeros".

El conflicto le llevaría a descubrir en su adolescencia su vocación sacerdotal y a fundar, en 1941, los Legionarios de Cristo, tres años antes de ser ordenado sacerdote.

Un año después nacería el Regnum Christi, el cuerpo de miembros laicos de la orden, ya que Maciel pensó que eran ellos quienes podían realizar mejor labores de captación y evangelización en el seno de la sociedad civil.

En 1946, en el transcurso de una audiencia privada en el Vaticano con el pontífice Pío XII, éste le pidió que formara líderes y ganara para la causa de Cristo a los prohombres de América Latina y del mundo entero, según llegó a relatar el propio Maciel.

Pío XII pidió al fundador de la orden que "fuesen un ejército en orden de batalla", lo que llevó a cambiar el nombre original de la orden, Misioneros del Sagrado Corazón y de la Virgen de los Dolores, por el definitivo de Legionarios de Cristo.

La congregación que llegaría a contar con unos 400 sacerdotes, 2.500 seminaristas y cerca de 40.000 miembros laicos, es considerada una de las más conservadoras de la Iglesia católica.

Administra importantes universidades y centros educativos en Europa y en América, en países como Brasil, España, Estados Unidos, Irlanda y Chile.

En su México natal, la orden fundó en 1964 su primera universidad, la Anahuac, con sedes en todo el país.

La congregación fue apodada "los millonarios de Cristo", por su estrecha ligazón con la élite acomodada, especialmente en México.

Ya en su época de seminarista cayeron sobre él acusaciones de haber cometido abusos sexuales contra sus compañeros, descartadas en un informe oficial que califica esas denuncias de "calumniosas y humillantes para un incansable e incomprendido trabajador pastoral".

Las acusaciones continuaron en la década de los 50, cuando aparecieron religiosos que afirmaron que Maciel abusó de niños y jóvenes en México, España e Irlanda, entre otros países.

El religioso llegó a ser puesto como ejemplo de labor pastoral por el papa Juan Pablo II, pero su sucesor, Benedicto XVI, le exigió en mayo de 2006 que renunciara "a todo ministerio público" y llevara una vida retirada.

El fallo del Vaticano no satisfizo a quienes denunciaron los presuntos abusos, ya que Maciel ni siquiera fue sometido a un proceso canónico en atención a su avanzada edad.

El religioso, por su parte, negó siempre haber cometido abusos sexuales o practicado la homosexualidad.

Por momentos 2

2008-01-23T03:08:00.000-08:00

Todo cambia cuando yo paso
soy el espejo camaleón
y tengo los bolsillos lleno de lágrimas
y pestañas cocidas. No me mires
a tus ojos que me pongo
y ya no me quito del ecuador
de tus momentos partidos. La mitad
de ser, el camaleón espejo.

Por momentos

2008-01-23T03:05:00.000-08:00

Sol de invierno

Por el día ando siempre despistado
por la noche en sus brazos se me olvida
por el día voy ciego de lado a lado
por la noche casi todas de movida
por el día hoy me siento acorralado
por la noche en sus brazos se me olvida
por el día perdona haberte asustado
por la noche todas todas de movida.
Y su calor es como el sol
en una cama fría en una noche de un invierno
y su calor es como el sol
me levanto a mediodía hace ya noches que no duermo
. Ella era la reina de las aves y yo era un miserable ratón
ella iba volando por el cielo y yo le dije vamos al pilón
ella era la reina de las aves y yo le puse cara de ratón
me desabrochó algo que no sabes y me comió el corazón chup chup...
Y su calor es como el sol
en una cama fría en una noche de un invierno
y su calor es como el sol
me levanto a mediodía hace ya noches que no duermo.
Ella era la reina de las aves y yo era un miserable ratón
ella iba volando por el cielo y yo le dije vamos al pilón
Ni ella era la reina de las aves ni yo le puse cara de ratón
ni ella iba volando por el cielo ni me comió el corazón chup chup...
Y su calor es como el sol
poco a poco voy poniéndome moreno
y su calor es como el sol
no te acerques tanto que me quemas los pelos.
Sudando para tí, para tí, para titirititirití.

P.D. Me juego el tipo mirándote a los ojos
salgo corriendo voy a meterme en remojo
me has alterado poniéndote a mi lado
yo que vivía tan feliz en un tejado.

(Extremoduro)

Mi blog

2008-01-08T00:28:00.001-08:00

Arriba mi amor, que en aquel lugar se ríen de mí.
El cine de hoy es así, ¡ahá!

Díselo al final, no, no, no.
Quería jugar yo, yo, yo.
¿Podría esperar?, no, no, no.
¡Venga, que hay que hacer deporte!

Arriba mi amor, que en aquel lugar se ríen de mí.
El cine de hoy es así, ¡ahá!
No pude hacer más, en aquel mundial sabían de mí.
Ya sabes que tú para mí, y no hay más.

Arriba mi amor, que en aquel lugar se ríen de mí.
El cine de hoy es así, ¡ahá!
No pude hacer más, ¿cómo lo harían?, sabían de mí.
Ya sabes que tú para mí, y ya está.

(Tachenko)

Hace tantisimo frio en la vida

2007-12-17T07:22:00.000-08:00

Ya lo dijo un sabio: hay que tener amigos hasta en el invierno.

Los viajes de Sullivan

2007-12-13T10:01:00.000-08:00

Publicado en Cámara Lenta.

LO DIFÍCIL ES MÁS FÁCIL.

LO DIFÍCIL ES EMPEZAR

Preston Sturges fue pionero en muchas cosas y como mucho de los pioneros corrió el riesgo de estrellarse contra árboles que nadie había plantado. Pero como pionero también tuvo la suerte de habitar oasis desconocidos, de pisar nieve virgen y saborear noches sin días agotadores que las precedieran. Preston Sturges fue el primer guionista que pasó a ser director (si exceptuamos el fugaz paso de la pareja Hecht y McArthur) y el primero que hizo muchas otras cosas que hoy quedan en el olvido de los que tienen poca memoria y de los que hacen los libros que no se venden y las palabras que no se leen. La obra de Sturges sigue indómita pudiéndose ver como en el primer momento en la que se vio. Libre, casi con ese sabor clandestino de lo incorrecto y de la ética ponderada solamente con la propia naturaleza de su condición. Predestinada en convertirse en retrato de un futuro que no sigue recordando que el pasado no es más presente hasta que no se supera. Y en algunas cosas los postulados de Los viajes de Sullivan están por superar.

LO DIFÍCIL ES SEGUIR

John L. Lloyd Sullivan es un director de cine con una carrera consolidada a la que él piensa que le ha de dar un giro por lo que le rodea. Su cine es de evasión, cómico, divertido, básicamente insustancial. Con poca chicha y mucho no sé qué que se dice. Todos están contentos con él menos él. Todos quieren que siga por el mismo sendero menos algo en su interior que le dice que gire a la izquierda. Él toma conciencia de su importancia y todo empieza a tener mucho más levedad. Menos es más, más o menos. Lo difícil es lo fácil. Lo fácil es mucho más complicado. Pero eso se debe comprender por el camino. Pero no por el camino temporal ni siquiera por el camino espacial sino por el camino camino. Es decir, Sturges cree en la construcción de la fábula para que esta funcione más que en los personajes o en lo que se quiere decir. Cree en los mecanismos y en que la gente quede atrapada por la narración. Es mucho más inteligente creer en la comunicación que creerse un comunicador.

LO DIFÍCIL ES EL BUEN CINE

Querer contar algo no es suficiente cuando estás más preocupado de ti que del espectador. Sturges intenta enseñar a Sullivan pero le resulta complicado. La vida no es simular la vida como intenta hacernos creer el personaje interpretado magistralmente por Joel McCrea. Dejar de comer no es pasar hambre. Simular es sinónimo de impostura que es lo contrario de postura y de honestidad. Es muy fácil correr el tour si vas en (como una) moto. ¿O no? El cine debe respirar verdad y sinceridad aunque sepamos que es un entramado colectivo de gente que necesita llegar a fin de mes (unos de manera más holgada que otros) todos los meses. Igual que los que enlatan aceite (o sardinas en aceite), te preparan una paella o te recomiendan el mejor único viaje del año o de la semana. Lo que separa a Sturges de Sullivan es la conciencia de saber que lo que más importa del creador es su obra más allá de lo que pueda parecer importar. Y esa es la diferencia entre lo impostado y las apuestas seguras y sencillas.

LO DIFÍCIL ES NARRAR (SIN GUARDAR LA ROPA)

Lo que se viene a llamar cine clásico es lo más rompedor que nos ha pasado en los últimos ciento y pico años. La estructura narrativa clásica es, por así decirlo, la sublimación de las corrientes narrativas de otras artes. Un compendio de soluciones basadas en la creación de problemas que enganchen y enlacen las diferentes piezas de la obra de arte a cohesionar. Y que sea solución y que sea problema. Las obras demasiado cerradas huelen a charca. Por el contrario, Los viajes de Sullivan es un océano de corrientes circulares cálidas, frías y templadas que no paran de apuntar diferentes metas siempre con solución de continuidad según nade el pez. Tiene un principio y varios finales a los que sigue otras especies de principios (morales o modales, qué más da) que nos hace vislumbrar las diferentes etapas del círculo vital de cada individuo. A saber, reconocimiento-más (otro tipo de) reconocimiento, cambio de rumbo-vuelta al mismo sitio, relación de pareja para volver a afrontar el cambio de rumbo-celebración, celebración-discurso (reparto del premio), castigo-descubrimiento de los mecanismos (y de que no se debe jugar con ciertos sentimientos), descubrimiento del yo-vuelta a el primer momento de reconocimiento ya no por parte de los demás sino por parte de uno mismo.

LO DIFÍCIL ES NO PERDERTE EN TU CASA

Porque el camino no existe hasta que no se anda como decía Machado, luego Serrat y hasta Nino Bravo a su forma (formarán mi destino las piedras del camino o así.) Porque en esas seis etapas que conforman los noventa minutos escasos de este extraordinario y ambiguo filme nos damos cuenta que giramos (y Preston Sturges lo consigue mediante una puesta en escena que cada final de secuencia nos remite al meollo de la siguiente) sobre elementos conocidos y reconocibles. En la primera de ellas es el propio yo hinchado del cineasta de éxito y lo hace en el marco conocido de la propia estructura de la industria del cine. Los productores, su ex mujer y fragmentos de su obra van colocando el avituallamiento envenenado de la propia bilis de un director que luego sufrió todos esos rigores e incluso lo pagó con su vida (es decir, con su obra.) En la segunda no es ya el yo profesional sino el yo personal, el ego del triunfador social que es utilizado para seducir a una mujer. La ostentación de la personalidad y de lo conseguido lo llevan a empezar de nuevo, de otra manera y acompañado. El happy end es el leitmotiv de la tercera parte y la propia paradoja de la mitad de la película. Sully Sullivan, tras recoger todo la información que le hace falta, enferma y da por concluida su desagradable aventura. Parece que ya lo ha aprendido todo sobre los pobres y cree que es tan fácil plasmarlo en la pantalla como contratar actores. Por eso el punto de anclaje de la cuarta etapa no es otro que la carencia de guión de la vida, la ausencia de sentido y de trucos formularios. Y ese es el momento en que la ambigüedad es menos clara y más retorcida. La vida no tiene oscars (aunque yo conozco a uno en el trabajo) y no se puede tratar al pueblo con la mentalidad capitalista que se pretendía denunciar. En el lumpen también hay gente que mataría por los mismos motivos que matan los estados democráticos al uso. Eso nos lleva a una quinta parte donde llegamos a una conclusión certera y que personalmente me agrada (chifla, sullibeya) y por la que quizá esta película me parece tan necesaria como efectiva y genial. Sullivan va a parar a la cárcel y esto ya no es ninguna broma. El homeless que le robó el dinero y los zapatos es atropellado por un tren y el personaje publico del director de cine muere con él (los zapatos, además de constituirse en metafórico fetiche de los pies en el suelo y de la pobreza y la riqueza, llevan escrito el nombre de Sullivan para que no hubiera peligro para reconocerlo.) Entre rejas y con trabajos forzados, el burgués director comprende que la muerte está mucho más cerca de la vida si no tienes mansión con piscina. Pero ese no es el descubrimiento esencial. Lo que descubre Sullivan es que el cine social no se hace haciendo cine social sino haciendo cine para la sociedad. La secuencia de los presos en la iglesia a la que van a ver una película de Walt Disney tendría que entrar en la historia de la narrativa cinematográfica junto a las escaleras de Odessa, el bautizo de asesinatos sincronizados del hijo de Michael Corleone o el final aterrador de dos torres gemelas que se separan entre dos hombres que se alejan, cada uno por un lado, en Munich. Ese descubrimiento es realmente es el descubrimiento del yo del principio, que es el descubrimiento al mismo tiempo no de Sully Sullivan sino del propio Sturges que por primera vez (y quizá última) abandono el surrealismo extremo y divertido de su obra para forjar una maravillosa obra maestra del cine social al que se había decidido a redefinir renegando casi de su existencia y necesidad. Y esa es la clave de la sexta parte y de la película.

Evolucion

2007-12-04T08:26:00.000-08:00

Te llamo
te lamo
te amo
temo

Pues a mi si

2007-12-03T11:41:00.001-08:00

Tokyo ya no nos quiere

tú que duermes a mi lado
no quieres despertar
hasta que salga el sol
dormir juntos los dos

si somos diferentes
no te lo crees ni tú
hasta que salga el sol

y tú que duermes a mi lado
no quieres despertar
hasta que salga el sol

si te quieres venir
que sea porque no te da igual
si te quieres venir
que sea porque no te da igual

si te quieres venir
ahora ya no hay vuelta atrás
si te quieres venir
ahora ya no hay vuelta atrás

yo sonrío y me levanto
sin desayunar
me meto en cualquier bar
la cuenta está al llegar

te llamo desde un barco
y tardas en bajar
no me hagas sufrir más

tú que duermes a mi lado
no quieres despertar
hasta que salga el sol

si te quieres venir
que sea porque no te da igual
si te quieres venir
que sea porque no me da igual

si te quieres venir
ahora ya no hay vuelta atrás
si te quieres venir
ahora ya no hay vuelta atrás

si te quieres venir

hasta que salga el sol

(Lori Meyers)

¿Sueñan los insecticidas con cucarachas electricas?

2007-11-26T04:27:00.000-08:00

Si Dick levantará la cabeza... le gustaría ver Blade Runner en pantalla y este nuevo artilugio creado por científicos europeos para sembrar la desconfíanza entre las propias cucarachas. ¿se empezaran a crear partidos políticos y grupos terroristas entre los hemimetábolos?

Robots-cucarachas para controlar plagas

La cucaracha no es un lindo bicho. Pero hay unos robots cucarachas que podrían ser la puerta para poder manejar a distintas clases de animales gregarios.

Científicos europeos crearon cucarachas robóticas capaces de engañar a sus homólogas reales y convencerlas de seguir sus pasos. Se trata de una especie de flautista de Hamelin robótico en una versión moderna de control de plagas.
"Queríamos estudiar la forma como las cucarachas toman decisiones en grupo. Porque las cucarachas, solas, parecen estúpidas, pero en grupo presentan un comportamiento muy inteligente, por ejemplo cuando se trata de buscar lugares donde esconderse", dijo a la BBC Ciencia José Halloy, investigador de la Universidad Libre de Bruselas y creador del proyecto.
El objetivo del proyecto -publicado por la revista Science- era lograr que los robots sean aceptados por los insectos y así lograr influir en su comportamiento colectivo.
Los investigadores lograron dirigir el comportamiento de las cucarachas de forma que siguiera al robot en una determinada dirección, que se detuviera con él y permaneciera inmóvil, o que elija un refugio en contra del criterio colectivo que habrían seguido sin la actuación del pastor autómata. En resumen: este tipo de robots permitirían controlar a distintas clases de animales gregarios.
Halloy reafirmó esto al decir que “se ha comprobado que somos capaces de inducir a estos insectos a elegir una guarida inhabitual e inadecuada, que nunca habrían adoptado por sí mismos”.
Escondite equivocado
Las cucarachas son insectos gregarios que se auto organizan, es decir siempre se movilizan y congregan juntas en un solo lugar, de preferencia en refugios oscuros. Por medio de un sencillo experimento, Halloy y su equipo lograron que los robot cucaracha guiaran a un enjambre de cucarachas reales a encontrar un refugio.
Y lo más interesante es que como explicó el investigador “los robots lograron comunicarse con las cucarachas y convencerlas de que se comportaran de forma inusual". La influencia de las cucarachas robot llegó hasta el punto de obligar a los insectos a escoger un escondite seco y bien iluminado antes que uno oscuro y húmedo, como hubiera sido lo lógico. El equipo científico actuó como El Gran Hermano capaz de decidir por las cucarachas y los robots fueron su brazo ejecutor, digno de un nuevo capítulo de 1984 de George Orwell.
Para llevar a cabo el experimento, los científicos colocaron a los pequeños robots en un pequeño estadio de un metro de diámetro, donde las cucarachas podían desplazarse libremente. En el estadio había refugios cuyos techos eran discos de plástico cubiertos con filtros rojos. Al colocar filtros adicionales los investigadores podían hacer un refugio más oscuro que otro.
Los robots no tenían la apariencia de cucarachas. Son pequeñas cajas forradas con un papel rociado de feromonas. "Las cucarachas no se reconocen con la vista, sino con el olor -explicó Halloy- así que extrajimos todas las moléculas de la cucaracha que producen el olor que las identifica. Y así aceptaron a los robots como un miembro genuino de su grupo, acercándose e interactuando con ellos".
Los científicos programaron primero a los robots para que tuvieran las mismas preferencias que los insectos hacia los lugares más oscuros. Posteriormente, los programaron para que se dirigieran hacia los refugios más iluminados. La mayor parte del tiempo los robots cucarachas lograron que los insectos las siguieran hacia los refugios iluminados y se congregaran allí.
Los expertos creen que el experimento podría tener todo tipo de aplicaciones, además del obvio control de plagas engañando a los insectos y llevándolos hacia trampas. "Por el momento estamos tratando de entender cómo funciona esta interrelación entre robots e insectos, o robots y otras clases de animales", afirmó el científico. "Creemos que podremos construir máquinas o robots que puedan comunicarse con los animales y tomar decisiones que influyan en su conducta".
El próximo paso: estudiar la posibilidad de hacerlo con pollos y crear un robopollo capaz de interactuar con los animales y controlar el comportamiento del grupo. Y también probarán con las ovejas.

¿Y esto que dia lo ponen?

2007-11-19T02:13:00.000-08:00

Un saludo a Agustín Calvo Galán y felicidades por su interesante proyecto.

http://lasafinidadeselectivas.blogspot.com/2007/11/manuel-ortega.html

Sin receta

2007-11-16T02:38:00.000-08:00

Los días que no salgo de casa, me automedito.

Lo de ser cancioon: Me gustan las cerezas

2007-11-15T10:09:00.000-08:00

Por el sol que me une a ti paso por la noche mejor,
por las cosas que me dices veo la cosa mucho mejor.
Tengo miedo de que te vayas y me dejes sin ti.
Los perros nos molestan, nos iremos de aquí.

Hasta la noche me da la razón,
porque me gustan las cerezas, me gustas tú.

Hay "eses" y "uves" en la noche
que me persiguen, vienen por mí,
tu luz me guiará y me llevará hasta tus abrazos, sólo tu luz,
sólo tú, solo tú, solo tú sabes quien me lo dijo a mí
y ahora voy a por ti, ten cuidado porque voy ardiendo.

Hasta la noche me da la razón,
porque me gustan las cerezas, me gustas tú.

Tienes cara de sueño pero no me importa,
tienes ojos de halcón cuando haces amor.

Tienes ...
Tienes ...
Tienes ...
Tienes ...

Por el sol que me une a ti paso por la noche mejor,
por las cosas que me dices veo la cosa mucho mejor.
Tengo miedo de que te vayas y me dejes sin ti.
Los perros nos molestan, nos iremos de aquí.

Hasta la noche me da la razón,
porque me gustan las cerezas, me gustas tú.

¡Ah!, me gustas tú,
me gustan las cerezas, me gustas tú,
me gustan las cerezas, me gustas tú,
me gustan las cerezas ...

(Los Ronaldos)

Me quemé

2007-11-11T13:03:00.000-08:00

Quiero tener una mano detrás, volver
a creer en crecer,crear líquenes rotos
en mi propia piel, volar, oler, velar,ayer
alentar mi propia piel, separar, no ir
sin ser, parecer, perder, planchar mi propia piel
y no cantar sino me regalan el deuvede o algo más
que me den, pero que me den por no demostrar
que hoy estoy bien y sí es así que me den
los que me dan y líquenes por no demostrarme
que es tan fácil sentir como esperarme sentado
en el andén con una maletita, un ipod y ya.

Para la libertad

2007-11-05T00:58:00.000-08:00

Entrevista a de Azúa sin desperdicio. Contra el pensamiento único, disparando a diestros y siniestros personajes. I love this game

http://www.elcorreodigital.com/alava/20071104/sociedad/incomodo-este-pais-incomodisimo-20071104.html

Lejos de representar su edad, Félix de Azúa (Barcelona, 1944) tiene aire de eterno universitario, de alumno aventajado y prematuramente avejentado por una sobredosis de libros. El escritor, que acaba de publicar 'Ovejas negras' (Bruguera), donde se recoge una selección de sus mejores artículos periodísticos de los últimos cinco años, acostumbra a recibir en su estudio de la parte alta de Barcelona, presidido por la vetusta y quizá decepcionada mesa de dibujo de su abuelo, arquitecto. Igual que su padre, arquitecto. Y también su bisabuelo, arquitecto... Es evidente que a Azúa, joven rebelde con causa, no le quedaba otra que intentar romper la cadena. Pero la vida es irónica y este doctor en Filosofía ha terminado impartiendo clases en la Escuela de Arquitectura. Además, en sus muchos años de escritor, no ha hecho otra cosa que construir: teorías, frases brillantes, poemas, ensayos, novelas... Y castillos en el aire en ese país imposible donde impera la ética y no existe el nacionalismo.

La entrevista no tiene lugar en el interior de su estudio, literalmente tapizado de libros, como cabe esperar de alguien que posee una biblioteca con 15.000 volúmenes, sino en la soleada terraza, que a su vez se abre a un enmarañado jardincillo. O más que jardín, bosque con ideas propias, porque allí las plantas crecen tan insumisas e irreverentes como el propio Azúa, que ahora las contempla distraído, tras sus gafas de miope, con una mirada felina, justo antes de saltar simbólicamente a la yugular de algún conocido político.

-¿Se siente cómodo siendo incómodo?

-Al contrario, es incomodísimo. Las ovejas negras, las públicas, somos muy pocas, unas diez. Y nos miran mal. La sociedad catalana es tremendamente compacta y acepta muy mal la disidencia. Aquí singularizarse es fatídico. Durante el franquismo, los antifranquistas éramos un puñado y teníamos problemas para relacionarnos con la gente normal. Aquí todo es hacia dentro. Los ricos catalanes no se exhiben. Es dificilísimo hacer el mapa de quién manda en Cataluña, porque a los que mandan de verdad nadie los conoce. Esta sociedad es por un lado muy gregaria y por otro, muy secreta, muy siciliana.

-Dice que le resulta incómodo. ¿No vive bien?

-Sobrevivo porque no dependo de la Generalitat, que tiene un poder enorme. Creo que el último presupuesto eran ocho billones de pesetas y eso, en un país tan pequeño y tan controlado, donde todos los medios de comunicación están en manos de esta élite, hace que casi todo el mundo dependa económica o socialmente de que el poder le admita. Yo, afortunadamente, como dependo de un ministerio madrileño, que es el de universidades, tengo cierta independencia. Pero las incomodidades son muchas. De entrada, yo no existo en este lugar y tengo que andar con mucho ojo con mis amigos para no perjudicarles. Cualquiera que se salga un poquito de lo que está mandado recibe inmedatamente un castigo. Es muy duro tener una antipatía permanente... Y luego están las amenazas. A mí me llegan a través del 'blog'. 'Te mataremos, te cortaremos las pelotas...' (en catalán). Y además sabes que si tienes un conflicto no te va a defender nadie. Es lo que le pasó a Albert Rivera, de Ciutadans. Claro que la situación no es tan grave como en el País Vasco, donde la violencia está organizada y, a mi entender, protegida por una capa muy seria del poder.

-¿Ir contra lo políticamente correcto le estimula?

-Es que la moral global es muy pequeñita, de pigmeos. Hoy en día se protege más al león que al cazador, porque se trata de culpabilizar. No se defiende ni a los leones ni a las minorías, que están tan aplastadas como siempre. Se trata de culpabilizar: porque fumas, porque bebes, porque eres mujer y tienes pérdidas de orina...

-¿Eso no está bien visto desde que lo anuncia Concha Velasco?

-No. Y no es una cuestión moral, sino una pura explotación. Lo de la mujer es evidente. España, según he leído, es el país de Europa que tiene más gasto en operaciones estéticas. Eso es porque las mujeres están culpabilizadas.

-Dice sentirse turista en su propia ciudad.

-Así es. El Ayuntamiento ha cerrado Barcelona a los barceloneses, desde la plaza Cataluña hasta el puerto. Ése es un reducto de turistas, de un turismo degradado. A ellos les encanta dar cifras. Pero del millón de turistas que vienen a esta ciudad hay una parte enorme de gente a la que traen de Holanda, Alemania o Inglaterra sin hotel. Los sueltan, duermen en la playa, y luego los arrastran hasta el avión y se van. Por las Ramblas no se puede caminar. Ese paseo se ha convertido en una especie de espectáculo constante para los señores que vienen de fuera. Hay una estatua humana cada diez metros, trileros...

Woody Allen

-Qué habrá pensado Woody Allen...

-Barcelona con Woody Allen reaccionó igual que el pueblito aquel de 'Bienvenido, Mister Marshall'. Les hacía una ilusión enorme que un director americano, al que ya nadie hace caso en su país, hubiera elegido la ciudad. Y, claro, la eligió porque le daban cien 'kilos', de nuestros impuestos. Y el Ayuntamiento, que nunca concede esas ayudas a cineastas de aquí y que impone restricciones a la hora de rodar, a Woody Allen le dio carta blanca. Hay que ser muy paleto.

-La ciudad de los prodigios es ahora la de los socavones.

-La incompetencia de Fomento viene de lejos. Magdalena Alvarez tendría que haberse retirado ya cuando estaba en Andalucía. Pero es que antes en Fomento estaba Álvarez Cascos y era igual de inútil. Y hay una segunda parte: es curioso que la Generalitat de Cataluña, que es un poder con una ambición omnímoda, no tuviera ni la menor idea de la que se iba a armar.

-¿Qué insinúa?

-Que o bien son unos ignorantes o unos incompetentes. Han retrasado las obras del AVE unos cinco años, discutiendo entre ellos si pasaba por aquí o por alla. Que pase cerca de la finca de mi primo; no, que vaya al aeropuerto, que yo tengo un negocio... Y esto por lo visto lo estaban haciendo sin haber realizado el menor estudio. El problema de la política catalana es que sus representantes son de una extraordinaria mediocridad, porque no son responsables de nada. Cuando hay un problema, el responsable siempre está en Madrid. Éste es un país chiquitísimo y los políticos viven en una burbuja. Los socialistas catalanes hablan entre ellos, comen entre ellos, van a sus bodas, sus bautizos, tienen hasta las mismas amantes... Sí, sí, conozco a varias de ellas. Y además se creen superiores, que es una herencia de la 'gauche divine', de cuando bañarse en pelotas en Cadaqués era un gran gesto ético, moral y de izquierdas

-Zapatero, aunque en domingo, sí visitó los socavones. ¿'Ingenuidaz', con zeta de Zapatero?

-No. De él pensamos que era ingenuo los dos primeros años. Ahora sabemos que es un tipo muy avispado, un oportunista que venderá su alma para conseguir lo que se propone. Claro que ha asumido toda la responsabilidad, porque en Cataluña tiene un enorme granero de votos. Es el típico dirigente personalista y yo diría megalómano. Cualquier persona sensata que conozca el País Vasco le habría dicho que no podía negociar de esa manera. Luego se mete en la Alianza de las Civilizaciones, a arreglar el mundo él solito... Sólo ha conseguido una foto con Kofi Annan y con el presidente turco. Se mete en el Estatuto de Cataluña diciendo: Aprobaré todo lo que me presenten... Y claro, le han pasado el catecismo del padre Astete, algo impresentable. Zapatero es un 'bluff', un globo hinchado, un personaje que sabe que buena parte de los votantes españoles no leen periódicos. Y responde a una imagen trivial, casi de programa del corazón. El sonríe, se hace el agradable, es simpático... Y mientras tenga enfrente un partido que está todo el rato poniendo cara de hermano prefecto de las doctrinas cristianas y dando capones y collejas lo tiene ganado. La derecha es que se pierde. En lugar de hacer un partido liberal, europeo, a la inglesa, están repitiendo los tópicos más aburridos de la derecha española de toda la vida.

-Pero ya viene Rato a arreglarlo.

-No creo. Los partidos sobre todo son empresas. Cambiar, no sólo un gerente sino un jefe de negociado, es dificilísimo. Para que cambiaran la línea tendrían que cambiar al viejo equipo aznarista de Acebes, Zaplana... En el PP hay gente viajada, no sólo Rato, con estudios, que conoce sistemas políticos europeos, sobre todo el británico, y que se da cuenta de que el PP no puede seguir atado a la Iglesia como está, o a cuestiones triviales como si los homosexuales se casan o no.

-'Si no puedo preguntar a mi pueblo... ¿para qué soy lehendakari?', se atormenta Ibarretxe.

-Sí, y una vez más echo en falta respuestas serias. Ese personaje, que a mí siempre me ha parecido un labriego, ignorante, fanático y visceral, necesita que se le dé una respuesta a esa pregunta ridícula. Y la respuesta es que no puede hacer esta pregunta. Uno, porque están matando gente. Dos, porque mientras matan y amenazan, hay muchos políticos que no pueden hacer campaña. Tres, porque hay pueblos en los que la gente vive muy asustada y a ver cómo puede defenderse allí la pregunta del referendum. Y cuatro, porque el PNV siempre ha dicho que, en el caso de que salga que no, habría que repetirlo dentro de unos años. ¿Y si sale que sí, no hay que repetirlo?

El hijo de Pujol

-Usted mismo se pregunta cómo acabará «este último capítulo de la mística hispana».

-Sólo hay dos posibilidades. Una, que en una de esas grietas que se producen y que suelen coger a los políticos en pijama se origine una ruptura unilateral; que los separatistas vascos o catalanes de pronto un buen día promuevan una desobediencia civil. Y la segunda posibilidad es que se aburran. Tal vez hagan falta otros cincuenta años. Pero yo creo que la esterilidad de las ideas acaba cansando incluso a los que las proponen. El otro día, en una entrevista, al hijo de Pujol le preguntaban si era independentista y decía que sí. Luego le preguntaban si creía que Cataluña sería alguna vez independiente y decía que no. Esta ambigüedad es típica de las clases altas catalanas y sobre todo de los que se han enriquecido con el nacionalismo. La familia Pujol ha pegado un salto tremendo. Era de la más pequeña burguesía y ahora son todos millonarios. Otro ha sido el presidente del Barça, Laporta, que siempre ha hablado español y con toda la familia de Falange. Todos estos han ganado mucho dinero y, claro, el nacionalismo les va muy bien. Así que no pueden apearse de esa postura independentista, pero tampoco les interesa que llegue. Entre otras razones, porque en una Cataluña independiente una familia tan rica como los Pujol se tendría que ir al exilio. Cuando inicias un proyecto de ruptura e independencia no sabes si vas a acabar en Chequia o en Chechenia. Ni Zapatero ha sido capaz de conceder la unificación de Navarra y el País Vasco, que era lo único que exigía ETA. Y no ha podido porque las Cajas del País Vasco y el Opus han dicho que no.

-Dos años después de la aparición de Ciutadans, ¿cómo lo ve?

-Las noticias no son buenas. Aquí se había creado una infraestructura y por problemas de personalismo típicos de los partidos españoles, en los que yo creí que no caerían, en el partido de Rosa Díez se están produciendo los mismos enfrentamientos de siempre: quién manda aquí, quién se presenta allá, quién hace las listas... A mí me ha decepcionado muchísimo. Estoy ya muy distanciado. Es volver a caer en las tonterías de siempre de los partidos españoles. Pero tengo la esperanza de que puedan hablar y entenderse. Sería absurdo que el partido de Rosa Díez se presentara en Cataluña desaprovechando la red que tiene Ciutadans y que Ciutadans por su parte tuviera que presentarse en solitario. Si eso fuera así, ni uno ni otro sacarían un solo diputado en Cataluña. Creo que en el partido de Rosa Díez alguien les está aconsejando mal.

«Somos ovejas negras»

-¿Ha hablado con Savater?

-Sí, el otro día, en Sevilla. Él me decía que no cree que llegue la sangre al río. Confío en que prime la sensatez sobre la desinformación. En Cataluña empezamos siendo diez ovejas negras y luego se consiguieron tres diputados.

-¿Ser español puede ser considerado algo vejatorio, tal como escribió con ironía Elvira Lindo?

-En Cataluña mucha gente lo considera así. El odio a España y a lo español es tremendo en esta tierra. Yo creo que superior al que pueda haber en el País Vasco. Y es un odio de pueblo. Muchos catalanes odian a España por puro complejo de inferioridad, empezando por la lengua. El otro día me enseñaron el libro de Historia que se utiliza en los institutos catalanes. No se puede imaginar... Todas las desdichas que allí se reflejan tienen su origen en España. Los niños están sometidos a un bombardeo ideológico igual que nosotros en época de Franco.

-¿Qué le evoca el 25 aniversario de la victoria socialista?

-Me ha hecho pensar en mi juventud. A mí me cogió en el País Vasco, en Zorroaga, y recuerdo el fiestón que se organizó. Eramos escépticos, pero durante unos años, en las dos primeras legislaturas de González, el país cambió enormemente, fue el momento más brillante de la política española. Luego, empezó a emputecer... Y ahora vuelve a ser la vieja política española, pero la de Maura, la de la Restauración, la del caciquismo, un horror y un aburrimiento. Me siento extraordinariamente decepcionado por el partido de mi juventud, que es el PSOE. Creo que nunca podré votar al PP, porque hay zonas de ese partido que no puedo aceptar, como el compromiso que tiene con la Iglesia. Pero cada vez tengo más dificultades para seguir al partido de mi juventud.

-¿Los curas de La Salle le machacaron mucho?

-Totalmente. Aquello se presentaba como un colegio para élites barcelonesas y era un puro correccional, una prisión repugnante, donde el personal docente, los curas, los hermanos de la doctrina cristiana, eran unos zotes. Los buenos son estupendos, los malos son asquerosos, pero los tontos son lo peor, porque hacen daño sin darse cuenta. Hay que negociar con buenos o con malos, jamás con tontos. El tonto es el que lo pierde todo y a ti te arruina. Y me temo que la política española está en manos de los tontos. Yo preferiría a los malos.

Me cago en Koenraad Lefever y Niels Schreyers

2007-11-02T04:31:00.000-07:00

Para algo tiene que servir un blog. Seguro que tanto Koenraad como Niels se buscan orgullosos en Internet (en el Google y tal) y por eso aprovecho para cagarme en ellos. Los publicitarios tenemos mala fama y gentuza como ésta, creando productos amorales, estúpidos y perversos, nos hace un flaco favor. Luchar cada día con un briefing es algo duro pero no da patente de corso para sobrepasar los límites de la decencia del humano y del trabajador.

Enlace: http://leopineda.blogspot.com/2007/06/dainese.html

Enesima victima

2007-10-23T02:15:00.000-07:00

NO HAY NADA MÁS TRISTE QUE LO TUYO

No me digas que no hay nada más triste que lo tuyo,
hay miles de cosas en el mundo que son mucho peor.

No me digas que no hay nada más triste,
una tienda de animales es mucho más triste,
con los perros en sus jaulas, dando vueltas,
y los gatos dando vueltas, en sus jaulas.

No hay nada más triste que una tienda de animales.
No hay nada más triste.

No me digas que no hay nada más triste que lo tuyo,
hay miles de cosas en el mundo que son mucho peor.
No me digas que no hay nada más triste,
un turno de noche es mucho más triste,
en la cadena de montaje esperando la sirena con lo peor de Rubí contando sus miserias.

No hay nada más triste que un turno de noche.
No hay nada más triste.

No me digas que no hay nada más triste que lo tuyo,
hay miles de cosas en el mundo que son mucho peor.
No me digas que no hay nada más triste,
los caballitos pony son mucho más triste………
LOS CABALLITOS PONY, LOS CABALLITOS PONY, LOS CABALLITOS PONY.

No hay nada más triste que los caballitos pony…….
No hay nada más triste.

(Hidrogenesse)

Hijos de puta que mueren en la cama: Bob Denard

2007-10-18T02:13:00.000-07:00

Ayer se quedaron las llaves de casa dentro del trabajo y me quedé sin batería en el móvil. Pero al menos se ha muerto este hijo de puta

www.elmundo.es

El antiguo mercenario francés Bob Denard, conocido por su implicación en múltiples operaciones armadas y golpes de Estado en África, falleció el 13 de octubre a la edad de 79 años en su domicilio cerca de Burdeos.

Denard padecía la enfermedad de Alzheimer, que le había impedido asistir al juicio que se le hizo en París por la organización de un golpe de Estado en las Comores en 1995, y que le valió el pasado mes de julio una condena a cuatro años de cárcel, tres de ellos sin cumplimiento de pena.

Este juicio no era el primero que Denard afrontaba en Francia por atentar contra el Ejecutivo de estas pequeñas islas situadas en el océano Índico y que se independizaron de Francia en 1975.

Hace ocho años, Denard fue absuelto por un tribunal de París del asesinato en 1989 del presidente de Comores Ahmed Abdallah, en otra de la veintena de intentonas golpistas de este país.

Fue condenado además en 1993 a cinco años de cárcel exentos de cumplimiento por un intento de golpe de Estado en Benin en 1977.

Como en esos casos, durante cerca de 40 años de su vida, estuvo implicado en múltiples acciones militares en África.

Denard, que en realidad se llamaba Gilbert Bourgeaud y había nacido en Burdeos en 1929 de un padre militar con experiencia colonial, entró muy pronto en contacto con la actividad armada, ya que a los 16 años participó en la resistencia contra la ocupación nazi de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, antes de enrolarse en el ejército, en el que permaneció hasta 1952.

Anticomunista convencido, tras trabajar en la policía de Marruecos cuando el país magrebí era todavía un protectorado francés, desde los años 60 participó en operaciones dirigidas por los servicios secretos franceses en conflictos pos-coloniales.

Son conocidas su implicación en apoyo del movimiento secesionista de Katanga, en el antiguo Congo Belga, entre 1960 y 1963; su intervención en Yemen contra los republicanos a los que apoyaba el régimen egipcio de Nasser en 1963-64; o el soporte que dio en Angola en 1975 al grupo rebelde UNITA de Jonas Savimbi, que contaba con beneplácito occidental.

Pero donde dejó una huella más prolongada es en Comores, adonde llegó poco después de la proclamación de la independencia, en septiembre de 1975, detuvo al presidente, Ahmed Abdallah, y lo sustituyó por Ali Soilih.

Tres años más tarde regresó para acabar con el régimen de Soilih, al que sustituye por Abdallah, y el mercenario se instala allí y se dedica a formar una guardia pretoriana presidencial de 600 hombres, dirigida por oficiales europeos.

El país se convierte en el centro de tráficos ilegales que permitieron a la Sudáfrica de la segregación racial aprovisionarse de armas, y sirve de plataforma logística para operaciones militares contra otros países africanos.

En 1989, el presidente de Comores es asesinado en circunstancias oscuras y en presencia de Denard, quien sería evacuado días después por un comando francés de paracaidistas mientras subía al poder Mohamed Tako Abdulkarim, otro jefe de Estado favorable a Francia.

En septiembre de 1995, el mercenario vuelve a las Comores y, con una treintena de hombres derroca al presidente en ejercicio, Said Mohamed Djohar, antes de ser repatriado con su equipo por los servicios secretos franceses.

Contra la injusticia (Poema social de un publicitario)

2007-10-16T07:54:00.000-07:00

En 1972,
cuatro de los mejores hombres
del ejército americano,
que formaban un comando,
fueron encarcelados por un delito
que no habían cometido. No tardaron
en fugarse de la prisión
en la que se encontraban recluidos. Hoy,
buscados todavía por el gobierno,
sobreviven como soldados de fortuna.
Si tiene usted algún problema
y se los encuentra,
quizás pueda contratarlos.

Por lo visto I (Sitges 2007)

2007-10-15T08:25:00.000-07:00

LOS CRONOCRÍMENES (Nacho Vigalondo)

Con mucha expectación se esperaba la primera obra del más mediático de
nuestros mediáticos cortometrajistas y ésta llegó como llegan estas
cosas: decepcionando a los que esperaban una obra maestra y
satisfaciendo a los que no nos dejamos arrastrar demasiado por modas
pasajeras ni por realidades construidas a base de repetirlas hasta la
saciedad. Al fin y al cabo, Los cronocrimenes es una obra sugerente,
atractiva y dinámica que apuesta por el guión (ya era hora que así
pasara en festivales que a veces se dejan llevar demasiado por lo
formalmente epatante) antes que por el efectismo visual y el
presupuesto desarbolado. Si a eso (la palabra escrita) le añadimos una
puesta en escena pragmática, limpia y sutil, miel sobre cuajada (lo de
las hojuelas nunca lo entendí.) En el debe tendríamos que colocar
algun defecto achacable a la procedencia del director (el
cortometraje) como el descubrimiento prematuro del mecanismo narrativo
principal, lo que hace que la película vaya de más a menos y que se
desinfle en su tramo final. O la ultilización de actores no
profesionales (señor Vigalondo: dirige bastante bien y tiene una buena
voz, pero hay muchos actores en paro) que si bien no lastra el
resultado sí acaba con la posibilidad de hallar matices
interpretativos de esos que de vez en cuando subliman algunas
secuencias.

HÉROS (Bruno Merle)

De témpano y riendo, caliente y con lágrimas, nos deja la ópera prima de Bruno Merle, una fábula donde la moraleja, como en toda narración desmitificadora que se precie, está al principio y los principios al final. Eso no impide, más bien todo lo contrario, que el joven realizador nos ofrezca una aproximación certera y desnuda que, a pesar de estar trufada de unas pocas demasiadas referencia obvias, nunca deja de sorprendernos en su empeño de salir indemne de batallas teóricamente perdidas (justo lo contrario que le sucede a Assayas en la también francesa-y también película- Boarding gates.) Merle transita entre un Scorsese con ascendencia francesa (Godard le fou, of course) y un Wyler revisitado por Noé e interpretado por Groucho Marx y Donnald O´Connor. Hacer reir parece más fácil que hacer llorar pero tiene más merito y el personaje al que da vida , cuerpo y locura, Michel Youn lo sabe y lo lleva a la práctica transformando la aparentemente ya vista trama en un "tour de force" donde el único ciclista va de endorfinas hasta las cejas. El equilibrio entre lo que se es y lo que se espera ser le lleva hasta el caos sin solución de continuidad y eso hace que Héros no sorprenda contándonos algo que ya sabíamos antes de coger el tren a Sitges: Kill your idols para salvar tu vida.

EL REY DE LA MONTAÑA (Gonzalo López-Gallego)

Previsible salto de uno de esos (nuestros) directores marginales al cine para todos los gustos que tanto se estila últimamente y que los americanos compran para hacer remakes aún más para todos los gustos si cabe. Ésta (su tercera película tras la interesante Nomadas y la invisible Sobre el arco iris) transita con desidia y agotamiento por un camino cercado por la sensación repetitiva de deja vù constante. La sombra de lo hecho es tan alargada que ocupa casi toda la historia del cine desde Deliverance a La caza o a la demasiado reciente Ellos, incluyendo aquí cualquier otro zaroffiano safari humano. Pero esto no sería un problema tan grave si no latiera en su interior una lectura simplista, lamentable y moralista que desvirtua su incuestionables valores formales (que los tiene) y que proporciona al visionado un giro hacia aguas que ya huelen. Lo hizo Van Sant en Elephant y tuvo gracia, pero en López-Gallego no tiene ni pizca ni originalidad (y van...) lo que hace que desconectemos con rapidez y fruicción. Si a eso le unimos unos diálogos que confunden naturalidad con nadería (entre Medem y Ozores tiene que haber algo) y unos actores que parecen mirar a cámara constantemente pidiendo un "¡corten!", no tendremos dudas de que nos hallamos ante uno de los fiascos de un festival que en su apuesta por el cine español nos ofrece películas ( La habitación del fermat, El último justo, etc) que en otras muestras no tendrían cabida.

De miedo

2007-10-11T07:37:00.000-07:00

Me lo estoy pasando en Sitges y no tengo ordenador y los de la sala de prensa están ocupados (menos ahora.) Ya escribiré cuando vuelva. Ya.

Three Roses

2007-10-05T02:39:00.000-07:00

Entre las flores del campo

La única chica que me quería
Nació un día de sol
La única chica que me quería
El día que ella nació
Nacieron todas las amapolas
Y ese día nací yo

Subía hasta el cielo y gritaba
Su amor no era de polvo o de arena
Al mismo tiempo que el viento soplaba
No dejaba que sus palabras se oyeran

Ela decía
Y me juraba
Que era imposible
Que me olvidara
Pero hace tiempo que me olvidó
Y desde entonces
Sigo buscando
A ver si se ha perdido
Entre las flores del campo
A ver si se ha perdido
Entre planetas girando.

(Los Planetas)

Antologia del carnaval: Pasaba ya las doce

2007-09-26T09:06:00.000-07:00

Pasaban ya las doce
aquella noche fría
en la que entre las sombras
sorprendí a dos amigas.
No hubiese sido extraño
ver a las dos charlando
si no es porque María
beso a Lucía en los labios.

En aquel momento que pasé
no estuve acertando y las miré
sin saber que aquello haría daño
si los besos de amor con pasión
no dan quebranto
aquel beso entre dos rosas
a las dos dejo llorando.

¿Por qué no podría ser
que una mujer besara a otra?
¿Por qué no podría ser
que les gustara estar a solas?
¿Por qué quise juzgar
con mi prejuicios a otra persona?

Se amaban porque lo veían así
y jamás dudaron por
lo que la gente dirían
pasaba ya las doce y decidí
que una letra escribiría
se la debía
se la debía a dos rosas
Lucía y María.

(Tino Tovar para Los del año Catapum)

Democratas de toda la vida: Luis Maria Anson

2007-09-25T04:10:00.000-07:00

Por sus obras les conocerá, dicen. Pero hay gente que construye su fama en otro tipo de obras. El opus, el amiguismo, el ombliguismo o en decir siempre lo mismo. Aquí va una muestra de la calidad literaria y periodística de este arribista del verbo y el boato.

Carta de Zapatero a Fidel Castro

LUIS MARIA ANSON

Organicé la Agencia Efe en La Habana en los 80. De aquella época conservo allí buenos amigos. Uno de ellos me ha filtrado la carta que José Luis Rodríguez Zapatero ha dirigido a Fidel Castro. La reproduzco a continuación sin quitar ni añadir una coma.

«Querido y admirado Presidente, mi Comandante:

El ministro de Asuntos Exteriores de mi Gobierno, Miguel Angel Moratinos, me da cuenta de su viaje oficial a Cuba y me informa de la evolución favorable de la salud de Vuestra Excelencia. No sabe cómo lo celebro porque mi generación se ha educado con la vista puesta en la Cuba comunista y en la figura irrepetible de Fidel Castro, centinela de la libertad, caudillo del Caribe por la gracia del destino histórico y comandantísimo de los ejércitos de Tierra, Mar y Aire de la perla de las Antillas.

Las nuevas generaciones que viven en el hedonismo, no tienen conciencia clara de lo que ha supuesto para el mundo la lucha de Vuestra Excelencia por la libertad, por los Derechos Humanos y por la política social, todo ello frente a la voracidad del Imperio, frente al incalificable bloqueo impuesto por los Estados Unidos. A pesar de esa tropelía histórica, Cuba es hoy, gracias a Vuestra Excelencia, un paraíso de libertad, una nación justa en la que se respetan y acatan las leyes derivadas de la voluntad general libremente expresada, con un pueblo libre y esperanzado que disfruta de un alto nivel de vida, habiéndose sustituido en todas vuestras ciudades el caduco signo de la cruz por el de la hoz y el martillo. El ministro Moratinos se ha quedado en un pasmo ante el progreso y la dicha de la ciudadanía cubana.

Ciertamente la depravación del turista extranjero ha obligado al Gobierno de Vuestra Excelencia a mantener en las calles a las jineteras pero la inmensa mayoría de la nueva generación vive feliz, encuadrada en ese frente de juventudes admirable que es la organización de los pioneros.
Di instrucciones a mi ministro para que no abogara por los llamados «presos políticos», que no son otra cosa que mercenarios al servicio de una potencia extranjera, traidores a la patria o terroristas que pretenden socavar los cimientos de la gloriosa Revolución, el régimen establecido por Vuestra Excelencia, que es ejemplo en todo el mundo de respeto a los derechos humanos y a las libertades. Sólo la falacia del ultraderechista Aznar pudo llevar a la decadente Europa a la posición fascista de tomar medidas contra el régimen de Vuestra Excelencia. Naturalmente yo he decidido restablecer una relación privilegiada con el Gobierno democrático de Vuestra Excelencia. También di instrucciones a mi ministro para que no atendiera a los disidentes, ridículas minorías resentidas, incapaces de comprender la grandeza de la Revolución que Vuestra Excelencia, patria o muerte, ha llevado a cabo.

Dentro de dos años, mi Comandante, se cumplirán los 50 años del acceso a la jefatura del Estado de Vuestra Excelencia. Me propongo acudir a La Habana, en compañía de todo mi Gobierno para rendir a Vuestra Excelencia el homenaje que todos los demócratas del mundo le debemos. Medio siglo, 50 años, ganando una tras otra todas las elecciones ejemplarmente democráticas que se han celebrado en vuestro país, hollado un día por aquella España de infausta memoria, colonialista, católica e inquisitorial, es acontecimiento sin precedentes.

Aprovecho esta carta, mi Comandante, para implorarle que me conceda el alto honor de permitir que España se incorpore al eje Castro-Chávez-Evo, que tiene en permanente tembladera a los Estados Unidos y a su presidente fascista, el malhadado Bush.

En espera de sus gratas noticias, le reitero, mi Comandante, mi deseo y el del pueblo español de su pronto restablecimiento y quedo como siempre a la entera disposición de Vuestra Excelencia con mi renovada admiración y mi deseo permanente de seguir recibiendo vuestras enseñanzas.

José Luis Rodríguez Zapatero.

En Madrid, y en el Palacio de la Moncloa, a 7 de abril del año 2007».

Bien mirado

2007-09-19T03:20:00.000-07:00

Mirarte desde este ángulo
me está volviendo loco,
abrázame como si hubiera un terremoto.

(Surfin Bichos)

Asi no se

2007-09-17T01:57:00.000-07:00

Somos todos
casi nada y haciéndole así
no sé, poca cosa,
un círculo avaricioso
y una flor con plumas
que tiene algo que ya,
y una escuela y una tiza
en la pizarra muda con
un mapa que soy yo,
político y físico
contumaz, con mi mor
contempóraneo a la luz
de las noches de sal
cuando así yo sé que
no puedo vivir sin ti
ni sin el cosquilleo del sol
ni sin televisión por cable digital
como te dije, eh, porque te
lo dije o si no, no,
y así no sé.

Miseria de la filosofia de la miseria

2007-09-11T04:46:00.001-07:00

odiados y asesinos mandatarios
del uno y grande imperio de este mundo

no traten nuevamente de embaucarnos con
de dónde venimos adónde vamos —ya basta pues

son otras las cuestiones pero —claro

cuestiones insidiosas
que a todo bicho humano
que se precie de tal por lo de bicho y
también por lo de humano
le pueden pero rápido los nervios
dejarle destrozados que se dice
si es que algo más de bicho
que de humano cabrón le late dentro y son las únicas

las únicas cuestiones posibles contra el miedo
que a todas nos habita y va minando

amadas y cadáveres del mundo

en qué quedamos qué vamos a hacer

(Luis Melgarejo)

Liquido de seno

2007-09-05T11:59:00.000-07:00

Si sé que soy ser sin son
sin sal soy sol sin sed
si sabes ser lo que sé
seré sanson sin cesar
ser self service de sing sing
zoom sin Sam Spade
song sin singin star
zar sin iuesei
sur sin ser ni usar.
save in you sex
seis sois sin saciar.

La exactitud y los dias

2007-08-31T04:01:00.000-07:00

LA VIDA MODERNA

Ya no quiero verte si no puedo ser tuyo.
Se acaba septiembre y no estaremos juntos.
Madres adelgazando, hijos intoxicados,
generación perdida, tantos sueños en ruina.

La vida moderna es nuestra condena,
las prisas, las penas y los pisos de treinta...

Ya no quiero verte, no soy tu enfermera.
Se acaba septiembre y no vale la pena.
Mi enhorabuena, ya no hay quien te quiera...
No te queda nada, te has metido hasta el cielo.

La vida moderna es nuestra condena,
las prisas, las penas y los pisos de treinta.

Deberiamos dejarnos de chapuzas y de inventos
y perdernos por los bosques que aún no conocemos.

Lo tuvimos en las manos y lo dejamos escapar,
ahora te has dado cuenta de que no hay vuelta atrás.
Lo tuvimos en las manos y también ante el espejo
y saltó en mil pedazos, hizo polvo nuestros sueños.

La vida moderna es nuestra condena,
las prisas, las penas y los pisos de treinta.

Deberiamos dejarnos de chapuzas y de inventos
y perdernos por los bosques que aun no conocemos
y ser como el sol de otoño, escaparnos de verdad,
no nos echará de menos esta mierda de ciudad...

y ser como el sol de otoño y dejarlo todo...

y ser como el sol de otoño y dejarlo todo...

(La habitación roja)

No abandones Mahahual

2007-08-30T02:13:00.000-07:00

Mi amiga Amaya se fue de vacaciones a un paraíso natural y se encontró con un huracán que lo destruyó todo. Pero, como ella es como es, en lugar de coger un avión inmediatamente para el infierno artificial de Madrid sigue allí trabajando para que aquel lugar idílico se recupere pronto de su resfriado estival. En compañía de otros ha creado un blog donde informarse, formarse y colaborar y que yo pongo en favoritos y aquí abajo.

http://noabandonesmahahual.blogspot.com/

No hay nada mas divertido que hablar de uno mismo

2007-08-21T04:51:00.000-07:00

Decía Jardiel Poncela que lo decía Steine pero en realidad lo decía él. Excusa para citar como yo hago ahora para poner un poco de cine en un blog que se supone que también va de eso. Mientras perfilo mis últimos artículos para el especial de los 50 de www.miradas.net y pienso sobre que película escribir tras el amable ofrecimiento de mi compi Bermúdez para su Cámara lenta, cuelgo un texto antiguo sobre 800 balas
Tiros de gracia
Por Manuel Ortega

Si repasamos la trayectoria cinematográfica de Alex de la Iglesia no nos costara ver que la progresión de su cine ha sido irregular y no del todo satisfactoria. Desde aquella bocanada de pútrido aire fresco que fue Acción Mutante hasta estas 800 balas hay un camino de estilización y reafirmación a partes iguales que si no se contradicen al menos sí se solapan. Aquel grupo de tullidos revolucionarios, rebeldes, subversivos, armados y peligrosos encuentran su correlato en este grupo de freaks encerrados en un pasado al que la mayoría ni siquiera pertenecieron, borrachos, divertidos y al final todo lo de los anteriores: revolucionarios, rebeldes, subversivos, armados y peligrosos. Pero Ramón Yarritu era un desheredado que no estaba dispuesto a dar herencia ni a los suyos, por eso los traiciona y los aniquila. Julián Torralba trata a sus correligionarios con un desdén parecido durante la mayoría de la película, pero todos sabemos que es diferente, él es un desheredado que quiere donar toda su miseria a su trouppe, miseria que no es tal porque está compuesta del mismo material que aquello que buscaba Sam Spade en aquella enrevesada historia.
Alex de la Iglesia es un poco Julián Torralba y un poco su nieto: esa mezcla de cinefilia compulsiva que le embarga y esa posibilidad de hacer realidad los sueños de estar dentro. Y por eso viene este homenaje al spaghetti western aun reconociéndose más influenciado por los clásicos americanos (sólo hay que ver la escena de apertura para darnos cuenta) que por los comunitarios. Lo que pasa es que la irregularidad mostrada en su carrera se puede percibir en una sola película ya que vemos lo mejor y lo peor condensado en una pieza. Sus rasgos de autoría se siguen basando tanto en lo bueno como en lo malo. En lo bueno, ese sentido casi epidérmico de la imagen, la solvencia para rodar cualquier escena de acción, las ganas de disentir, de insistir en su imaginario, la modestia del que sabe lo que cuesta llegar y cual es su importancia (en esto me recuerda a, el también "antipático" y "mimado"para muchos, Amenabar). En lo malo, esas concesiones al freakie patrio y casposo que parecen obligatorias en su producción, ciertas irregularidades en el ritmo, soluciones facilonas de guión o guiños demasiado obvios y casi de amateur (los dos minutos finales podrían haber sido sacado de cualquier cortometraje en vídeo)
La interpretación de los actores también se ve marcada por esa dicotomía que reporta y aporta dicha irregularidad. Mientras que Sancho Gracia y Ángel de Andrés López están inconmensurables en sus papeles de sheriff y antagonista de western de baratillo y el elenco de especialistas (stunt men en estos tiempos de globalización) se dedican a robar escenas cada vez que aparecen (mención especial para Eduardo Gómez y Manolo Tallafé, el ahorcado y el gaditano que se cree abertzale, respectivamente) todo los personajes referentes a la familia del niño flaquean no sabemos si por lo estereotipado de sus roles o por la desgana de actores de la talla de Carmen Maura, Eusebio Poncela o Terele Pávez en unos papeles desagradecidos y antipáticos en comparación con los anteriormente reseñados.

De la Iglesia en su sexta película tampoco encuentra la perfección. Empezamos a pensar que no la busca.